Flight (Flight, 2012) di Robert Zemeckis

Whip Whitaker è un esperto comandante di linee aeree civili con gravi problemi di dipendenza da alcol e droghe. A causa di un improvviso cedimento strutturale, durante il volo Orlando-Atlanta, si ritrova a gestire una complessa situazione di atterraggio d’emergenza che, sebbene ubriaco, riesce a risolvere brillantemente con un’ardita manovra di volo capovolto, rallentando così il velivolo ed impendendogli uno schianto sulle case. Il disperato atterraggio di fortuna ha successo e Whitaker riesce così a salvare 96 persone, tra passeggeri e membri dell’equipaggio, a fronte di “sole” sei vittime. Malgrado la stampa lo dipinga come un eroe, il nostro finisce sotto inchiesta e, dopo la scoperta del suo vizio, viene sospeso dal servizio, rischiando addirittura il carcere per omicidio colposo. Mentre la sua vita va a rotoli, Whitaker allaccia una relazione sentimentale con l’alienata Nicole, tossica e piena di problemi personali, cercando disperatamente di redimersi. Ma la sua battaglia è appena cominciata. Zemeckis è sempre stato un regista garbatamente edificante ed i suoi film sono sempre stati pedagogicamente etici, con più di una concessione al moralismo hollywoodiano. Stavolta affronta un tema difficile e scottante, quello delle dipendenze, e, in tutta la prima parte, ci fa sprofondare, con pochi sconti, nell’inferno privato del protagonista, un intenso Denzel Washington, uomo di talento in caduta libera (in tutti i sensi), abbrutito dal vizio di alcol e droga. Senza giudicare né assolvere il suo protagonista, l’autore cerca un equilibrio tra l’enfasi e la misura, tra l’indignazione e la compassione, ponendosi il medesimo obiettivo di Whip: la sobrietà. E, per farlo, si affida totalmente ad una squadra di attori in buona forma, con Kelly Reilly e Don Cheadle ad affiancare la star Washington, protagonista assoluto. Ma non tutto funziona bene e, specialmente nella seconda parte, la pellicola assume i contorni del sermone retorico, con diverse cadute di stile e momenti grotteschi: praticamente tutte le sequenze in cui è in scena John Goodman, il cui variopinto personaggio sembra uscito direttamente da un film dei Coen ed appare totalmente stonato con il contesto narrativo. Il colpo di grazia è poi il finale politicamente corretto, che ribalta tutto quanto di buono era stato fatto, e promesso, nel primo segmento di alta tenuta drammatica. Il risultato complessivo è l’ennesima omelia moraleggiante sul tema, da sempre caro agli americani, della seconda possibilità. Occasione sprecata.

Voto:

voto: 3/5

Il colore dei soldi (The Color of Money, 1986) di Martin Scorsese

Dopo venticinque anni Eddie Felson “lo svelto” ha appeso la stecca al chiodo. Ma una sera vede il giovane Vincent, talentuoso ed arrogante, giocare al biliardo in modo sublime e questo riaccende in lui l’antica fiamma. All’inizio Eddie gli si propone come maestro nel difficile mondo delle scommesse e del gioco d’azzardo, convinto che Vincent sia un cavallo di razza su cui puntare. Ma, ben presto, le due forti personalità si scontreranno e i due si ritroveranno rivali al celebre torneo di biliardo di Atlantic City, a cui partecipano le migliori “stecche” d’America. Per il vecchio leone Eddie è l’occasione per tornare in pista e dimostrare a tutti di essere ancora “lo svelto” di un tempo. Scorsese riprende in mano la storia di Eddie Felson, venticinque anni dopo il fenomenale Lo spaccone del 1961, con questo sequel un po’ fuori tempo massimo che dà spesso la sensazione di essere un progetto “estraneo” rispetto al grande regista italoamericano. Nonostante questo il film ha stile e classe da vendere, malgrado una sceneggiatura non sempre ineccepibile, e trova i suoi momenti migliori nelle straordinarie sequenze di biliardo, riprese dall’autore con alto virtuosismo visivo. Il confronto tra il vecchio maestro cinico ed il giovane allievo scapestrato è un tema ampiamente abusato al cinema e questo tra le due star, Paul Newman e Tom Cruise, non aggiunge nulla di nuovo in tal senso, anzi lo scontro generazionale è trattato in maniera canonica e, tutto sommato, prevedibile. In definitiva ci troviamo di fronte ad una pellicola discreta, sicuramente relegabile come “minore” nell’eccezionale filmografia di Scorsese, che eccelle unicamente per i meriti tecnici e stilistici. Nel cast svetta Newman, a cui il tempo non ha sottratto il fascino ed il carisma dei giorni migliori, mentre Cruise appare troppo esagitato e sempre sopra le righe. Il film ebbe quattro nomination agli Oscar ma vinse solo Paul Newman come miglior attore, premio compensatorio per una luminosa carriera e per altri premi negatigli in passato, invero ben più meritati di questo. Da segnalare l’apparizione, fugace ma molto incisiva, di un giovane Forest Whitaker.

Voto:

voto: 3,5/5

Assassini nati - Natural Born Killers (Natural Born Killers, 1994) di Oliver Stone

Mickey e Mallory Knox sono due anime perse, giovani, disadattati e innamorati, che vanno in giro per il Southwest americano uccidendo selvaggiamente, senza alcun apparente motivo, chiunque gli capiti a tiro. Grazie all’insana enfasi data dai media alle loro azioni, i due diventano dei macabri “eroi” popolari, colpendo la fantasia di molti giovani per il fascino morboso del loro spirito ribelle. Dopo essersi lasciati dietro una lunga scia di sangue e violenze con ben 54 omicidi, Mickey e Mallory saranno arrestati, ma l’invadenza dei media fornirà loro l’occasione per altre imprese efferate. Basato su uno script iniziale di Quentin Tarantino, Assassini Nati è un’allucinata e psichedelica parabola sulla violenza e sull’influenza dei mass media nella nostra società. Stilisticamente esagitato, psichedelico e abbagliante, per la sua capacità di mescolare i più disparati elementi figurativi, oscillando costantemente tra il kitsch e il geniale, fu uno dei film più controversi degli anni ’90 e dell’intera filmografia di Oliver Stone. Il soggetto iniziale di Tarantino prevedeva un mix frenetico di azione, ultra-violenza, dialoghi surreali, riferimenti avantpop, nonché la consueta destrutturazione temporale, in accordo agli stilemi tanto cari al regista del Tennessee. Oliver Stone stravolse quasi del tutto la sceneggiatura originaria, focalizzandosi totalmente sul perverso rapporto tra violenza e mass media, che si alimentano a vicenda in un sordido gioco, usandosi l’un l’altro per i propri scopi. Ciò suscito le ire di Tarantino, che prese pubblicamente le distanze dal prodotto finale, facendo cancellare il proprio nome dai crediti. Alla sua uscita il film (premiato al Festival di Venezia con il Premio speciale della giuria) divise critica e pubblico, soprattutto per i contenuti violenti, per lo stile audace e visionario e per la veemente critica ai mezzi di informazione, al punto che taluni gridarono al capolavoro, mentre altri al flop. Chiaramente influenzato da Cuore Selvaggio di Lynch, Stone sceglie la via dell’antirealismo e dell’enfasi per attuare la sua violenta critica sociale attraverso un’estetica allucinata, manierista, basata su immagini di   elettrica follia visiva, mescolando le più disparate forme espressive, sia visive sia musicali, in un cocktail stroboscopico che “obbliga” il pubblico ad un notevole sforzo percettivo. Così passiamo rapidamente attraverso riprese sghembe, movimenti di macchina vorticosi, inserti in bianco e nero, immagini sgranate e fuori fuoco in stile amatoriale, videoclip sgargianti in stile MTV, macchie di colore, visioni subliminali deliranti, cartoni animati, atmosfere oniriche, utilizzo schizoide del rallenti e persino una sitcom (!). Anche dal punto di vista musicale l’approccio è lo stesso e si spazia, senza ritegno, tra sacro e profano: da Puccini a Peter Gabriel, da Patti Smith a Diamanda Galas, fino al grande Leonard Cohen. Per questo film l’autore utilizzò persino i più diversi formati di pellicola (35mm, 16mm, super 8mm, fino al VHS) ed un montaggio frenetico che non concede tregua, al punto che molti ne hanno paragonato la visione ad un giro sulle montagne russe. Il risultato finale è un immane esercizio di stile, ipercinetico, abbagliante, diseguale, retorico, denso di folli virtuosismi e di cadute di stile, che lascia lo spettatore attonito e che sembra cercare un senso estetico al di là del film stesso. Il punto debole è che Stone cade (volontariamente?) nello stesso errore che qui intende denunciare, ovvero la spettacolarizzazione della violenza per fini mediatici, finendone, a sua volta, fagocitato come il serpente che si morde la coda, in un paradosso logicamente inestricabile. Nel ricco cast spiccano Juliette Lewis, perfettamente a suo agio nel ruolo della “bad girl” che alterna fragilità e perversione, brutalità e romanticismo, e Robert Downey Jr nel ruolo del giornalista allucinato, metafora emblematica della follia morbosa dei media. Tommy Lee Jones si limita ad un ruolo parodistico, Tom Sizemore è credibile nei panni dello sbirro sadico, mentre il protagonista Woody Harrelson è quello che convince meno. Tra eccesso e furore stilistico Stone manda in onda la violenza dello spettacolo, in quest’opera instabile che, se non convince del tutto, lascia sicuramente un segno nella memoria, nutrendo la sua sinistra fama con la stessa materia oggetto della narrazione.

Voto:

voto: 3,5/5

Il caso Spotlight (Spotlight, 2015) di Thomas McCarthy

L’arrivo di un nuovo direttore al quotidiano “Boston Globe”, nell’estate del 2001, riporta in auge la così detta “Spotlight”, una squadra di giornalisti d’assalto, un tempo famosi per i brillanti servizi investigativi, ormai impelagati in lavori di squallida routine. Sotto la guida del nuovo leader, i coraggiosi membri del team s’impegneranno anima e corpo in un’indagine scottante e scandalosa: gli abusi sessuali, compiuti da diversi sacerdoti della diocesi bostoniana, a danno di minori. Schierandosi apertamente contro il potere millenario della Chiesa cattolica romana, gli impavidi giornalisti intendono dimostrare la connivenza del cardinale Law, e quindi delle alte sfere ecclesiastiche locali, che, pur sapendo dei terribili crimini commessi, hanno scelto di tacere, per insabbiare il caso ed evitare lo scandalo. Eccellente film inchiesta di Thomas McCarthy, sobrio, denso, efficace, capace di analizzare con lucido rigore un tema altamente scottante senza mai perdere equilibrio, senza mai andare troppo sopra le righe, evitando saggiamente il rischio di scadere nel sensazionalismo demagogico o nel populismo anti clericale. Si può dire, senza alcun timore di smentita, che quest’opera di denuncia guarda direttamente alla tradizione del grande cinema americano d’impegno civile degli anni ’70, con particolare riferimento a quello di Alan Pakula. Calibrato e realistico nel racconto, teso nel ritmo nonostante i molti dialoghi e scritto in maniera ineccepibile dallo stesso regista, insieme a Josh Singer, è un solido film d’attori (Mark Ruffalo, Michael Keaton, Liev Schreiber, Rachel McAdams) che qui dimostrano il medesimo affiatamento dei veri giornalisti che costituivano la squadra “Spotlight”. La forza dell’opera risiede tutta nella capacità di equilibrare l’inevitabile veemenza della condanna di un crimine aberrante come la pedofilia, con un assennato senso della misura che consente di andare oltre la patina, ricercando le colpe degli atteggiamenti omertosi tenuti dalle alte sfere ecclesiastiche non solo nella Chiesa, ma anche in certi comportamenti degeneri della società laica. Bandendo ogni facile spettacolarizzazione censoria, questo film affilato penetra nell’essenza del problema e trasuda una vigile indignazione civile, tesa non solo a denunciare, ma ad estirpare in modo definitivo il cancro di un problema così abbietto, bilanciando la pietosa solidarietà per le vittime con l’efficacia dell’inchiesta e la severa risolutezza della condanna. E’ una pellicola importante, classica, a suo modo necessaria per la capacità di ridare smalto ad un tipo di cinema didattico, impegnato, politico, senza alcuna forma di moralismo o di ipocrisia.

Voto:

voto: 4/5

Buongiorno, notte (Buongiorno, notte, 2003) di Marco Bellocchio

Il 16 marzo 1978, con l’eccidio di via Fani ed il rapimento dell’onorevole Aldo Moro, la strategia della tensione da parte del terrorismo eversivo toccò il suo apice e gli “anni di piombo” entrarono nella loro fase più tragica. I 55 giorni di prigionia di Aldo Moro nelle mani delle Brigate Rosse, culminati con il suo brutale assassinio, il 9 maggio 1978, furono una delle pagine più nere della storia italiana del ‘900 e, ancora oggi, restano avvolti da un fitto mistero, tra teorie complottistiche, leggende metropolitane e punti obiettivamente oscuri. Dopo il cronachistico Il caso Moro (1986) di Giuseppe Ferrara, di cui resterà principalmente la straordinaria interpretazione del compianto Gian Maria Volontè, e lo spettacolare, ma banale, thriller Piazza delle Cinque Lune (2003) di Renzo Martinelli, il cinema italiano torna a confrontarsi nuovamente con quei drammatici giorni che tennero l’intera nazione col fiato sospeso, grazie a questo eccellente film di Bellocchio, liberamente ispirato al libro “Il prigioniero”, scritto dalla ex brigatista Anna Laura Braghetti. L’autore emiliano, in accordo alla sua originalità di concezione ed al suo coraggio “polemico”, sceglie una prospettiva differente, raccontandoci la storia, in soggettiva, dal punto di vista femminile di Chiara, personaggio di fantasia ispirato alla Braghetti e, forse, anche ad Adriana Faranda. Chiara è una giovane brigatista che, nella finzione cinematografica, fu tra i carcerieri di Moro, nell’appartamento-prigione di via Montalcini insieme a Mario Moretti (qui chiamato Mariano), Germano Maccari (chiamato Ernesto) e Prospero Gallinari (chiamato Primo). La donna passa dall’iniziale fede fanatica nella causa della lotta armata ad un progressivo scetticismo, provocato dai contatti con l’uomo Aldo Moro, fino ad una sorta di reale pentimento, culminato con il voto contrario all’uccisione del prigioniero. Questa particolare impostazione narrativa dà luogo ad un film emotivo, teso, vibrante, in bilico perenne tra cronaca e finzione, storia e romanzo, realtà e sogno. La bravura del regista sta nella grande capacità artistica di conciliare le diverse anime dell’opera: un intenso dramma da camera (la camera è, in questo caso, la “prigione del popolo”), un ambiguo apologo psicologico sul complesso rapporto tra prigioniero e carceriere, una potente requisitoria politica contro l’imbelle potere istituzionale che, a suo modo, si rese “complice” della morte del Presidente ed un ardito racconto fantastico, denso di momenti onirici, che trova il suo tripudio nello splendido, e visionario, finale alternativo con Moro, libero, che vaga nelle strade deserte di Roma, alle prime luci di un’alba utopistica, sulle memorabili note dei Pink Floyd. Non tutto funziona a dovere in questa coraggiosa miscela di suggestioni; così alcune contrapposizioni (come quella tra la pavida logica dello Stato ed il rigido fanatismo dei brigatisti) sono troppo nette mentre altri segmenti appaiono come mere divagazioni, come l’accenno di storia d’amore, platonica, tra Chiara e l’aspirante regista Enzo, conosciuto in biblioteca, che le fa leggere la sua sceneggiatura sulla vicenda Moro, il cui titolo coincide con quello del film. Però è impossibile negare il fascino, l’audacia e l’originalità di una pellicola come questa, unica nel suo genere. Il film fu premiato al Festival di Venezia come miglior sceneggiatura, scritta dallo stesso Bellocchio, e la cosa generò molte polemiche tra i tanti che lo ritenevano meritevole del massimo premio, che venne invece assegnato, dalla giuria presieduta da Mario Monicelli, a Il ritorno (Vozvrašcenje) di Andrei Zviagintsev.

Voto:

voto: 4/5

L'ora di religione - Il sorriso di mia madre (L'ora di religione, 2002) di Marco Bellocchio

Ernesto Picciafuoco, pittore di successo ed ateo convinto, viene a scoprire, in ritardo rispetto ai familiari, che la Chiesa ha avviato le pratiche di beatificazione di sua madre, fervente cattolica, bigotta e stolta, uccisa tragicamente da Egidio, fratello di Ernesto, malato di mente e incallito bestemmiatore. La notizia sconvolge Ernesto e lo costringe a venire a patti, suo malgrado, con un passato doloroso, con le sue idee di artista liberale e con la sua numerosa e colorita famiglia. Questo intenso dramma esistenziale, abilmente sospeso sul filo del paradosso nel suo continuo oscillare tra pubblico e privato, è il miglior film di Bellocchio dai tempi de I pugni in tasca, il suo folgorante esordio giovanile che lo impose, di prepotenza, sul panorama cinematografico europeo. Denso, equilibrato, geniale e ricco di straordinarie invenzioni visive, oscilla sapientemente tra comico e tragico, cinismo e tenerezza, reale e surreale, sermone e delirio, sacro e profano, becero e sublime, con il grottesco a far da collante ad una vicenda altrimenti ardua da metabolizzare. Più che un libello sulla fede, o, di contro, sulla dignità dell’ateismo, è un’acida parabola umanista sulla decadenza della borghesia e sul contrasto tra essere e apparire, tra come siamo e come la società ci vorrebbe. Tra i tanti momenti alti dell’opera è impossibile non ricordare le sequenze oniriche, che virano nel visionario e gli conferiscono la dignità di una metafora drammaturgica di finissimo spessore: il duello all’alba, i nobili neri, il fantasma della Gradiva. La scena più famosa, quella della bestemmia, coincide anche con il climax emotivo della pellicola, quello in cui convergono idealmente tutte le tensioni drammatiche che la innervano sottopelle. Tra Svevo e Buñuel, l’autore emiliano porta avanti la sua denuncia con eleganza incorporea, senza mai declamare o pontificare, bandendo i giudizi morali e le conclusioni sommarie, ma abbracciando, piuttosto, uno stile etereo e raffinato, di altissima valenza simbolica. Nel cast ispiratissimo svettano Castellitto e la Degli Esposti, ma i (tanti) premi europei li ha portati a casa tutti il primo. E’ il miglior film italiano del 2002 ed uno dei migliori in assoluto del suo decennio.

Voto:

voto: 4,5/5

Secretary (Secretary, 2002) di Steven Shainberg

La giovane Lee Holloway, goffa, inibita, sessualmente inesperta e con tendenze autolesionistiche, trova lavoro come segretaria nello studio del pittoresco avvocato Edward Grey, solitario maniaco depressivo ossessionato dal sadomasochismo. Tra i due s’instaura ben presto un morboso rapporto di dominazione sessuale, con una varietà di giochi “punitivi” sempre più spinti in cui lei è la vittima servile e lui il carnefice padrone. Entrambi irretiti dalla strampalata relazione, e sempre più convinti di aver trovato nell’altro quello che cercavano, rischieranno di perdere il controllo della situazione. Frizzante commedia nera, tanto paradossale quanto politicamente scorretta, che ha riscosso larghi consensi al Sundance Film Festival del 2002, al punto da divenire, all’istante, un’opera di culto per tutti gli amanti di un cinema “altro”, spudorato ed “underground”. Egregiamente sceneggiato dalla “femminista” Erin Cressida Wilson e diretto con brio dallo sconosciuto Steven Shainberg, con alle spalle un passato da regista di videoclip, è una love story bizzarra dallo spirito “corrosivo”, sospesa tra perversione e tenerezza, che gioca abilmente con i tabù sessuali per ridicolizzarli e, quindi, sdoganarli. Costruita interamente sull’iperbole, a tratti esilarante grazie ad un sapiente utilizzo del grottesco e non esente da furbizie romantiche, questa dark comedy “scandalosa” e psicopatologica è ben più arguta e profonda di quanto possa apparire ad una visione superficiale, e può essere letta, a un certo livello, come caustica satira sul tema delle molestie sessuali in ambiente lavorativo, oltre che come sfacciata riflessione sul complesso relativismo delle relazioni amorose. E non a caso il finale inatteso costituisce, in tal senso, il supremo sberleffo nei confronti dello spettatore. Nel cast Maggie Gyllenhaal è bravissima, mentre James Spader appare a volte “ingessato”. E’ una pellicola gioiosamente malandrina, per amanti delle commedie eccentriche e audaci.

Voto:

voto: 3,5/5

Sangue del mio sangue (Sangue del mio sangue, 2015) di Marco Bellocchio

Due vicende ambientate a Bobbio in epoche storiche diverse, una nel ’600 e l’altra ai giorni nostri. Nella prima un militare a cavallo, Federico, arriva in un convento per riscattare la memoria del fratello prete, morto suicida per la vergogna di aver ceduto alla passione carnale nei confronti della giovane suora Benedetta. L’uomo è evidentemente combattuto tra la volontà di riabilitare il fratello e l’onore familiare ed una possente attrazione sessuale verso le donne, che presto esploderà nei confronti della stessa Benedetta, pur sottoposta alle angherie dell’inquisizione cattolica del tempo, con tanto di processo, torture, umiliazioni e disumana condanna ad essere murata viva. Nella seconda vicenda il Federico di oggi è un millantatore che si spaccia per ispettore ministeriale e che, accompagnato da un pittoresco milionario russo, bussa alla porta dello stesso convento, ormai dismesso ed affidato a un custode, per cercare di comprarlo. Ma nell’antico cenobio abita in segreto un vecchio e misterioso conte, che, da anni, ha scelto di fuggire dalla vita sociale ed esce solo di notte, aggirandosi per le strade del paese dove incontra stravaganti personaggi, che sembrano tenere le fila dell’arcaico ordine sociale del piccolo borgo emiliano. Con questo dramma elusivo, arcano, affascinante ed orgogliosamente autonomo, Bellocchio torna a parlarci dei suoi temi e, soprattutto, del suo mondo, quella Bobbio eretta a simbolo estensivo, limitato ma non limitante, di un processo umano più ampio, che passa per la Storia ma utilizza il linguaggio delle metafore, ermetiche ed inquietanti, e si condensa nello stile asciutto di una “biografia” sperimentale, libera da qualunque pretesa di verosimiglianza. Con il tempo lo sguardo ribelle dell’autore è diventato più cinico, mai bonario, sempre affilato, ma più maturo, capace di conciliare lo spirito di un narratore di razza, l’impudenza di un dissidente e l’analisi critica di un arguto osservatore del mondo, in grado di asciugare l’enfasi per mirare all’essenza, declinando liberamente le proprie convinzioni senza più badare al consenso generale o alla facilità di esposizione. In questo melodramma trattenuto il regista mescola, arditamente, la monaca di Monza con il registro grottesco di una surreale commedia nera, inteso, evidentemente, a criticare, nella seconda parte, la grossolana invadenza del Nuovo che travolge e stravolge il Vecchio ordine delle cose. L’eleganza sacrale del silenzio contrapposta al chiasso assordante del rumore. Il risultato, forse spiazzante ma di indubbia fascinazione intellettuale, è una sfuggente “sineddoche” di corsi e ricorsi umani, in cui la figura femminile, fonte di passione, struggimento e dannazione, è l’assoluta protagonista: centrale, potente, addirittura dirompente in un meraviglioso finale di grande forza evocativa. Chi ha bollato questo film come opera criptica ed inconcludente, non ne ha colto i lampi di genio, la sontuosa bellezza di alcune sequenze magnifiche come la “tortura” di Benedetta nel fiume o il già citato epilogo, e, soprattutto, ne ha ignorato l’alta libertà espressiva e l’estremo rigore formale, segni evidenti di rilevante statura artistica. I punti di debolezza risiedono, piuttosto, nella (voluta?) disomogeneità tra l’austero splendore del segmento seicentesco ed alcuni momenti “goffi” di quello contemporaneo, evidentemente volti a stigmatizzare l’eterno provincialismo italiano. Ma Bellocchio riconferma il suo talento, il suo vigore laico, coraggioso e puntiglioso nell’analisi sociale, in cui l’antica veemenza polemica sessantottina si è trasformata in una più misurata capacità critica di coniugare storia, cronaca ed autobiografismo, con un occhio sempre aperto sul presente e l’altro sul passato.

Voto:

voto: 4/5

Steve Jobs (Steve Jobs, 2015) di Danny Boyle

Ritratto in chiaroscuro del compianto Steve Jobs, geniale imprenditore informatico americano, fondatore di Apple capace di dar forma concreta ai sogni hi-tech di quattro generazioni. L’intreccio narrativo ci viene presentato attraverso tre momenti topici della sua vita professionale, coincidenti con il lancio di tre prodotti simbolo: il Macintosh nel 1984, il NeXT Computer nel 1988 e l’iMac nel 1998. L’adrenalinico Danny Boyle confeziona un biopic atipico, dal ritmo frenetico, accelerato ed iperattivo come lo era Jobs nel dirigere la grande “orchestra” di brillanti talenti tecnici che hanno reso possibile il “sogno” Apple, tramutando in realtà la sua visione. Egregiamente scritto da Aaron Sorkin, che si è basato sulla biografia “ufficiale” del celebre informatico scritta da Walter Isaacson, forte di una sceneggiatura calibrata densa di dialoghi taglienti e di situazioni emotivamente “al limite”, è una biografia parlata, teatrale, convulsa, che, più che raccontarci la vita di Steve Jobs (ormai nota a tutti), intende svelare il personaggio, l’uomo e il genio, mettendone a nudo implacabilmente i lati oscuri, gli aspetti spigolosi, l’arroganza sfacciata, il contagioso entusiasmo, il cinismo glaciale, i rimorsi malcelati, la scarsa attitudine ai rapporti sociali, le vulnerabilità ed i punti di forza. Sfuggendo da ogni tentazione agiografica, Boyle asseconda visivamente lo script di Sorkin, con un registro stilistico dinamico, intenso, attentissimo alla progettazione formale (così come era il vero Jobs con il design dei suoi prodotti), in grado di offrire il massimo risalto alle notevoli interpretazioni degli attori principali, tutti bravissimi, da Michael Fassbender a Kate Winslet, senza dimenticare Seth Rogen e Jeff Daniels. Lo schema narrativo è geometrico, ripetitivo quanto avvolgente: le tre situazioni raccontate sono quasi del tutto identiche ma traslate nel tempo; così possiamo vedere Steve Jobs, sempre accompagnato dalla fedele Joanna Hoffman, suo braccio destro, alle prese con i medesimi problemi tecnici ed umani, nella concitazione della vigilia di importanti presentazioni commerciali, impegnato in agitati incontri-scontri sempre con le stesse persone chiave della sua vita. I momenti più deboli del film sono le concessioni, tollerabili ma presenti, alla retorica sentimentale nella messa in scena del suo difficile rapporto con la figlia Lisa, nata da un breve amore giovanile, inizialmente non accettata, poi tollerata ed infine amata, ma alla sua maniera. Tra il genio ed il mito, Boyle cerca di mettere a nudo l’anima di Jobs, leader tormentato e visionario, predestinato alla solitudine propria di tutti i grandi, le cui azioni decidono o influenzano il destino di altri uomini. L’operazione è, in buona parte, riuscita, grazie all’ottima squadra di attori ed alla solida sceneggiatura di partenza, e la leggenda di Steve Jobs, tra scene madri e battute fulminanti, ci appare un po’ meno distante e, se possibile, più comprensibile.

Voto:

voto: 3,5/5