Atlantic City, USA (Atlantic City, 1980) di Louis Malle

Lou è un vecchio scalcagnato, ex gangster, truffatore incallito ormai al crepuscolo, che si fa mantenere da un’anziana signora. In un weekend “da leone” avrà una storia con la giovane Sally e la salverà da due killer mafiosi, che danno la caccia ad una partita di droga rubata dal suo ex marito. Malinconico dramma gangsteristico diretto da Malle (in una delle sue “trasferte” americane), costantemente all’ombra della celebre e decaduta Atlantic City, eterna promessa mancata della costa Est degli Stati Uniti, un tempo antica “capitale” della malavita per il miraggio di una futura Las Vegas sull’Atlantico. La fascinosa ambientazione decadente regola l’atmosfera e lo stile del film, donandogli uno spirito austero e fatiscente insieme, al punto che la città stessa, che gli dona il titolo, può essere considerata una sorta di coprotagonista. E’, essenzialmente, un film di dialoghi, di personaggi e di scenari che contano ben più dell’azione. E’ un’elegia in nero di un mondo mitizzato, quello della vecchia mala che non esiste più, un mondo che ha smarrito le sue coordinate e che ormai soccombe, impotente, di fronte al nuovo che avanza inarrestabile. In tal senso appare evidente la connessione tra la città e il personaggio di Lou, due sconfitti disincantati che si sono allontanati dalla realtà di un tempo, ma che sono ancora alla ricerca di un fugace barlume di riscatto, di una disperata “botta di vita”. Nel cast spiccano un grande Burt Lancaster, il cui istrionismo viene ben tenuto a freno dal regista, e Susan Sarandon, che ci regala una bollente scena erotica, ripresa anni dopo da Tornatore in Malèna, in cui, spiata da Lou, spalma il succo di limone sul suo seno nudo. Il film vinse il Leone d’Oro al Festival di Venezia insieme a Gloria di Cassavetes. Ebbe anche cinque candidature agli Oscar del 1982, ma non vinse nessun premio.

Voto:

voto: 4/5

Truman Capote - A sangue freddo (Capote, 2005) di Bennett Miller

Nel 1959 lo scrittore Truman Capote decide di scrivere un articolo su un atroce fatto di sangue avvenuto in Kansas: lo sterminio di un’intera famiglia, a colpi di fucile, da parte di due giovani sbandati. Dopo l’arresto dei due colpevoli, Capote, sempre più attratto dal caso, cambia il suo progetto iniziale, dando così vita al suo romanzo più famoso ed ambizioso, “A sangue freddo”. Nei sei anni che separano i colpevoli dallo loro esecuzione capitale, lo scrittore instaurerà uno strano rapporto (prima epistolare e poi attraverso incontri privati nella sua cella) con uno dei killer, Perry Smith, un “mezzo sangue” desideroso di conoscenza. Cupo dramma autunnale di Bennett Miller, ispirato alla vera storia della lavorazione del romanzo inchiesta “A sangue freddo”, che divenne un’autentica ossessione per il suo autore. Lo stile seguito dal regista intende ricalcare, con intelligenza, quello tenuto da Capote nel corso della sua reale indagine: reticente, ambiguo, asettico, distaccato. E così la pellicola suggerisce ma non dice ed il suo metodo di analisi, lucido ma sfuggente, è perfettamente ricalcato sulla personalità dello scrittore, un personaggio mondano, tormentato ed enigmatico, con un’aura carismatica dai tratti oscuri. Il punto di forza assoluto della pellicola è la straordinaria interpretazione mimetica di Philip Seymour Hoffman, che praticamente diventa Truman Capote, replicandone l’aspetto, la voce, la mimica, gli atteggiamenti e, soprattutto, l’inquietante ambiguità. Vincitore di tutti i premi maggiori dell’anno, Oscar compreso, Hoffman ci regala una performance indimenticabile, prendendo sulle sue spalle tutto il peso del film. L’ossessione di Capote è quella dell’artista: creare un’opera d’arte ad ogni costo, utilizzando il medesimo “sangue freddo” del titolo per passare, machiavellicamente, su tutto: vittime, colpevoli, morale e giustizia. Con i proventi dei diritti cinematografici del suo libro “Colazione da Tiffany”, lo scrittore finanziò l’intera durata dell’indagine, prolungando la vita dei due assassini tramite una richiesta d’appello, per riuscire ad ottenere ciò che voleva: la piena conoscenza dell’atto criminoso, attraverso le interviste a Perry Smith, ed un degno finale per il suo libro. Il suo modo di agire, tra cinismo e narcisismo, con evidenti dubbi di “connivenza”, getta luci e ombre sul suo capolavoro letterario e pone lucidamente la questione che è alla base del film: il rapporto tra arte ed etica, ovvero la legittimità di un’inchiesta condotta sul filo del morboso rispetto ad un fine creativo. Come già detto la pellicola sceglie, saggiamente, di non dare risposte, lasciando che tutto svanisca nello sguardo enigmatico di Hoffman/Capote, autore sui generis sospeso tra genio e dannazione.

Voto:

voto: 4/5

Monster (Monster, 2003) di Patty Jenkins

Storia vera di Aileen Wuornos, una reietta originaria del Michigan, con un doloroso passato alle spalle e una vita difficile dedita alla prostituzione occasionale. Per difendersi da un cliente violento, che cerca di stuprarla dopo averla selvaggiamente percossa, Aileen gli spara e lo uccide, iniziando così un pericoloso percorso di follia omicida che la porterà a sfogare la sua rabbia repressa su altre sei vittime, tutti clienti, assassinati dalla donna tra il 1989 ed il 1992. Il suo unico conforto, una relazione omosessuale iniziata con la più giovane Selby, scappata di casa per stare con lei, non riuscirà a salvarla da un atroce destino: l’arresto e la condanna a morte, eseguita tramite iniezione letale nel 2002. Sordida vicenda di solitudine, disperazione e degrado morale, ambientata in quella provincia americana così lontana, in tutti i sensi, dall’iconografia “da cartolina” che da sempre accompagna l’America delle grandi metropoli e che è ben radicata nell’immaginario collettivo. La regista Patty Jenkins, che ha realmente conosciuto la vera Aileen Wuornos poco prima della sua esecuzione, porta sullo schermo la storia della prima donna “serial killer” d’America, affrontando la vicenda con sensibilità e compassione e ricercandone le cause della violenza omicida in una vita di sofferenze e di soprusi. Pur non assolvendo il suo personaggio, la regista cerca di condividerne le colpe con una famiglia assente ed una società cinica, ferocemente crudele nei confronti delle persone “diverse” e non omologate. Tuttavia, nonostante il tentativo di mantenere sempre lucida l’analisi di una materia così scottante, la pellicola risulta spesso troppo cauta, didascalica, insabbiandosi a volte in un pavido schematismo. Per fortuna ci sono le due interpreti femminili, entrambe bravissime e credibili, a risollevarne le sorti, elevando l’opera sopra la media. Straordinaria la trasformazione fisica di Charlize Theron, ingrassata ed imbruttita per l’occasione, encomiabile per la sua completa adesione allo sgradevole personaggio di Aileen, a cui si è donata anima e corpo, cercando sempre di mostrarne i lati oscuri e quelli teneri, la rabbiosa violenza e le mille fragilità. Il risultato è una prova attoriale potente, quasi sempre sopra le righe, ma indubbiamente sorprendente e meritevole di tutti i premi ricevuti (Oscar, Golden Globe, Berlinale). Ma va lodata anche la più sfumata performance di Christina Ricci nel ruolo di Selby, una fragile ragazza lesbica di provincia, invisa dal suo ambiente familiare, che perde la testa per la ribelle e “mascolina” Aileen. Nel loro rapporto intimo e nel mix delle loro personalità, diverse ma complementari, c’è il cuore del film, l’angolo emotivo in cui appartarsi per tener fuori la brutalità del mondo.

Voto:

voto: 3,5/5

Femme Fatale (Femme Fatale, 2002) di Brian De Palma

Una ladra bella e misteriosa esegue un colpo rocambolesco al Festival del Cinema di Cannes: seduce un’attrice nel backstage e le ruba un corpetto d’oro, a forma di serpente, tempestato di diamanti. Ma le foto scattate da un paparazzo mettono nei guai la donna, riportando sulle sue tracce dei vecchi complici che sono stati truffati dalla femme fatale. Braccata dai gangsters, la ragazza in fuga coinvolge anche il fotografo nella pericolosa vicenda. Ambiguo thriller citazionista di De Palma, che omaggia non solo il solito Hitchcock ma anche la sua carriera passata, è un film patinato, onirico, conturbante per la sua carica erotica, ma algido nella messa in scena. Esattamente come il corpo statuario della sua protagonista, Rebecca Romijn, la pellicola emana una sensualità glaciale, distante, altera. Come al solito il talento stilistico del regista è innegabile e lo si può ammirare in numerose sequenze visivamente fulminanti, magistrali frammenti virtuosistici che galleggiano in un universo narrativo intellegibile, sfuggente e non sempre coerente. Tra Lynch e Antonioni, De Palma effettua il suo personale omaggio al vecchio noir francese, alla figura della dark lady di cui è da sempre innamorato, mettendo in scena una sorta di Eva Kant sinuosa ed elusiva, seducente e fragile, pericolosa e misteriosa, ma la sensazione è che l’interpretazione della Romijn non le renda mai piena giustizia. Lo stesso Antonio Banderas, nei panni del fotografo ficcanaso, appare svagato e mai realmente in parte, mentre non si può non elogiare la stupenda Rie Rasmussen, la cui camminata rimane impressa nella memoria insieme allo straordinario incipit del film. De Palma sembra ormai limitarsi all’oleografia di sé stesso, attraverso esercizi di stile ad evidente sospetto di manierismo autoreferenziale, indubbiamente splendidi, ma fini a se stessi, che non bastano a sollevare le sorti di un’opera fragile, sbilanciata, sicuramente non all’altezza delle sue migliori.

Voto:

voto: 3/5

Sesso, bugie e videotape (Sex, Lies, and Videotape, 1989) di Steven Soderbergh

Tradimenti, voyeurismo e perversioni a Baton Rouge, Louisiana. L’avvocato rampante John ha sposato Ann, bella ma sessualmente frigida, e la tradisce con la procace cognata Cynthia. Un giorno arriva Graham, vecchio amico di John, che vive la sessualità in maniera singolare e che, forse a causa della sua impotenza, ama riprendere le donne che parlano di sesso e raccontano le proprie esperienze intime. La repressa Ann è irresistibilmente attratta da lui. Interessante esordio del talentuoso Steven Soderbergh, con questa commedia acre e spudorata, che utilizza il sesso (ovvero il tabù per eccellenza) per abbattere l’ipocrisia ed il moralismo dei benpensanti, attuando così una tagliente critica della società borghese. In questo vivace frullato di scandali, coppie che scoppiano, pruriti nascosti e desideri inconfessabili, l’autore attua una lucida analisi sulla natura umana e sulla falsità del modello di vita agiato della middle class, in cui ciascuno s’identifica con la maschera che è costretto a portare dalle convenzioni conformiste, salvo poi rifugiarsi nell’eros “proibito” per cercare di essere realmente sé stesso. La struttura narrativa, vivace ma schematica, è quella di un corrosivo dramma da camera, verboso e sfacciato, che intende tracciare una sovrapposizione concettuale tra la vita reale e quella in video, che ne diventa non solo un surrogato evasivo ma, soprattutto, un’entità a cui riferirsi per confessare il proprio mondo interiore e portarlo alla luce, proprio come durante una seduta di psicanalisi. Il voyeurismo non appare quindi come un esercizio esecrabile di cui vergognarsi, ma, piuttosto, uno strumento di liberazione dalla repressione sessuale, in nome di quella libertà di fruizione a cui ciascuno dovrebbe aspirare, senza alcun impaccio morale. Ma il meccanismo diegetico non è sempre ben oliato e, talvolta, s’inceppa nella ricerca esasperata del virtuosismo registico. Però, quando funziona a dovere, garantisce una convincente riflessione sulla vita di coppia, sull’importanza del sesso nella psiche umana e sull’ingerenza del video nel nostro quotidiano. In quest’universo materialista e un po’ meschino messo in piedi dall’autore, in cui alcuni hanno voluto cogliere riferimenti al cinema di Rohmer, la libido appare in bilico tra omesso ed inteso, sul filo sottile di una narrazione volutamente irritante, che intende avvolgere lo spettatore in un ambiguo gioco sgradevolmente conturbante. Ma non sempre la “confessione” è all’altezza delle attese, perché le intriganti riflessioni e gli arditi simbolismi che il regista mette in campo non sanno elevarsi al di sopra di una platonica idealizzazione della sessualità “disinvolta”. Il film è piaciuto tantissimo ai francesi, che lo hanno premiato con la Palma d’Oro al Festival di Cannes, con una certa magnanimità. Nel buon cast spiccano Andie MacDowell e James Spader, un vero abitué dei ruoli “scandalosi”.

Voto:

voto: 3,5/5

The Town (The Town, 2010) di Ben Affleck

Doug MacRay è un ragazzo di Boston, di origini irlandesi, cresciuto nel malfamato quartiere di Charlestown, tra amicizie pericolose ed un padre delinquente sempre in galera. E’ divenuto capo di una banda di ladri specialisti in rapine “chirurgiche” nella banche cittadine e gli “affari” vanno alla grande finché un giorno, per coprirsi la fuga durante un colpo, sono costretti a rapire la giovane direttrice di una filiale, Claire, per poi liberarla poco dopo incolume. Irresistibilmente attratto dalla donna, Doug inizia con lei una pericolosa relazione, nascondendole la sua vera identità e tenendo celata la cosa ai membri della sua banda. Ma sulle sue tracce c’è lo zelante agente dell’FBI Frawley, che prova a sua volta un interesse sentimentale nei confronti di Claire. Intenso noir urbano di Affleck, di forte impatto visivo e dal ritmo incessante, che aderisce pienamente ai canoni dei “film di rapina”, mettendo a confronto la logica dei criminali con quella degli sbirri e cercando in entrambe una propria “etica”. Ispirato al romanzo “Il principe dei ladri” di Chuck Hogan, amplia il discorso che vede la città (come da titolo e in accordo ai collaudati stilemi del cinema americano) luogo emblematico di scontro tra legalità e illegalità, inserendovi una storia d’amore, non troppo credibile, che diventa l’ulteriore “teatro” di lotta tra le parti belligeranti. Ed è proprio qui il lato debole di questo film bifronte, che appare teso, nervoso e scattante nelle scene d’azione violenta, girate con crudo dinamismo, mentre si affloscia nei troppi momenti sentimentali, che appaiono posticci, mielosi e sovraesposti. Nella folta galleria di personaggi, quasi tutti ben delineati, il meno interessante è il protagonista Doug/Affleck, un cattivo glamour, romantico e muscoloso, che sembra uscito dal più squallido dei fotoromanzi. Sono invece eccellenti le interpretazioni di Jon Hamm, Jeremy Renner e persino di una sorprendente Blake Lively, che va ben oltre i propri standard recitativi nel ruolo di una sporca “sgallettata” dei bassifondi. Il film garantisce un gradevole intrattenimento e conferma le buone qualità di Ben Affleck regista (come anche la sua scarsa attitudine in veste di attore), ma è l’opera più debole della sua filmografia da “director”. E forse sarebbe stato meglio non conoscere i modelli alti a cui lo stesso autore ha dichiarato di essersi ispirato per questa pellicola: Gomorra di Matteo Garrone e Heat di Michael Mann. Modelli tanto alti quanto lontani, ahinoi.

Voto:

voto: 3/5

Oltre il giardino (Being There, 1979) di Hal Ashby

Chance è un giardiniere analfabeta e sciocco, che sa solo occuparsi amorevolmente del giardino di un vecchio signore, che lo ha accolto con benevolenza, e conosce il mondo attraverso la televisione, di cui è dipendente. Per una serie di bizzarri equivoci entra nelle grazie della moglie di un magnate, che lo scambia per un gentiluomo pittoresco ma saggio, e le sue secche affermazioni sul giardinaggio vengono scambiate per profonde metafore di natura filosofico esistenziale. In breve l’ingenuo Chance diventerà una celebrità e sarà addirittura ricevuto alla Casa Bianca in veste di consigliere. Dal romanzo “Presenze” del polacco Jerzy Kosinski, che ha scritto anche la sceneggiatura del film, Ashby ha tratto questa commedia garbata, sotto forma di favola lieve, un po’ malinconica, con sprazzi di tenero surrealismo. Ma sotto la coltre ingenua ed edificante si nasconde una sottile satira di costume che ha nel mirino il sogno americano e la mitologia del “self made man”, che vengono impunemente sbeffeggiati attraverso l’inverosimile vicenda di Chance (il cui nome è già di per sè emblematico), teorizzando così che qualunque idiota fortunato sia in grado di arrivare ai vertici della scala sociale statunitense. Altro evidente oggetto della critica del regista è il ruolo invadente e pervasivo della televisione nella società americana, la sua capacità di ottenebrare le menti e obnubilare le coscienze, creando così una generazione di stolti, felicemente ignari della propria dipendenza. Ma è grazie alla superba interpretazione di Peter Sellers, la penultima e, probabilmente, la migliore della sua carriera, che il film riesce a regalarci i momenti migliori, in bilico tra il comico e l’amaro, il beffardo e lo struggente. Attraverso una ricca gamma di espressioni, di sguardi, di risatine fugaci e di movenze (come non citare la strana camminata di Chance, che è, insieme, buffa e solenne), Sellers ci consegna un personaggio indimenticabile nel suo mix di tenerezza, amabile impaccio e sottile malinconia. Questo antesignano di Forrest Gump, che sembra uscito da una vecchia pellicola di Frank Capra, è un puro di cuore, una sorta di angelo caduto in un mondo alieno, che ne attraversa incolume le mille malizie con l’aiuto di una virginale franchezza, che risulta disarmante per l’interlocutore. Candidato all’Oscar come miglior attore protagonista, Sellers si vide “soffiare” il premio dal Dustin Hoffman di Kramer contro Kramer. Fu invece premiato Melvyn Douglas, come non protagonista, per il ruolo del potente magnate Rand, che introduce Chance nella società “che conta”. Quest’affilata parabola satirica dal tono bonario, che rappresenta il vertice della carriera di Ashby, sa mettere garbatamente alla berlina due pilastri dell’american way of life, ed attiene con eleganza al suo duplice scopo: divertire e far riflettere. Un sorriso dal retrogusto acre.

Voto:

voto: 4/5

I ponti di Madison County (The Bridges of Madison County, 1995) di Clint Eastwood

Iowa, anni ’60: Francesca è una donna italiana di mezza età, sposata con un americano da cui ha avuto due figli ed emigrata negli Stati Uniti da ragazza. Casalinga dimessa, è una donna un po’ sfatta che ha barattato la sua naturale vivacità spirituale con la totale dedizione alla famiglia ed alla monotona routine di un matrimonio tranquillo ma privo di lampi. Ma per lei tutto cambia nell’autunno del 1965, quando incontra Robert Kincaid, cinquantenne fotografo del National Geographic, uomo sensibile e affascinante che vive la sua vita in modo avventuroso, scattando fotografie in giro per il mondo. Il motivo del fatale incontro è un servizio fotografico che Robert deve realizzare sui vecchi ponti coperti di Madison County, per i quali chiederà informazioni alla donna. Approfittando dell’assenza della sua famiglia, recatasi ad una fiera del bestiame fuori contea, i due vivranno una travolgente passione di quattro giorni, durante i quali Francesca avrà modo di “scoprire” la sua reale sensualità, il suo animo esuberante ed il vero amore. Ma al ritorno di marito e figli la donna dovrà compiere la scelta più difficile della sua vita. Dall'omonimo romanzo di Robert James Waller, Eastwood ha tratto uno splendido dramma sentimentale, intenso, crepuscolare, delicato, ricco di sfumature psicologiche e dal finale struggente che regala autentica commozione, senza mai sfociare nella melassa lacrimevole dei furbi prodotti hollywoodiani di questo tipo. Con una messa in scena tecnicamente sontuosa, una fotografia che restituisce l’atmosfera di sottile malinconia degli autunni dell’Iowa e l’idealismo ingenuo degli anni ’60 e la consueta regia classica, che fa “scomparire” ogni tentazione di manierismo nella sobrietà narrativa che si mette totalmente al servizio degli attori, il grande regista californiano mette a segno un’altra pietra miliare della sua invidiabile filmografia, realizzando IL film romantico degli anni ’90. La scelta vincente è quella di raccontare l’intera storia, in flashback, dal punto di vista di Francesca, interpretata da una straordinaria Meryl Streep con una performance da applausi. In certe sequenze la grande attrice sembra anche omaggiare la nostra Anna Magnani nella sua carriera hollywoodiana, dimostrando anche una notevole empatia “chimica” con il protagonista maschile, interpretato con stile dallo stesso Eastwood. Nel doppio ruolo, a lui congeniale, di regista-attore è, ancora una volta, il regista ad avere la meglio, anche perché l’attore viene messo in ombra dalla prova della fuoriclasse Streep. Alle prese con un genere non esattamente vicino alla sua filmografia abituale, l’autore dimostra un’assoluta padronanza narrativa, rileggendo le ardenti pagine di Waller con eleganza, verosimiglianza e sensibilità, riuscendo a rendere credibili e coinvolgenti persino i dialoghi più “banali” e sospendendo la tentazione di qualsiasi giudizio morale nei confronti dei due amanti “fuori tempo massimo”, in nome di quel sentimento “favolistico” che sa essere l’amore. In questo senso è assolutamente ammirevole la capacità di Eastwood di entrare, con garbo e realismo, in un punto di vista femminile, senza mai perdere il filo della coerenza e l’asciuttezza del racconto. Ma la forza assoluta dell’opera, come anche del romanzo ispiratore, sta tutta nel senso di impossibilità che aleggia costantemente sulla relazione, una presenza incombente, discreta di fronte alla forza della passione ma, in definitiva, ineluttabile. E il più classico dei registi americani moderni sa anche regalarci una memorabile sequenza finale, che ci stringe il cuore e ci afferra alla gola: l’intera parte, silenziosa, con Francesca nel furgone e Robert sotto la pioggia è da antologia, autentica ed emozionante poesia. Grande successo di pubblico e critica per questo melodramma vitale e “lacerato”, proprio come la sua intensa protagonista.

Voto:

voto: 4/5

Platoon (Platoon, 1986) di Oliver Stone

Durante la guerra in Vietnam il soldato idealista Chris Taylor, partito volontario per dimostrare che non dovessero essere solo le classi sociali più deboli a rischiare la vita per la patria, si scontra con una terribile realtà fatta di orrore quotidiano, violenza disumana, degrado morale e perdita di ogni forma di umanità. Nel tragico scontro tra due sergenti, suoi mentori sul campo di battaglia, il sadico Barnes e l’assennato Elias, Chris perderà per sempre la sua innocenza e troverà la propria dolorosa via nell’abominio della “sporca guerra”. Celebre war movie di Oliver Stone, probabilmente il suo film più famoso, che riscosse un notevole successo di pubblico e critica, facendo incetta di premi “pesanti” alla sua uscita. Chiaramente ispirato dalle reali esperienze del regista reduce, che ha combattuto in Vietnam tra il 1967 e il 1968, è una truce requisitoria antimilitarista, intrisa di acri umori polemici verso il proprio paese e verso la retorica dell’eroismo patriottico. Il punto di vista di Chris, interpretato dal volenteroso Charlie Sheen, è, evidentemente, quello dell’autore, che si identifica con il suo protagonista, condividendone gli ideali di partenza e la successiva, inevitabile trasformazione spirituale, amaramente mossa dal disincanto e dalla necessità di sopravvivere in un ambiente efferato. Il viaggio interiore di Chris/Sheen, così come quello del personaggio interpretato da suo padre nel capolavoro assoluto Apocalypse Now di Francis Ford Coppola, è un doloroso itinerario spirituale negli abissi più cupi e primordiali della natura umana, dominati da un male così radicale da risultare privo di senso. Un itinerario definitivo, privo di appello, di ritorno e di redenzione. Ma se la prima parte del film ha una sua indubbia forza tragica, un’energia possente ed una lucida dimensione di crudele realismo, la seconda perde vigore e s’ingolfa in un pachidermico tripudio di scene madri all’insegna del più bieco sensazionalismo, la cui enfasi strumentale sfocia nella retorica negativa di stampo moralistico. Il suo limite maggiore è proprio il suo essere, spudoratamente, un film “da Oscar”, con troppo livore e troppo impeto nel suo dichiarato intento declamatorio. La legittimità del messaggio è fuori discussione, l’etica che sostiene l’operazione pure, ma il pulpito è una cosa troppo dura da digerire, anche per Hollywood. Nell’importante cast, oltre al già citato Sheen junior, vanno ricordati gli efficaci Willem Dafoe e Tom Berenger, nei panni dei due sergenti contendenti, ed un giovanissimo Johnny Depp. La pellicola vinse quattro Oscar (film, regia, montaggio e montaggio sonoro), tre Golden Globe ed il premio alla regia al Festival di Berlino. Il suo successo, esagerato ed ampiamente superiore al suo reale valore, riuscì, purtroppo, ad oscurare un’opera di ben altro rilievo e spessore, come lo splendido Full Metal Jacket, “colpevole” di essere uscito subito dopo il film di Stone, a causa dei tempi “biblici” di lavorazione tipici dei set di Stanley Kubrick.

Voto:

voto: 3/5