L'uomo che cadde sulla Terra (The Man Who Fell to Earth, 1976) di Nicolas Roeg

Un alieno arriva sulla terra alla ricerca di risorse naturali (acqua in particolare) per cercare di salvare il suo pianeta, condannato da una grave siccità. Assume sembianze umane con il nome di Thomas Jerome Newton e, grazie alle sue superiori conoscenze, diventa un ricco magnate delle comunicazioni. Ma non ha fatto i conti con le bassezze della razza umana. Affascinante opera di fantascienza psicologica, conforme alla tendenza di pessimismo sociologico esistenziale assai in voga negli anni ’70. E’ tratta dall’omonimo romanzo di Walter Tevis, adattato da Roeg con estro psichedelico e inventiva visionaria. Nonostante una sceneggiatura discontinua e non esattamente granitica, il film ha forza e personalità nella sua ricerca di una via anti spettacolare e trova il suo assoluto punto di forza nella sua originale logica in soggettiva, che ci mostra il nostro mondo da un punto di vista alieno. Fondamentale, in tal senso, l’interpretazione magnetica e stranita dell’androgino David Bowie, star del rock spesso “prestata” al cinema, che qui fa il suo vero debutto come attore. Bowie si è donato totalmente al progetto e ci offre una performance notevole, carica di ambiguità, di carisma e di debolezze, in cui alcuni hanno voluto cogliere allegorie cristologiche. La vicenda dell’alieno caduto sulla terra diventa una tagliente parabola sulla solitudine, sulla diversità e sulle peggiori pulsioni dell’essere umano che, istintivamente, aggredisce e distrugge ciò che non capisce. Così l’extraterrestre protagonista diventa lo specchio dolente delle nostre paure, dei nostri vizi e delle nostre ipocrisie. Il film è un cult della fantascienza “alternativa” dei 70’s pervaso da sinistre atmosfere funeree fin dalle prime immagini. Notevole il commento musicale che alterna brani rock (ovviamente anche di Bowie) a musica classica.

Voto:

voto: 4/5

Il seme dell'uomo (Il seme dell'uomo, 1969) di Marco Ferreri

Ciro e Dora sopravvivono a una misteriosa pestilenza che sembra provocare la fine del genere umano. In fuga dal morbo abbandonano la società e vanno a vivere in una remota casa sulla spiaggia, dove lui si dedica alla raccolta di frammenti di una civiltà ormai distrutta e lei bada alla sopravvivenza quotidiana. Una grossa differenza di opinioni li divide e ne mina il rapporto: Ciro vorrebbe dei figli per dare un seguito all’umanità, invece Dora si rifiuta senza possibilità di appello. Cupo dramma apocalittico di Ferreri in forma di allegorica fiaba fantascientifica, minimale nella messa in scena e pregna di umori corrosivi contro il consumismo e il maschilismo imperante nel mondo occidentale. Caustico e profetico, nichilista e beffardo, questo nuovo atto d’accusa all’uomo del grande autore milanese ne rappresenta uno dei vertici assoluti in termini di pessimismo manieristico. Lucido e feroce nella sua crudeltà asettica, fa della povertà scenica una fierezza stilistica e si erge come inappellabile condanna universale sul destino della razza umana. Geniali e stranianti, come al solito, i simbolismi metaforici utilizzati dall’autore: lo scheletro di balena sul litorale brullo, il cimitero di pupazzi sulla spiaggia, la bottiglia di pepsi-cola con la scritta “Merry Christmas”, i funzionari di stato in forma di cavalieri neri, la donna prete. Tra morte e tradimenti, inganno e disfacimento, il protagonista assoluto è il mare, spettatore minaccioso e severo di un’umanità allo sbando, condannata per il suo inestirpabile vizio intrinseco. In questo epitaffio ostico e pungente, Ferreri si ritaglia anche un gustoso cameo, nel ruolo del proprietario della casa abbandonata, e rende un dichiarato omaggio al capolavoro fantascientifico di Stanley Kubrick (2001: Odissea nello spazio) mostrandone le foto di scena nel “museo” di reperti raccolti dal protagonista.

Voto:

voto: 4/5

Catene (Catene, 1949) di Raffaello Matarazzo

Guglielmo e Rosa sono una coppia felicemente sposata, che vive a Napoli con due figli e l’anziana madre di lui. Un giorno un uomo di nome Emilio arriva nell’officina meccanica di Guglielmo e, quando vede Rosa, riconosce subito in lei una vecchia fiamma amorosa mai del tutto sopita. L’intruso fa di tutto per sedurla e risvegliare in lei l’antica passione, ma la donna resiste strenuamente. Tuttavia l’azione dell’uomo porterà il caos all’interno del nucleo familiare, dando inizio a tragici eventi, inevitabili quando il marito scoprirà la cosa. Celeberrimo melodramma popolare di Matarazzo, probabilmente il suo migliore, di certo il più famoso, che ebbe uno straordinario successo di pubblico (è ancora oggi uno dei maggiori successi al botteghino della storia del cinema italiano) e lanciò il duo di protagonisti, Amedeo Nazzari e Yvonne Sanson, come coppia “regina” del melò italico. Nonostante l’enorme riscontro del pubblico, la critica distrusse il film (quella cattolica si premunì addirittura di “proibirne” la visione), accusandolo di aver segnato la morte del Neorealismo, di cui obiettivamente conserva lo stile, spostando però l’attenzione dalle problematiche di impegno sociale verso la dimensione privata, familiare, strizzando l’occhio al romanzo d’appendice con la sua estetica ammiccante e incline al sentimentalismo. Il tempo ha invece decretato la giusta rivalutazione di un’opera solida e sincera, istantanea verace di un’Italia ingenua e passionale, appena uscita dalla catastrofe bellica e carica di quell’entusiasmo vitale che darà poi origine al boom economico. La più appropriata chiave di lettura del film è quella di un melodramma fiammeggiante e contrastato, con una forte carica erotica che striscia maliziosamente sotto pelle e che, probabilmente, fu la vera ragione del grande successo di pubblico. Da non sottovalutare altresì il possente cuore della storia, la cui fiera connotazione popolare travalicò i canoni classici del cineromanzo e le cui torbide passioni aprirono scenari in chiaro scuro sulla reale tenuta della vita coniugale, in cui la nascita dei figli segna, inevitabilmente, la fine del desiderio e la trasformazione della passione in affetto. Tornatore ha reso uno splendido omaggio al film nel suo Nuovo Cinema Paradiso, evidenziando come il “popolino” ne conoscesse a memoria tutte le battute, avendolo rivisto più volte in sala. Secondo le stime ufficiali per Catene furono venduti più di sette milioni e mezzo di biglietti, ben più di Avatar di James Cameron che detiene, ad oggi, il primato nazionale del maggior incasso. Record ovviamente fittizio e poco attendibile perché non tiene conto dell’inflazione legata alle epoche diverse.

Voto:

voto: 4/5

I cento passi (I cento passi, 2000) di Marco Tullio Giordana

Peppino Impastato è un giovane ribelle di Cinisi (Palermo), che negli anni ’70 fonda una piccola radio libera per urlare al mondo tutto il suo disprezzo verso quel sistema di connivenza omertosa che rende il suo paese, come tanti altri in Sicilia, succube del potere mafioso. Incurante dei rischi e insofferente delle ataviche restrizioni sociali che da sempre attanagliano la sua realtà, Peppino sfida apertamente l’autorità di un padre dispotico, “pesce piccolo” della mafia locale, ma anche le istituzioni colluse, fino ad arrivare al potente boss Gaetano Badalamenti, da tutti temuto, che abita a soli cento passi da casa sua. Appassionato e appassionante dramma storico di Marco Tullio Giordana, degno erede dei grandi maestri che hanno reso grande il cinema politico e d’impegno civile del nostro paese. Il bravo regista milanese ci racconta la tragica storia vera di Giuseppe Impastato, un eroe ribelle vittima della mafia e di quel sordido intreccio di potere, corruzione e violenza che rende la criminalità organizzata un cancro inestirpabile del nostro sistema economico. Mescolando abilmente denuncia sociale, ricostruzione ambientale, indignazione morale, romanticismo nostalgico, utopie sessantottine, conflitti generazionali, passione politica e drammatico verismo, l’autore traccia un amaro bilancio (in perdita) di quella generazione veemente di cui lui stesso ha fatto parte e che si è vista tarpare le ali di un contagioso idealismo dal cinismo reazionario dei poteri forti. Impastato diventa quindi non solo un simbolo della lotta alla mafia ma anche un martire caduto sull’altare del fallimento degli ideali del ’68, mestamente naufragati nello scontro con la dura realtà. In tal senso la commistione di passione e ideologia che percorre, sostiene ed infervora la pellicola ne diventa anche il limite, perché assottiglia la lucidità dell’analisi sociale ed attenua l’efficacia dell’accusa sotto la coltre di un malinconico sentimentalismo della memoria, che sfocia in un finale retorico in cerca della scorciatoia lacrimevole. Con minore enfasi e maggior distacco avrebbe potuto essere un film assai migliore ma, anche così, resta un prodotto di tutto rispetto, recitato benissimo da un cast eccellente in cui svettano Luigi Lo Cascio e Tony Sperandeo. Acclamato dal pubblico e da buona parte dei critici, la pellicola ha avuto l’indubbio merito di riportare sotto i riflettori la vicenda del giovane Impastato, passata in sordina ai suoi tempi perché concomitante ai tragici giorni del sequestro Moro.

Voto:

voto: 3,5/5

Diavolo in corpo (Diavolo in corpo, 1986) di Marco Bellocchio

Giulia è una borghese depressa, fidanzata con un terrorista pentito che è probabilmente responsabile della morte di suo padre, funzionario di polizia tragicamente caduto sotto i proiettili della lotta armata allo stato. Combattuta tra i sensi di colpa e una sfrenata voracità sessuale, la donna vive l’ambiguo rapporto come una sorta di auto castigo. L’incontro con un giovane liceale la distoglierà da tutto questo, facendola precipitare in una passionale relazione erotica. Controverso dramma psicologico di Bellocchio, che sotto la patina “scandalosa” (che lo ha reso celebre, suscitando gli strali della censura dell’epoca) cela il disagio e lo smarrimento di una nazione uscita sconvolta dagli “anni di piombo” e ancora incapace di trovare una propria direzione dopo lo sfacelo portato dall’eversione terroristica. Tenendo il terrorismo costantemente fuori fuoco, l’autore emiliano sceglie di soffermarsi principalmente sull’aspetto sessuale per psicanalizzare nel profondo le inquietudini delle vittime e scegliendo, nuovamente, come bersaglio la borghesia. Peccato che la forza polemica dell’opera, indubbiamente tagliente nella suo coraggio trasgressivo, si perda in una sceneggiatura sfilacciata e diseguale, che alterna sequenze magnificamente inquietanti a momenti grevi. Fatto a pezzi dalla critica e incompreso dal pubblico, il film viene principalmente ricordato per la “generosa” avvenenza fisica della protagonista (l’olandese Maruschka Detmers, passata come una meteora nel nostro cinema d’autore) e per la scena della fellatio (si dice non simulata) che venne puntualmente sforbiciata da tutte le versioni circolanti (anche quelle in VHS). Rivisto oggi, con lo spettro del terrorismo ormai lontano e una maggiore disinibizione dei costumi, l’opera appare per quella che è: il tentativo un po’ incerto di un ribelle patentato di scuotere la coscienza civile nazionale di fronte ad una piaga ancora dolorosa, che ne aveva scosso le fondamenta ideologiche e morali. Il tentativo (artistico) di esorcizzarne le scorie mefitiche e di cacciar fuori il dolore (il diavolo) dal corpo dei sopravvissuti “feriti”. Non è di certo tra i film migliori di Bellocchio ma è pur sempre funzionale (e coerente) con la sua concezione estetica e politica.

Voto:

voto: 3/5

La moglie più bella (La moglie più bella, 1970) di Damiano Damiani

Francesca, minorenne siciliana figlia di contadini, viene rapita e stuprata da Vito, giovane delinquente locale che non tollera il di lei rifiuto. Sfidando le ottuse convenzioni sociali del suo paese la ragazza rifiuta il matrimonio “riparatore” e, senza timore dello scandalo generale, si decide a denunciare l’uomo alle autorità. Intenso dramma sociale ispirato alla storia vera di Franca Viola e diretto con asciuttezza formale e ardente realismo da Damiani. La ricostruzione storica dell’ambiente arretrato, ignorante e maschilista in cui versava il sottoproletariato siciliano è impeccabile e per questo si potrebbe anche tollerare qualche passaggio un po’ troppo romanzato. Per la forza della denuncia e per la spinta all’emancipazione femminile è un film inappuntabile, peccato che alcune scelte convincano poco, a cominciare dal cast che vede l’esordiente quattordicenne Ornella Muti e l’affascinante Alessio Orano nei due ruoli principali. I due attori, che cinque anni dopo si sposeranno, s’impegnano tanto ma non sembrano mai a proprio agio come esponenti di quel retrogrado sottobosco siciliano che intendono rappresentare. Come se il regista, in accordo agli standard dell’epoca, avesse badato più all’avvenenza fisica che alle reali capacità interpretative e mimetiche. In definitiva ci troviamo di fronte a una pellicola riuscita a metà, le cui buone intenzioni di critica sociale non sono parimenti sostenute dalle soluzioni realizzative.

Voto:

voto: 3/5

American Gigolo (American Gigolo, 1980) di Paul Schrader

Julian Kay è un aitante gigolò adorato dalle sue clienti, ricche signore annoiate e un po’ agée, a cui si dedica con certosina dedizione per soddisfarne ogni desiderio represso. La sua inevitabile prossimità con un mondo opulento e vizioso, farà finire Julian in un grosso guaio giudiziario, come sospettato principale dell’efferato delitto di una delle sue clienti. Torbido noir erotico di Paul Schrader, divenuto immediatamente di culto a causa della conturbante materia trattata, che non era certo una cosa leggera per gli anni ’80. Rese il protagonista, il fascinoso Richard Gere, una star amata dalle donne di ogni latitudine e vanta a tutt’oggi folte schiere di ammiratori, anche tra la critica. Tenendo da parte le inopinate reazioni scandalizzate dei soliti moralisti, va detto che il film è eccellente nella prima parte, in cui il regista traccia un crudo ritratto al vetriolo dell’alta società americana, persa nell’edonismo, vittima del proprio vuoto esistenziale e dedita alla dissolutezza come unica risposta possibile alla noia. La prostituzione diventa una metafora del consumismo sfrenato: in una società che ha barattato gli ideali con il potere economico, le “attenzioni” (non solo sessuali ma anche umane) vanno comprate. Peccato che la buona premessa venga in larga parte sciupata nella seconda parte della pellicola, che diventa un canonico thriller a sfondo legale dal finale poco plausibile. Il film è anche famoso per gli abiti indossati dal prestante Gere, disegnati dal nostro Giorgio Armani. Schrader ha più volte dichiarato di essersi ispirato, per la sceneggiatura di American Gigolo, a Diario di un ladro (Pickpocket, 1959) di Robert Bresson. Il paragone ambizioso non può che lasciare perplessi.

Voto:

voto: 3,5/5

I magnifici sette (The Magnificent Seven, 1960) di John Sturges

I contadini di un povero villaggio messicano, vessati dai soprusi di una banda di fuorilegge senza scrupoli, chiedono aiuto ad un gruppo di sette pistoleri che accorrono prontamente in loro soccorso. Sarà l’inizio di una serie di sanguinose battaglie tra gli avventurieri e i bandidos. Celebre remake in salsa western del capolavoro di Kurosawa, I sette samurai, che sposta l’azione dal Giappone del XVI secolo al Messico della vecchia frontiera, gli rimane fedele nella struttura narrativa ma lo contamina con una più convenzionale azione spettacolare che strizza l’occhio alle grandi produzioni hollywoodiane. La ferocia visiva, la tensione drammatica e l’introspezione lirica dello straordinario film ispiratore vengono puntualmente perdute in un vibrante marasma di duelli e sparatorie. Se paragonata all’originale l’opera di Sturges perde la sfida su tutti i fronti e, nonostante il grande successo di pubblico e critica, resta un western appassionante ma discontinuo, epico ma a tratti verboso, in fin dei conti stereotipato e sopravvalutato, sebbene non manchino le sequenze mirabolanti che garantiscono un valido intrattenimento. L’avventurosa vicenda è narrata con piglio deciso dal regista dell'Illinois, che pone il suo alto senso scenico al servizio di un cast stellare, in forte odore di divismo, e difficilmente ripetibile: Yul Brynner, Steve McQueen, Eli Wallach, Charles Bronson, James Coburn, Robert Vaughn. Ma il punto di forza maggiore della pellicola, che ha contribuito non poco a farla rimanere impressa nella memoria collettiva, è la leggendaria colonna sonora di Elmer Bernstein, una delle partiture più belle e famose della Storia del Cinema. L’enorme successo al botteghino del film diede origine a tre dimenticabili seguiti, una serie televisiva degli anni ‘90, uno strampalato spin-off fantascientifico ed un remake con Denzel Washington, diretto da Antoine Fuqua, in uscita nel 2016.

Voto:

voto: 3,5/5

Il mondo dei robot (Westworld, 1973) di Michael Crichton

Delos è un parco di divertimenti avveniristico e tecnologico per gente ricca in cerca di avventurose emozioni, disposta a pagare fino a mille dollari al giorno per poterlo visitare. Il parco è diviso in tre aree tematiche che ricostruiscono negli scenari, nelle atmosfere e nei personaggi tre periodi storici del passato: l’antica Roma (Roman world), il Medioevo (Medieval World) ed il Far West (Westworld). La grande attrattiva è la presenza di androidi artificiali perfettamente identici agli esseri umani con cui i visitatori possono interagire, per duelli all’ultimo sangue o per avventure sessuali, senza alcun timore di sorta perché i robot, controllati da un complesso sistema artificiale computerizzato, sono programmati per soccombere e non far mai del male alle persone reali. Ma durante la visita dei due amici Peter Martin e John Blane, che prediligono l’area Westworld, un misterioso bug informatico al computer di controllo centrale fa impazzire gli androidi, che si ribellano contro gli umani dando vita a una strage. I superstiti dovranno lottare con tutte le loro forze contro un implacabile pistolero vestito di nero, che bracca le sue prede con feroce determinazione. Ideato, scritto e diretto da Michael Crichton (qui al suo esordio cinematografico), questo piccolo gioiello di fantascienza apocalittica sembra anticipare alcune tematiche che poi decreteranno il successo del suo romanzo più famoso (Jurassic Park) e rappresenta il più autorevole precursore del filone della tecnologia che si ribella all’uomo, che sarà poi ampiamente saccheggiato da tanta cinematografia a venire. Sospeso tra l’incubo distopico e la favola nera, ha le cadenze di un’allegoria violenta sui mali del progresso e ci regala scene indimenticabili cariche di suspense angosciante. Fu il primo film ad utilizzare compiutamente gli effetti speciali in computer grafica (ma solo per poche brevi sequenze) e le sue influenze sui vari Terminator e affini sono più che evidenti. Il suo punto di forza maggiore è la magnetica caratterizzazione del robot pistolero offerta da Yul Brynner, con un’interpretazione così memorabile da entrare nell’immaginario dei fans del genere sci-fi. Il carismatico attore di origine russa adotta lo stesso look del personaggio da lui stesso interpretato nel celebre I magnifici sette, ma conferendogli un aspetto sinistro e impassibile degno di un demone tecnologico la cui unica missione è quella di scatenare la propria vendetta sul creatore umano. L’utilizzo delle riprese in soggettiva dal punto di vista del robot che bracca le sue vittime è un ulteriore valore aggiunto di questa pellicola fondante e, forse inconsapevolmente, geniale, perché in grado di stabilire un nuovo modello per la fantascienza successiva. Agghiacciante e preveggente fu un grande successo di pubblico negli Stati Uniti ed è unanimemente considerato uno dei cult assoluti degli anni ’70, di grande influenza e impatto sulla cultura popolare americana. In Italia passò più in sordina, salvo poi essere puntualmente rivalutato nei decenni successivi alla sua uscita.

Voto:

voto: 4/5