La signora ammazzatutti (Serial Mom, 1994) di John Waters

A Baltimora la casalinga Beverly Sutphin, apparentemente impeccabile madre di famiglia, nonché tipica espressione dei valori del perbenismo borghese, nasconde una personalità di psicopatica disturbata, che reagisce violentemente di fronte a coloro che, anche per futili motivi, le arrecano disturbo o si mettono contro di lei. Nella sua doppia vita segreta Beverly uccide nei modi più disparati ben sette persone, ma viene riconosciuta da una vicina impicciona e finisce in prigione. Ma la sua storia diventa ben presto un caso mediatico nazionale che Beverly riesce a sfruttare a suo vantaggio. Black comedy al veleno, scritta e diretta dall'eterno "bad guy" John Waters e intrisa di perfido sarcasmo contro il moralismo bigotto del conformismo americano e contro l'invadenza morbosa dei mass media, sempre pronti a trasformare in triste spettacolo anche le vicende più dolorose. E' un film amaramente divertente e spudoratamente trasgressivo, che si compiace di ironizzare su tutto e tutti, a cominciare dalla scritta iniziale in cui si afferma (falsamente) di ispirarsi ad un reale fatto di cronaca, asserzione poi puntualmente smentita dallo stesso regista qualche mese dopo la sua uscita nelle sale. Per i fans integralisti di Waters, che ne rimpiangono il truce effettismo trash e lo scandaloso cattivo gusto dei suoi inizi, Serial Mom è una sorta di tradimento, una specie di resa del loro ribelle "paladino" alle leggi commerciali di Hollywood. Ma, invece, non è affatto così perchè l'autore, pur apparentemente accettando di diventare parte del sistema, continua a criticarlo senza ritegno dall'interno, risultandone, sempre e comunque, alieno. Ed il fatto di aver saggiamente mitigato i suoi eccessi grevi rende questa commedia satirica uno dei suoi film più riusciti ed equilibrati, una sorta di prova di maturità di un sovversivo mai pentito, fintamente addolcito, ma in realtà evoluto verso una ponderatezza ugualmente tagliente, che non ha più bisogno di enfatizzare il volgare per attaccare i benpensanti. Splendida prova della protagonista Kathleen Turner, in un ruolo che le calza a pennello, in cui l'attrice dispensa con audacia il suo fascino "pericoloso" e si diverte a fare una irresistibile autoironia sull'immagine di "dark lady" che Hollywood le ha cucito addosso.

Voto:

voto: 3,5/5

Nell (1994) di Michael Apted

In un paese rurale del North Carolina, il medico del posto, dottor Jerome Lovell, dopo la morte di una sua paziente, decide di prendersi cura della figlia di lei, Nell, una ragazza selvatica cresciuta nella vicina foresta e incapace di articolare suoni di senso compiuto a causa di una paresi facciale. Dopo un difficile impatto iniziale, Lovell riesce a stabilire un contatto con Nell e, con l'aiuto di una psicologa, cerca di aiutarla ad imparare un linguaggio per favorirne l'integrazione nella società. Ma i profondi traumi subiti dalla ragazza e la crescente attenzione dei mass media rendono tutto sempre più difficile. Questo intenso dramma di Michael Apted, parzialmente ispirato ad una reale vicenda, è una storia insolita dal ritmo lento e dalle ambientazioni così evocative da virare quasi nel fiabesco, con una continua alternanza tra naturalismo, lirismo e sentimentalismo, in maniera non sempre equilibrata. L'atto d'accusa contro l'ipocrisia dei media è di perentoria indignazione, così come la bellezza selvaggia degli scenari naturali del North Carolina, splendidamente incorniciati dalla fotografia di Dante Spinotti, conferisce all'opera un'atmosfera di sospeso incanto. Ma il film pecca anche di eccessive esemplificazioni nelle tematiche scientifiche, di passaggi didascalici e di turgore melenso nel finale sdolcinato e maldestramente hollywoodiano. Le interpretazioni degli attori sono però di grande livello, da Liam Neeson a Natasha Richardson e, una spanna sopra tutti, una irriconoscibile Jodie Foster, spiritata e catatonica, che regge sulle spalle l'intero peso del film e riesce a rendere intensa e credibile una performance ad altissimo rischio di ridicolo involontario. La sua bella prova d'attrice le ha fruttato la quarta (e finora ultima) candidatura agli Oscar della sua carriera.

Voto:

voto: 2,5/5

Twister (1996) di Jan de Bont

Negli anni '90 la bionda meteorologa Jo dirige con entusiasmo una banda di studiosi scavezzacollo come lei, che vanno in giro per il Midwest americano a caccia di tornado. Il loro scopo è quello di osservarli da vicino per studiarne il comportamento e ricavarne il maggior numero di dati scientifici possibile, ma per farlo rischiano ogni volta la loro stessa vita. L'ex marito di Jo, Bill Harding, ha lasciato da tempo lei e la squadra, stanco dei continui pericoli, e si è rifatto una nuova vita più tranquilla con la giovane psicologa Melissa. Quando questi raggiunge la ex moglie, per farle firmare le carte del divorzio, trova lei e il suo gruppo in piena eccitazione, perchè stanno per collaudare una macchina ideata tempo prima dallo stesso Bill (e da tutti chiamata "piccola Dorothy") che consiste di una miriade di sensori volatili che, se liberati all'interno di un tornado, possono inviare migliaia di dati ad un ricevitore centrale in modo da riuscire a "guardare", per la prima volta dal di dentro, l'occhio del ciclone. Ma per far sì che "Dorothy" sia data in "pasto" al tornado è necessario avvicinarsi notevolmente ad esso, sfidandone a viso aperto la furia. La nostalgia di Bill per la sua vecchia vita avventurosa riemerge prepotentemente e l'uomo si lascerà nuovamente coinvolgere in una folle sfida contro le forze della natura. Spettacolare film catastrofico scritto da Michael Crichton e Anne-Marie Martin, e diretto con un ritmo "a rotta di collo" dall'olandese Jan de Bont. E' un classico disaster movie hollywoodiano, avvincente, inverosimile, esagerato, prevedibile negli esiti e con la consueta sotto-trama sentimentale ancora più scontata. Vale unicamente per gli ottimi effetti speciali e per alcune scene di grande impatto visivo, come quella, effettivamente spaventosa, del prologo, in cui la casa della piccola Jo, bambina cresciuta in una fattoria dell'Oklahoma, viene spazzata via da un tornado di categoria F5 (la più alta in assoluta della scala Fujita che ne misura l'intensità distruttiva), segnando la sua vita per sempre. Sontuoso il cast con interpreti come Helen Hunt, Bill Paxton, Cary Elwes, Philip Seymour Hoffman, Jami Gertz e Lois Smith. Due candidature agli Oscar 1997, per il sonoro e gli effetti visivi.

Voto:

voto: 2,5/5

Piccoli fuochi (1985) di Peter Del Monte

Nel nord Italia il piccolo Tommaso, di 6 anni, è un bambino solitario di famiglia benestante che vive in un mondo fantastico tutto suo, popolato da strani "amici" immaginari attraverso cui esprime il suo disagio per la trascuratezza dei genitori anaffettivi, sempre troppo impegnati per pensare a lui. L'arrivo di Mara, giovane e bella babysitter, provoca in lui un profondo turbamento che lo ridesta dal suo torpore emotivo. Tommaso s'innamora di lei e odia con tutte le sue forze il compagno di Mara, manesco e arrogante. Il bambino chiederà aiuto ai suoi "amici" per eliminare definitivamente l'uomo che si frappone tra lui e la sua amata. Scritto e diretto da Peter Del Monte, regista romano nato negli Stati Uniti, Piccoli fuochi è un audace dramma psicologico introspettivo, sospeso tra fantasia e realtà, che affronta lucidamente il tema tabù della sessualità infantile, ma anche quello della "cattiveria" che può sprigionarsi nella psiche di un bambino in particolari condizioni, come la mancanza di affetto o l'idealizzazione fantasiosa di sensazioni prepotenti che non riesce a spiegarsi. Oscillando di continuo tra la fiaba psicoanalitica, la provocazione sentimentale e la denuncia sociale contro l'indifferente assenza che molti genitori hanno nei confronti dei propri figli, la pellicola è secca e tagliente nell'andare dritta al nucleo del problema e trova i suoi momenti migliori nelle sequenze oniriche o in quelle che analizzano il rapporto che s'instaura tra Mara e Tommaso, in bilico sottile tra il morboso e il materno, ma senza mai tracimare nello squallido eccesso gratuito, specialmente quando assistiamo alle reazioni espressive del piccolo di fronte al corpo di lei. La celebre scena del nudo integrale della diciannovenne Valeria Golino (Mara) che esce dalla doccia e si trova davanti il piccolo Dino Jaksic (Tommaso), destò un certo scandalo all'uscita del film, ma ne costituisce il cuore pulsante e la provocatoria vertigine; è girata e recitata benissimo ed è totalmente esente da compiacimenti maliziosi. Bravissimi i due attori principali appena citati, con la Golino (che fu anche legata da una relazione sentimentale con il regista) che si avviò prepotentemente ad entrare nell'alveo delle poche attrice italiane dotate di una visibilità e di una credibilità internazionale, imponendosi fin da subito all'attenzione generale per avvenenza, naturalezza e talento.

Voto:

voto: 3,5/5

Moonraker - Operazione spazio (Moonraker, 1979) di Lewis Gilbert

La misteriosa sparizione di uno Space Shuttle chiamato "Moonraker", porta James Bond a indagare sul ricchissimo magnate Hugo Drax, leader di una potente industria aerospaziale. Dopo essere sopravvissuto rocambolescamente a numerosi tentativi di eliminarlo, 007 scopre le reali intenzioni di Drax e il folle piano che ha messo in piedi per sterminare l'intera popolazione mondiale. Aiutato dalla bella dottoressa Holly Goodhead, Bond dovrà andare nello spazio per combattere la battaglia decisiva contro il suo nemico e salvare il mondo prima che sia troppo tardi. Undicesimo capitolo della saga spionistica di 007 e quarta volta di Roger Moore nei panni dell'agente segreto più famoso al mondo, affiancato dalle bellissime Lois Chiles e Corinne Cléry, da Michael Lonsdale nel ruolo del cattivo e dal caratterista Richard Kiel, ritornato a furor di popolo come interprete del gigantesco killer dai denti d'acciaio "Squalo" (in originale "Jaws"), dopo l'alto gradimento riscosso nel capitolo precedente. Sull'onda del successo planetario di Star Wars, il produttore e patron della saga Albert Broccoli decise di mettere in stand-by l'annunciato Solo per i tuoi occhi (che slitterà al 1981) e di spedire James Bond nello spazio, ispirandosi liberamente al racconto  "Moonraker: il grande slam della morte" di Ian Fleming. E la sua idea si rivelò azzeccata e fruttuosa perchè il film, alla sua uscita nelle sale, riscosse un enorme successo al botteghino mondiale, diventando il maggior incasso in assoluto della saga, un record che resisterà fino all'uscita di GoldenEye nel 1995. Ma al netto degli effetti speciali straordinari (che valsero alla pellicola una candidatura agli Oscar 1980), il film risulta ripetitivo, prevedibile, sciocco nei suoi intermezzi ironici e stancamente adagiato sul consueto aplomb inamidato e decoroso del suo interprete protagonista. Le scene di azione spettacolari si sprecano, sempre più inverosimili e con la consueta varietà di ambientazioni iconiche: si passa da Venezia ai barocchi castelli francesi, dalle cascate di Iguazù al Pan di Zucchero di Rio de Janeiro, fino al lungo finale spaziale che appare quasi farsesco nella sua frenetica voglia di stupire, secondo lo slogan "Bigger and better". Specialmente ad una visione odierna è evidente come questo capitolo sia uno di quelli invecchiati peggio, suscitando nello spettatore contemporaneo un misto di tenerezza e ridicolo involontario per la sua palese ingenuità. Questo è stato l'ultimo film in cui Bernard Lee ha interpretato il ruolo di M, che finora aveva sempre avuto il volto granitico dell'attore londinese, fin dalla pellicola di esordio del 1962.

Voto:

voto: 2,5/5

Il ritorno di Casanova (2023) di Gabriele Salvatores

Leo Bernardi è un famoso regista dal grande passato, a cui tutti si rivolgono con deferenza come "Maestro", ma che ha imboccato da tempo il crinale inesorabile della discesa. Uomo depresso e inquieto, non riesce ad accettare serenamente il declino dettato dal trascorrere del tempo e vive male i suoi giorni, in profonda crisi esistenziale ed artistica. Leo sta lavorando svogliatamente al suo ultimo film che deve "necessariamente" portare in concorso al Festival di Venezia, "Il ritorno di Casanova", la cui trama ha parecchi elementi in comune con la sua situazione attuale: Giacomo Casanova, invecchiato e stanco, soffre di un profondo tormento interiore perchè vede svanire giorno dopo giorno il suo famoso potere di seduttore, a mano a mano che sul suo corpo appaiono impietosi i segni degli anni. Rifugiatosi in casa di un amico, cerca disperatamente di sentirsi ancora giovane e vivo tentando di conquistare una splendida giovane fanciulla di nome Marcolina, che però ha già un prestante amante e non sembra per niente interessata a lui. Pur di ottenere il suo scopo Casanova mette in piedi un subdolo inganno, che avrà delle conseguenze drammatiche. Il ritorno di Casanova può essere considerato anche il ritorno di Gabriele Salvatores, dopo 10 anni di silenzio artistico in cui ci ha proposto solo l'elegante Comedians (2021), passato quasi inosservato ma da rivalutare. E' evidente che si tratti di un film ambizioso, sentito e parzialmente autobiografico, in cui il regista napoletano d'adozione milanese ha sicuramente messo molto di sé e del periodo che ha vissuto, creando quindi una tripla sovrapposizione Salvatores-Bernardi-Casanova. Già solo questo potrebbe bastare a rendere questo film interessante e degno di visione, ma per fortuna c'è anche molto altro. Con l'espediente del film nel film, l'autore realizza un doppio racconto a specchio che si sovrappone emotivamente in più punti, con un utilizzo abbondante del meta-cinema e la straniante scelta stilistica di utilizzare il bianco e nero per la vicenda ambientata oggi (Leo Bernardi, i suoi patemi, i suoi fantasmi interiori, le sue amanti, il suo unico amico e collaboratore fidato e la sua casa ipertecnologica la cui "ribellione" crea elementi comici) ed un pastoso colore per quella di Casanova e i suoi tormenti d'amore (che è fedelmente ispirata all'omonimo racconto di Arthur Schnitzler del 1918). Con una miriade di omaggi e citazioni (Fellini, Kubrick, Hitchcock, Tati), Salvatores torna finalmente a fare un cinema autoriale, audace, ricco di quella voglia di osare e di sperimentare che ha segnato l'apice della sua carriera negli anni '90. Si potrà poi obiettare facilmente che non tutto funziona e non tutto è messo adeguatamente a fuoco, perchè gli elementi messi in campo sono oggettivamente troppi, vedi il tema del doppio, la difficoltà del mestiere di fare cinema, l'ipocrisia tra colleghi o addetti ai lavori, il contrasto tra realtà e finzione, o quello tra antico e moderno, il grottesco rapporto con la tecnologia e, ovviamente, il male di vivere, che è tanto più forte nelle figure che hanno avuto il dono di un'esistenza illuminata, e di cui viene sottolineato il suo essere trasversale a tutte le epoche. Ma il tema centrale, ovvero il tempo che passa e la difficoltà di accettare il viale del tramonto, è declinato in maniera magistrale, con dolorosa eleganza e asciutta malinconia, anche grazie alle ottime performance dei due attori principali, Toni Servillo e Fabrizio Bentivoglio (perfetti nei rispettivi ruoli), a cui si aggiungono una intensa Sara Serraiocco e la splendida quasi esordiente Bianca Panconi, di cui certamente sentiremo ancora parlare.

La frase: "Ora i miei incantesimi si sono tutti spenti, la forza che possiedo è solamente mia, ed è poca" (W.Shakespeare)

Voto:

voto: 3,5/5

UFO: Distruggete Base Luna (1971) di David Lane , Ken Turner , Laxie Turner

Nel 1969 l'inglese Gerry Anderson, insieme a sua moglie Sylvia Beatrice Thomas, ideò, scrisse e produsse una serie televisiva di fantascienza, che ebbe fin da subito un enorme successo e negli anni è diventata un autentico cult. La serie, intitolata UFO, era ambientata in un ipotetico futuro (più o meno collocabile verso la metà degli anni '80) in cui la terra è attaccata da alieni ostili e l'unica arma di difesa è un'organizzazione internazionale segreta appositamente costituita, chiamata SHADO, comandata dall'energico Ed Straker, e che dispone di basi poste sia sulla terra che sulla luna. La serie, che consta di 26 episodi, fu trasmessa per la prima volta in Inghilterra nel 1970 ed arrivò in Italia nel 1971, dove parimenti ottenne un riscontro entusiastico da parte del pubblico. I segreti del successo furono sicuramente: gli incredibili effetti speciali (davvero innovativi per un programma televisivo dell'epoca), il carisma degli attori (il biondo Ed Bishop, interprete di Straker, divenne fin da subito un volto popolarissimo) e le suggestive ambientazioni futuribili con astronavi, basi lunari, dischi volanti, raggi laser, computer avanzatissimi, mezzi da combattimento subacquei e via discorrendo. Anche il look dei personaggi colpì notevolmente l'immaginario collettivo, a partire dalle interpreti femminili che, sull'onda della rivoluzione liberale portata dalla "Swinging London", erano tutte belle, competenti, sensuali, grintose, con succinti abiti argentati e capelli viola (sebbene la prima trasmissione italiana avvenne in bianco e nero). E' praticamente impossibile che qualcuno che sia stato adolescente in quegli anni non abbia visto e non ricordi con affetto nostalgico almeno qualche sequenza di questo fortunato programma televisivo. Per sfruttare al massimo il successo ottenuto, una sedicente casa di produzione, la Kent, realizzò, tra il 1971 e il 1974, unicamente per il mercato italiano, 5 "lungometraggi" per il cinema montando insieme parti o interi episodi delle serie, spesso in modo maldestro, modificandone il senso, la trama e i dialoghi o addirittura arrivando a confondere il compositore della colonna sonora (Barry Gray) con l'assonante (e leggendario) John Barry, vincitore di 5 Oscar, autore di temi musicali meravigliosi, ma conosciuto dal grande pubblico soprattutto per quelli legati alla saga di James Bond (di cui ben 12 film furono musicati da Barry). Come frutto di questa "confusione" (probabilmente non del tutto innocente) si potranno ascoltare dei temi delle pellicole di 007 in alcuni di questi 5 film tratti dal serial UFO (!), una cosa che oggi è chiaramente incomprensibile per il pubblico moderno, ma che fa ben capire quale fosse l'aria di quei tempi. E' quasi superfluo dire che queste pseudo-pellicole siano generalmente risibili, imbarazzanti o addirittura pessime, nate unicamente per scopi commerciali, senza nessuna attenzione al lato artistico e senza neppure possederne i reali diritti. Forse l'unico che può essere almeno in parte salvato è questo primo, uscito nel 1971, che mette insieme sequenzialmente e senza alterazioni gli episodi 3, 8 e 14 della serie televisiva, ma senza preoccuparsi troppo del fatto che l'intero collage riuscisse o meno a mantenere una parvenza di trama complessiva sensata. Inutile dire che tutti questi film usciti in rapida sequenza (e con titoli assurdi) ebbero molto successo anche al cinema, dove, se non altro, gli spettatori italiani poterono vedere le immagini di UFO per la prima volta a colori. Se il voto per ciascuna di queste 5 istanze non può che essere molto basso, quello riportato qui sotto è invece da intendere come voto complessivo alla serie tv, per quella sua audace forza visionaria che segnò il pubblico televisivo di inizio anni '70.

Voto:

voto: 3,5/5

Marie Antoinette (2006) di Sofia Coppola

Maria Antonietta d'Asburgo, nata a Vienna nel 1755, figlia di Francesco I, Imperatore del Sacro Romano Impero, fu data in sposa a soli 15 anni, per motivi di alleanze politiche, al futuro Re di Francia Luigi XVI, stabilendosi a Versailles dal 1770 fino alla sua morte sulla ghigliottina, avvenuta nel 1793 durante la Rivoluzione francese. Ispirandosi liberamente alla biografia "Maria Antonietta - La solitudine di una regina" di Antonia Fraser, Sofia Coppola ha scritto e diretto questo dramma storico biografico dedicato alla dolorosa e breve vicenda della così detta "regina bambina", la cui vita è stata fin dall'inizio decisa, e poi schiacciata, dal peso della ragion di stato e della Storia, senza mai concederle un reale spazio di decisione. La regista americana prosegue la sua esplorazione della psiche femminile, intorno a cui ruota tutto il suo cinema, mettendo nuovamente al centro di tutto una giovane donna costretta a crescere troppo in fretta in un ambiente alieno da cui si sente soffocata. Lo stile scelto dall'autrice è agile, colorato e audace, in una commistione ardita tra la pomposità sfarzosa degli ambienti reazionari che fanno da sfondo alla vicenda e l'impellenza vitale dei desideri della giovane protagonista, adolescente inquieta che si sente sessualmente trascurata dal marito e che sfoga le sue frustrazioni nell'opulenta mondanità della vita di corte, tra frizzi, lazzi, feste in maschera, vezzi, abiti sgargianti, ornamenti preziosi, cani da compagnia, tavolate luculliane e giovani amanti. Tenendo sistematicamente fuori fuoco la politica, la storia e la stessa Rivoluzione, di cui vediamo soltanto gli effetti, percependola come una incombente minaccia esterna, la regista mette al centro della scena la vita, i tormenti e gli eccessi di una donna sola e immatura, interpretata con maliziosa irrequietezza da Kirsten Dunst, che è una delle sue attrici di fiducia. Contaminando una storia antica di suggestioni moderne, strizzando l'occhio al pop e rendendo universale il tragico senso di una vita sprecata e costantemente subita come quella di Marie Antoinette, la Coppola ci risparmia volutamente la scena della sua pubblica esecuzione, facendo terminare la pellicola con la fuga dei reali da Versailles a Parigi dopo l'attacco al palazzo dei rivoluzionari inferociti. Ma nonostante l'approccio carico di personalità il film risulta spesso svagato e discontinuo, quasi perso nel suo turbinio di pulsioni e turbamenti, finendo per risultare incisivo solo a tratti, anche dal punto di vista strettamente emotivo, psicologico e sentimentale. La cosa migliore è senza dubbio rappresentata dall'abbagliante ricostruzione ambientale e dai magnifici costumi della nostra Milena Canonero, meritatamente premiata con il terzo Oscar della sua straordinaria carriera (che diventeranno 4 nel 2015). Asia Argento compare nel cast nel ruolo di Madame du Barry, ex favorita del precedente re di Francia e mai entrata nelle grazie della nuova regina. Da sottolineare come il prestigio della famiglia Coppola sia tale da convincere il governo francese a concedere il totale accesso alla reggia di Versailles in cui il film è stato quasi integralmente girato, amplificandone enormemente l'effetto realistico e la sontuosità visiva.

Voto:

voto: 3/5

Il prodigio (The Wonder, 2022) di Sebastián Lelio

Nel 1862 l'infermiera inglese Elizabeth Wright viene inviata in Irlanda per osservare il caso di una bambina del posto, Anna O'Donnell, che non tocca cibo da 4 mesi ma che risulta in ottime condizioni di salute. L'evento ha avuto ampia risonanza ed è seguito con attenzione da preti, medici e giornalisti, mentre le persone del piccolo villaggio rurale in cui vive Anna parlano già senza remore di "miracolo". Durante i 14 giorni previsti per valutare il caso, in alternanza con una vecchia suora con la quale non può interagire esplicitamente, Elizabeth sviluppa una sincera relazione empatica con la bambina, che ostenta una forte fede cattolica e sostiene di nutrirsi grazie alla "manna dal cielo" che le arriva da Dio. L'infermiera, segnata da un trauma del passato che cerca di tenere nascosto, finisce per essere coinvolta nella situazione ben oltre il puro interesse professionale. Questo dramma storico con lievi sfumature da thriller psicologico, diretto dal cileno Sebastián Lelio, è tratto dal romanzo omonimo di Emma Donoghue, che ha anche partecipato alla scrittura della sceneggiatura insieme al regista ed alla drammaturga Alice Birch. E' un film d'atmosfera, lento e sottilmente inquietante, che si apre e si chiude con una straniante inquadratura che rompe la "quarta parete" e ci dice fin da subito che stiamo assistendo ad un racconto di finzione, una storia incredibile che può essere vera o falsa e rispetto alla quale è giusto porsi liberamente, con un atto di fede o con il dubbio dello scetticismo, a seconda della propria personalità. L'autore, sempre sensibile verso i personaggi femminili di cui si fa attento esaminatore delle motivazioni psicologiche che li sostengono e ne determinano le azioni, realizza un nuovo film che mette al centro le donne, attraverso le sue due splendide protagoniste, interpretate con grande efficacia da Florence Pugh e dalla piccola Kíla Lord Cassidy. Con una messa in scena spartana, un ritmo compassato, una fotografia plumbea ed una perfetta ricostruzione ambientale della povera campagna irlandese in quel periodo di miseria e di superstizione, la pellicola traccia un affresco realistico e velatamente angosciante, che vuol essere un apologo critico sul contrasto tra scienza e fede, o tra razionalità e misticismo, con evidenti allusioni al fanatismo ideologico tipico di molti ceti sociali meno istruiti e più svantaggiati, che spesso si rifugiano nella religione per sfuggire al dolore di una vita miserabile. La ricerca della verità, che è lo scopo della protagonista Elizabeth ma non certo quello del film in merito alle complesse tematiche esaminate, diventa, con il procedere della storia, non solo un atto di giustizia ma un vero e proprio atto di amore, rendendo indistinguibili le ragioni della mente da quelle del cuore. Peccato che molte delle cose buone che l'opera indubbiamente possiede siano penalizzate da un finale deludente, troppo esplicativo e troppo sentimentale, che stride ampiamente con le suggestioni ambigue e misteriose che ci avevano ammaliato fino a quel momento.

Voto:

voto: 3/5