As bestas: La terra della discordia (As bestas, 2022) di Rodrigo Sorogoyen

Una coppia di francesi, Antoine e Olga, si trasferisce in un piccolo villaggio di campagna della Galizia spagnola, dove acquistano una fattoria per dedicarsi all'agricoltura eco-sostenibile e si dedicano alla rimessa in sesto di vecchi ruderi diroccati, con l'idea di aprire un agriturismo. Ma i rozzi abitanti locali non vedono di buon occhio i nuovi arrivati, in particolare la famiglia del rude Xan si dimostra estremamente ostile verso i due, specialmente dopo che Antoine esprime un voto contrario all'installazione di un grande impianto eolico nella zona, facendo così perdere ai residenti nativi la speranza di poter trarre un lauto guadagno economico dall'operazione. In breve l'atteggiamento di Xan e di suo fratello diventa sempre più minaccioso, dando origine ad un'autentica faida di cui sarà sempre più difficile controllare gli esiti. Il sesto lungometraggio dello spagnolo Rodrigo Sorogoyen, da lui anche scritto insieme a Isabel Peña, è un cupo dramma socio ambientale con risvolti da thriller, che denuncia apertamente la xenofobia atavica spesso radicata in luoghi dominati da arretratezza di vedute, gretta ignoranza e chiusura ideologica, ispirandosi ad un tragico fatto di cronaca realmente avvenuto nel 2010 nel villaggio galiziano di Santoalla a danno della coppia di olandesi formata da Martin Albert Verfondern e sua moglie Margo Pool (a cui la pellicola viene espressamente dedicata nei crediti finali). Con una regia asciutta e rigorosa ed una sottile carica di tensione strisciante, che aleggia minacciosa fin dalla prima emblematica sequenza della "Rapa das Bestas" (antica tradizione galiziana secondo cui alcuni uomini, detti "aloitadores", affrontano a mani nude i cavalli bradi per sottometterli e rasare loro la criniera), Sorogoyen tratteggia un lucido e amaro apologo sulla natura umana e sulla selvaggia brutalità ancestrale ad essa intrinseca, pronta a liberarsi con effetti drammatici in presenza di particolari condizioni (storiche, sociali, contestuali), in cui morale, comprensione e benevolenza vengono ottenebrate da ottuse logiche tribali. Attraverso una lunga serie di immagini semplici quanto potenti nel loro denso simbolismo, l'autore mette in scena un piccolo trattato visivo sull'homo homini lupus, sulla paura del "diverso" e dello "straniero", sullo scontro di classe tra mondo rurale e mondo intellettuale, senza mai smarrire la compattezza tematica e la finezza concettuale. E se i personaggi maschili sono, in gran parte, relegati nell'alveo di quella ferina bestialità invocata fin dal titolo, sono le figure femminili a rappresentare saggezza, sensibilità e resilienza, in accordo a quel cinema naturalistico, fatto di sentimenti e di contrasti, tipico dello stile del regista spagnolo. Da sottolineare anche la graffiante critica rivolta alle forze dell'ordine, inadeguate ed ignave, incapaci di sintonizzarsi fin da subito sulla gravità del problema più volte denunciato dai coniugi francesi, addirittura da loro "accusati", tra le righe, di aver favorito l'ostilità degli autoctoni grazie ad un presunto atteggiamento di superiorità culturale e intellettuale. Da lodare altresì le musiche di Olivier Arson, la fotografia di Álex de Pablo e le intense interpretazioni del cast principale, tra cui citiamo Marina Foïs, Denis Ménochet, Luis Zahera e Marie Colomb.

Voto:

voto: 4/5

Pusher - L'inizio (Pusher, 1996) di Nicolas Winding Refn

A Copenaghen Frank è uno spacciatore che sguazza nel sottobosco criminale della capitale danese, circondato da loschi e degni compari anche peggiori di lui. Deciso a dare una svolta alla sua carriera di pusher, convince il serbo Milo a farsi dare a credito una grossa partita di eroina, convinto di smerciarla facilmente e ricavare un cospicuo guadagno, con cui pagare il trafficante e tenere il resto per sé. Ma le cose non vanno come previsto e Frank finisce per perdere sia la droga che i soldi. Si ritrova così, suo malgrado, nel mirino di Milo e della polizia e deve inventarsi rapidamente qualcosa per salvarsi la vita. Interessante esordio registico del danese Nicolas Winding Refn, che ha anche scritto il film insieme a Jens Dahl, con questo thriller crime cupo e crudo, girato in patria a basso costo ma già con una chiara concezione di cinema (nonostante la sua totale mancanza di esperienza sul campo), a metà strada tra l'apologo cinico, la denuncia sociale e il sordido romanzo criminale. Denso, asciutto e serrato nei suoi 105 minuti di durata, il film ci immerge, senza enfasi e senza sconti, nella tetra realtà di un microcosmo di violenza e di miseria morale, un mondo oscuro popolato da personaggi spietati e selvaggi che vivono ai margini della società civile, reietti brutali e maledetti che ormai sembrano avere ben poco di umano. Il racconto si snoda nella settimana infernale e cruciale della vita di Frank, realisticamente calato in ambientazioni torbide e degradate (i quartieri malfamati di Copenaghen, immortalati soprattutto di notte), che sono ben più di un semplice scenario di sfondo, ma diventano quasi una sorta di inquietante personaggio aggiunto. Con uno stile algido e asettico, e con la macchina da presa che ossessivamente pedina il protagonista, ponendo così lo spettatore in sintonia con la sua situazione tragica e disperata, la pellicola scorre tesa e impietosa, offrendo ben pochi ripari emotivi (l'incontro di Frank con la madre, il suo amore per la bella Vic), che hanno anche la funzione in antifrasi di accentuare l'angoscia del presente, lasciando intravedere, in beffardo contrasto, la remota possibilità di una vita alternativa migliore. Bene interpretato da un cast di attori poco famosi ma estremamente credibili (Kim Bodnia, Zlatko Buric, Laura Drasbæk ed un giovane Mads Mikkelsen), il film è stato distribuito nel nostro paese soltanto nel 2007 ed ha avuto due seguiti (sempre diretti da Refn), Pusher II - Sangue sulle mie mani (Pusher II, 2004) e Pusher 3 - L'angelo della morte (Pusher III, 2005), nonché un remake britannico: Pusher (2012) di Luis Prieto.

Voto:

voto: 3,5/5

La scomparsa di Alice Creed (The Disappearance of Alice Creed, 2009) di J Blakeson

Due ex detenuti, il giovane Danny e il più maturo Vic, organizzano un piano perfetto per il rapimento a scopo di estorsione di Alice Creed, figlia di un ricco imprenditore. I malviventi approntano per l'occasione una stanza di un appartamento, rendendola una prigione insonorizzata, e studiano nei minimi dettagli ogni mossa per portare a compimento il colpo criminoso. Con un'azione rapida e decisa riescono a sequestrare Alice e la recludono nella camera legata ad un letto. Ma la vittima si dimostra tanto bella quanto scaltra e meno che mai arrendevole, e, grazie alla sua abilità, riuscirà a complicare notevolmente il progetto dei suoi carcerieri, facendo emergere una serie di sorprendenti segreti. Avvincente thriller di suspense scritto e diretto dall'esordiente regista inglese J Blakeson, claustrofobico nelle ambientazioni, torbido nelle situazioni, ambiguo nei sottotesti e costantemente sul filo di una tensione strisciante che lascia presagire verità nascoste e colpi di scena. Forte di una solida sceneggiatura, di dialoghi serrati, di pulsioni che strisciano sotto pelle e delle ottime interpretazioni dei tre soli attori in scena (Gemma Arterton sensualmente grintosa, Eddie Marsan lucidamente intenso e Martin Compston emotivamente tormentato), il film avvince lo spettatore dall'inizio alla fine giocando finemente sulla psicologia dei personaggi e mettendone a nudo gradualmente, attraverso una progressione geometrica di twist, la personalità, le motivazioni, le fragilità ed i lati oscuri. Il rapporto introspettivo, crudele, drammatico e talvolta morboso, che si instaura tra vittima e carnefice ed il beffardo agire del destino, che impunemente si diverte a scompigliare le pianificazioni degli uomini attraverso imprevisti improvvisi, fanno da vibrante contrappunto teorico celato tra le pieghe del racconto, contaminando il genere crime di connotazioni psicoanalitiche. In Italia il film non è mai stato distribuito nelle sale ed è passato in sordina anche dopo la sua uscita in home video, ma meriterebbe il recupero, specialmente da parte degli appassionati del genere. Le riprese in esterni (invero non particolarmente numerose) si sono svolte nella caratteristica cornice geografica dell'Isola di Man, nel mare d'Irlanda.

Voto:

voto: 3,5/5

Quando Dio imparò a scrivere (Los renglones torcidos de Dios, 2022) di Oriol Paulo

Nel 1979 la giovane Alice Gould viene ricoverata in un ospedale psichiatrico per il suo stato di pericolosa paranoia, con l'accusa di aver tentato di uccidere suo marito. La lettera di presentazione redatta dal suo medico curante la descrive come una donna molto intelligente, scaltra, bipolare e abile nella manipolazione del prossimo. Alice non ci mette molto ad imporre la sua personalità all'interno della clinica, stabilendo rapporti privilegiati con altri pazienti e con membri del personale sanitario, ma trova sempre un suo scettico antagonista nel primario Samuel Alvar. Lei è convinta di essere una detective privata, ingaggiata da un potente uomo d'affari per indagare sulla misteriosa morte di suo figlio avvenuta tempo prima all'interno della clinica, e introdottasi nella struttura sotto mentite spoglie per scoprire la verità, agendo segretamente dall'interno. Ma le drammatiche esperienze che dovrà affrontare durante il suo ricovero metteranno più volte in discussione ogni cosa, rendendo incerto il confine tra realtà e immaginazione. Questo psico-thriller spagnolo di Oriol Paulo, tratto dal romanzo omonimo di Torcuato Luca de Tena, è un complesso giallo a incastro in bilico costante tra ragione e follia, mondo esteriore e mondo interiore, che strizza l'occhio al fantastico, flirta con l'horror e solletica le emozioni dello spettatore attraverso personaggi ambigui, atmosfere claustrofobiche, continui colpi di scena che ribaltano completamente la situazione ed un intreccio narrativo che, nel finale, diventa cervellotico. E' un mistery inquietante e affascinante, diretto con mano sapiente e stile elegante, forte della notevole interpretazione di Bárbara Lennie (praticamente perfetta nel ruolo della protagonista, enigmatica, ammaliante, tormentata e determinata) e di un cast di supporto di validissimi "comprimari" (tra cui spicca un imponente Eduard Fernández), che però deve scontare una scarsa originalità (le somiglianze con diversi film del passato di questo tipo si sprecano, ma evitiamo di citarli esplicitamente per non rovinare in alcun modo la visione) e alcune svolte della trama macchinosamente forzate, che, sommate alla lunghezza non banale della pellicola (154') potrebbero costringere lo spettatore a complicati "ripensamenti" in merito alla "risoluzione" della trama. Va però anche detto che uno dei twist è di grande effetto e lascia letteralmente di sasso anche il più esperto in materia di thriller deduttivi. Insomma alla fine non tutto quadra alla perfezione, ma quello che quadra è di ottima fattura e di fine suggestione. Il titolo (traducendo letteralmente l'originale, "le linee storte di Dio") si riferisce ad una frase pronunciata dal dottor Alvar, in cui traccia un significativo paragone tra la calligrafia del nostro ipotetico creatore e i malati di mente.

Voto:

voto: 3,5/5

Oppenheimer (2023) di Christopher Nolan

Nel 1926 Julius Robert Oppenheimer è un giovane studente di fisica presso l'università di Cambridge, brillante, arguto, affascinato dalle teorie di Bohr e dall'emergente meccanica quantistica, di cui sarà uno dei primi e più attivi sostenitori tra gli americani, contribuendo in maniera decisiva alla sua diffusione negli Stati Uniti. Uomo complicato e anticonformista, Oppenheimer ha una vita molto attiva anche al di fuori della scienza, frequentando circoli intellettuali, avvicinandosi all'ideologia comunista, sostenendo la causa politica dei ribelli spagnoli contro il franchismo e impelagandosi in burrascose relazioni sentimentali con belle donne, con le quali riscuote un largo successo. Nel 1942, durante la Seconda Guerra Mondiale, viene messo a capo del team scientifico del "progetto Manhattan", per costruire, nella location segreta di Los Alamos (Nuovo Messico), la prima arma nucleare per un possibile utilizzo bellico contro il nemico nazista o giapponese. Dopo il successo dell'operazione, Oppenheimer diventa famosissimo ma, nel 1954, è costretto a difendersi dalle gravi accuse che lo indicano come spia sovietica per i suoi "pericolosi" trascorsi giovanili. Il suo principale avversario è il potente politico Lewis Strauss, ex direttore della AEC (la Commissione americana per l'energia atomica), che ha sempre visto in lui un personaggio scomodo ed un possibile capro espiatorio dei suoi svariati magheggi. Il primo film biografico di Christopher Nolan è un dramma storico lungo e denso, idealmente diviso in tre parti (la giovinezza, Los Alamos e le commissioni d'inchiesta), liberamente ispirato al racconto "Robert Oppenheimer, il padre della bomba atomica" di Kai Bird e Martin J. Sherwin, da cui lo stesso Nolan ha tratto la ricca sceneggiatura. È un film importante, impegnativo ed elegante, visivamente pregevole, narrativamente dettagliato, concettualmente maturo, storicamente preciso, ideologicamente graffiante nella sua lucida disamina contro il potere (militare, burocratico e soprattutto politico), stilisticamente sopraffino, magnificamente interpretato da un cast stellare e latore di un messaggio eticamente inappuntabile nella sua riflessione caustica sul conflitto tra progresso scientifico e valori morali. Ma è anche un'opera altalenante e non priva di difetti, vedi un montaggio troppo frenetico che rende la prima parte confusa e difficile da seguire (specialmente per gli spettatori poco ferrati con la storia americana di quel periodo e con il gran numero di personaggi implicati nella vicenda) o un utilizzo eccessivamente enfatico del sonoro, che viene usato (stavolta in luogo della colonna sonora) come potente mezzo espressivo, ma risulta talvolta fuori misura. Un altro appunto che si può muovere è l'abuso di effetti didascalici nei momenti visionari, con diverse sequenze che strizzano l'occhio al cinema recente di Terrence Malick, tra cui però va salvata la scena straniante dell'amplesso "in pubblico", che è anche una piacevole novità rispetto allo stile tipico del regista. Il finale, poderoso quanto prevedibile per il suo dovuto senso etico, ha un chiaro sapore didattico, ma è anche inevitabile rispetto alla filosofia anti-sistema che sostiene il film. Due menzioni speciali sono da attribuire: innanzi tutto alla recitazione di alto livello di una grande squadra di attori, in cui spiccano un finalmente ritrovato Robert Downey Jr. (dopo i suoi trascorsi "leggeri" nelle pellicole Marvel), il tormentato protagonista Cillian Murphy, la sempre affidabile Emily Blunt ed una intensa Florence Pugh, che purtroppo viene relegata ad un ruolo marginale per quello che, potenzialmente, era uno dei personaggi più ambigui ed interessanti. E poi non si può non lodare il magistrale lavoro dell'intero comparto tecnico: l'opera è stata girata su supporto IMAX da 70 mm, utilizzando, per la prima volta, sequenze in IMAX con fotografia in bianco e nero, e gli effetti speciali sono stati realizzati prediligendo nettamente sistemi "artigianali" e riducendo al minimo la computer grafica. Il risultato è sontuoso e, per questo, si consiglia la visione del film in una sala attrezzata al meglio per dare più risalto possibile alle tecnologie coinvolte. Gli stilemi usuali dell'autore (il montaggio espressivo, l'uso pregnante del sonoro e la frammentazione temporale) sono ovviamente tutti presenti e stavolta pienamente al servizio della storia, al netto di qualche sporadica indulgenza nell'eccesso autoreferenziale. La pellicola ha riscosso un grande (e per certi versi sorprendente) successo sia commerciale (nonostante il fatto che negli Stati Uniti sia uscito con un "rated R") sia di critica e sarà sicuramente una protagonista di eccellenza ai prossimi premi Oscar del 2024. La Warner Bros. (un tempo abituale major produttrice dei film di Nolan, sostituita dalla Universal dopo l'aspra diatriba con il regista) avrà sicuramente molto da rimpiangere in merito.

Voto:

voto: 4/5

Parnassus - L'uomo che voleva ingannare il diavolo (The Imaginarium of Doctor Parnassus, 2009) di Terry Gilliam

Il Dottor Parnassus è il capo di una compagnia teatrale itinerante che gira con un carrozzone nelle scalcinate periferie di Londra, per presentare uno spettacolo intitolato "The Imaginarium". I suoi aiutanti sono il giovane Anton, sua figlia Valentina e il nano Percy. Al gruppo si unisce l'affascinante Tony, un simpatico truffatore in fuga da criminali russi, che viene assunto come venditore di biglietti e che ben presto ruba il cuore di Valentina, provocando la gelosia di Anton che è da sempre innamorato di lei. Il fulcro dello show è uno specchio magico dotato di poteri straordinari: chiunque lo attraversi si ritrova in un mondo fantastico dove i suoi desideri prendono vita. Ma Parnassus nasconde un terribile segreto: per ottenere tutto questo ha stretto un patto con il diavolo, di cui adesso si avvicina inesorabilmente la data in cui dovrà pagarne il prezzo. Affascinante favola dark dai toni surreali e dal tocco eccentrico, diretta da Terry Gilliam con fantasia visionaria e da lui stesso scritta insieme a Charles McKeown. E' un film a due facce, a seconda del lato dello specchio in cui è ambientato. Nella prima (il mondo reale) va in scena la miserabile e meschina tragicommedia della vita umana, con tutto il suo carico di passioni, pulsioni, inganni, gelosie, tradimenti e violenze. Nella seconda (il regno fantastico) il regista naturalizzato britannico dà fondo a tutto il suo estro di creatore di mondi di vivida fantasia, attingendo al proprio naturale talento immaginifico ed a tutte le suggestioni che lo hanno influenzato nel corso della sua carriera. Il risultato è un viaggio che confonde e incanta lo spettatore, immergendolo in un carosello di immagini di grande potenza visiva, in un continuo passaggio dall'orrido al meraviglioso, il cui unico magnifico demiurgo è, ovviamente, Gilliam-Parnassus. Il film fece molto parlare di sé per l'improvvisa morte prematura dell'attore protagonista, il compianto Heath Ledger, qui alla sua ultima interpretazione. La tragica scomparsa di Ledger avvenne mentre le riprese erano giunte circa a metà e mancavano ancora molte sue scene da girare. Questo causò un lungo stop della produzione, in cui furono valutate molte ipotesi, persino quella di interrompere definitivamente la lavorazione della pellicola. Dopo diversi mesi si prese la decisione di andare avanti, sostituendo lo sfortunato attore, nelle sue sequenze ambientate al di là dello specchio, addirittura con tre grandi nomi (Johnny Depp, Jude Law, Colin Farrell) che si resero subito disponibili per onorare il collega e consentire la realizzazione dell'opera. L'idea di base utilizzata è che il personaggio di Ledger (Tony) modifichi il suo aspetto fisico ogni volta che si ritrova in un mondo diverso oltre lo specchio magico. L'effetto finale perde qualcosa in omogeneità, ma resta comunque di buon livello. Da menzionare le notevoli performance attoriali di Heath Ledger (a cui il film è dedicato) e di Christopher Plummer nel ruolo di Parnassus, così come la singolare caratterizzazione "anonima" da viscido venditore di sogni in cambio di anime, che viene data al diavolo interpretato da Tom Waits. Il film ha avuto due candidature agli Oscar 2010: scenografie e costumi.

Voto:

voto: 3,5/5

Oltre la notte (Aus dem Nichts, 2017) di Fatih Akin

Katja Sekerci è una donna tedesca felicemente sposata con il turco Nuri, da cui ha avuto un figlio di nome Rocco. A causa di un attentato dinamitardo Nuri e Rocco muoiono tragicamente, gettando Katja nella totale disperazione. Con l'aiuto di un avvocato amico di famiglia la vedova cerca di annegare nel desiderio di giustizia il suo dolore, supportando come può le indagini in base a particolari che ha notato prima dello scoppio fatale. Lei è convinta che il crimine abbia una matrice ideologica di stampo razzista, ma la polizia si concentra invece su altre piste, a causa del passato di Nuri che aveva dei precedenti per spaccio di stupefacenti. Dopo mesi di indagine, nel mirino degli investigatori finiscono un ragazzo e una ragazza legati a movimenti neonazisti, proprio come aveva sempre detto Katja. Cupo dramma familiare dai forti risvolti sociali e dalle sfumature di un thriller d'inchiesta, scritto e diretto da Fatih Akin, autore tedesco di origini turche sempre interessato ad un cinema realistico, a suo modo duro, mai conciliante e che affonda le sue radici nella collettività. Liberamente ispirato ai numerosi attentati di stampo xenofobo e neonazista compiuti in Germania contro le minoranze etniche nel primo decennio degli anni 2000, il film è diviso in tre atti ("La famiglia", "La giustizia", "Il mare") che rappresentano tre diversi momenti di elaborazione del doloroso lutto da parte della protagonista, egregiamente interpretata da una Diane Kruger di rara intensità espressiva e che, finalmente, riesce a dare il meglio del suo talento recitando nella sua lingua madre. Asciutto e dolente come il personaggio principale di Katja Sekerci, Aus dem Nichts riesce a bilanciare la tragedia personale con la denuncia sociale, senza andare mai troppo sopra le righe e rendendo la sua critica contro razzismo e politica di graffiante spessore. Ma il vero cuore dell'opera è tutto nel conflitto interiore vissuto dalla protagonista, ponendoci riflessioni non banali sul dilemma morale che riguarda la linea di confine (a volte quasi indefinibile) tra giustizia e vendetta, così come sulla difficile convivenza quotidiana con un evento luttuoso che stravolge improvvisamente la propria vita e, non ultimo, sulla reale applicazione nel concreto del dogma su cui si reggono le istituzioni occidentali, che vuole la legge uguale per tutti. Il film, che è di forte impatto emotivo, è stato unanimemente elogiato dalla critica soprattutto per la performance attoriale della Kruger, premiata, tra applausi scroscianti, al Festival di Cannes con il prestigioso Prix d'interprétation féminine.

Voto:

voto: 3,5/5

Ava (2020) di Tate Taylor

Ava è una donna tormentata da un passato difficile di dipendenza dall'alcool, che la spinse ad arruolarsi nell'esercito e a lasciare madre, sorella e fidanzato. Durante i suoi anni trascorsi nelle forze armate, Ava dimostra eccezionali abilità fisiche e operative, per le quali viene reclutata da un'agenzia che lavora nell'ombra, gestendo gli affari sporchi per i servizi segreti, con il ruolo di infallibile killer su commissione. Nonostante uno stato di servizio impeccabile, la donna inizia a mostrare qualche segno di ripensamento sulla sua vita e, dopo una missione andata male, qualcuno delle alte sfere decide di eliminarla. Thriller spionistico d'azione scritto da Matthew Newton (che inizialmente doveva fare anche da regista ma venne poi rimosso dopo essere stato accusato di violenze domestiche) e diretto da Tate Taylor, con un cast di grande livello che annovera interpreti come Jessica Chastain (che figura anche come produttrice esecutiva), John Malkovich, Geena Davis, Colin Farrell e Jess Weixler. Il film ha la doppia struttura narrativa di una classica spy-story di puro intrattenimento action (invero non particolarmente originale), alternata ad un dramma familiare più intimo con sfumature sentimentali. Quello che voleva essere un tentativo di infondere un tocco di innovazione in un genere ampiamente abusato e codificato, si rivela invece un punto debole perchè il film delude sotto entrambi gli aspetti, risultando anonimo, convenzionale, scontato e di sbrigativa superficialità. L'unica nota positiva è la performance della sempre brava Chastain, che risulta estremamente credibile sia in versione "kick ass girl" sia nelle parti più introspettive. Ma ciò non basta a risollevare le sorti di questo esile prodotto di genere sostanzialmente innocuo. In Italia il film non ha avuto nessuna distribuzione nelle sale ma è uscito direttamente in streaming sulla piattaforma Netflix.

Voto:

voto: 2/5

Stalag 17 (1953) di Billy Wilder

Durante la seconda guerra mondiale, all'interno del campo di prigionia nazista numero 17, alcuni prigionieri americani cercano di organizzare un piano di fuga, ma sospettano che tra loro ci sia una talpa che passa informazioni sotto banco al nemico. Il principale sospettato è il sergente Sefton, per i suoi modi disinvolti che gli consentono anche di trafficare sigarette con alcune guardie tedesche. Quando Sefton capisce che i suoi compagni non si fidano di lui, si mette all'opera per cercare prove contro la spia infiltrata. Ma è davvero innocente o agisce solo per discolparsi agli occhi degli americani? Stravagante e audace drama-comedy bellico di Billy Wilder, scritto dal regista insieme a Edwin Blum e nato come adattamento di una pièce teatrale di Broadway realizzata da Donald Bevan ed Edmund Trzcinski. E' una pellicola dalle due facce distinte e contrapposte: due film in uno. Nella prima metà assistiamo ad una commedia scanzonata, con momenti divertenti, intermezzi comici e dialoghi ironici. Il tono, nettamente straniante rispetto al contesto bellico e all'ambientazione carceraria, deriva pari pari dall'opera ispiratrice di Bevan-Trzcinski, ma è perfettamente in linea con la personalità coraggiosa di Wilder, che ha sempre cercato di infondere nei suoi film un tocco originale e diverso, pur rimanendo fedele alla sua visione caustica del mondo. Nella seconda metà Stalag 17 diventa un perfetto giallo di suspense basato sulla ricerca della spia, con un meccanismo stringente che procede con precisione geometrica nel costante crescendo della tensione. Alla sua uscita il film non fu compreso appieno e lasciò perplessi buona parte di pubblico e critica per l'accostamento di temi drammatici a modi di racconto leggeri, ma, nel tempo, è stato ampiamente rivalutato come uno dei lavori più innovativi del grande autore. Ricevette tre candidature agli Oscar (miglior regia, miglior attore protagonista per William Holden e miglior attore non protagonista per Robert Strauss) e alla fine fu soltanto Holden a portarsi a casa la statuetta, vincendo il primo e unico Oscar della sua carriera. Sia Billy Wilder che Edwin Blum vissero davvero l'esperienza di prigionieri di guerra nello Stalag 17B in Austria e nella pellicola hanno puntualmente inserito molti dei lori ricordi personali. In Italia il film venne anche distribuito con il titolo Stalag 17 - L'inferno dei vivi.

Voto:

voto: 4/5