Magic (Magic, 1978) di Richard Attenborough

Il giovane Corky Withers, dopo i troppi tentativi infruttuosi di diventare un illusionista di successo, mette in piedi un numero alternativo come ventriloquo insieme al suo pupazzo "parlante" che lui chiama Forca. In breve diventa una celebrità nei locali notturni e viene contattato da una rete televisiva che gli propone un lungo contratto di lavoro. Ma quando gli vengono richiesti dei controlli medici obbligatori, il nostro scappa via e si rifugia nella piccola cittadina montuosa dove è cresciuto. Qui diventa l'amante del suo primo amore, Peggy Ann, nonostante lei adesso sia sposata e va a vivere in una casa isolata dove, gradualmente, la sua mente incomincia a vacillare. La sua personalità disturbata si sdoppia e la parte malvagia a lungo repressa "prende possesso" del pupazzo Forca, che gli ordina di compiere atti terribili. Thriller psicologico di Richard Attenborough, in una singolare ma non cattiva incursione in un genere fortemente codificato e apparentemente non proprio nelle sue corde. La storia è semplice e facilmente prevedibile negli sviluppi per il pubblico scafato in materia, ma le atmosfere sono ben rifinite, le ambientazioni angoscianti e le sequenze con il pupazzo di inquietante suggestione, grazie alla straordinaria doppia performance di un giovane Anthony Hopkins, che proprio con questo ruolo di schizofrenico rivelò al mondo il suo grande talento. Non è un film fondamentale per il genere thriller ma merita comunque una visione per vedere all'opera Hopkins, apprezzabile maggiormente nella versione in lingua originale. E' possibile che il suo famoso Hannibal Lecter sia nato sul set di questo film.

Voto:

voto: 3/5

Come eravamo (The Way We Were, 1973) di Sydney Pollack

Tormentata storia sentimentale tra due anime innamorate ma profondamente diverse, sullo sfondo della storia americana dagli anni '30 agli anni '50, passando attraverso la guerra spagnola, lo smacco di Pearl Harbor, la seconda guerra mondiale, il maccartismo, la guerra fredda e la paura di un olocausto nucleare. Katie Morosky è un'attivista politica di origine ebrea, progressista, filocomunista e contro ogni forma di repressione ideologica. Hubbel Gardiner è un giovane della upper class, protestante, conservatore, brillante scrittore che sarà chiamato a lavorare per gli studios hollywoodiani di cui dovrà accettare le logiche di compromesso. I due si prendono, si lasciano, si perdono e si ritrovano, con il costante conflitto tra la forza del loro amore e l'incompatibilità delle loro idee. Intenso melodramma dalle ambizioni politiche che intende raccontare le contraddizioni, gli squilibri e le ipocrisie sociali dell'America di ieri pensando chiaramente a quella di oggi. Coraggioso e a tratti prolisso, fu il primo film hollywoodiano ad avere come protagonista un personaggio comunista e alla sua uscita provocò numerose polemiche per il suo forte attacco al maccartismo, con l'intervento della censura che operò diversi tagli per alleggerirne la veemenza. La sovrapposizione tra crisi politica e crisi di coppia funziona egregiamente, ma il film pecca di evidenti scompensi, forse anche ingigantiti dalle manipolazioni censorie che fecero infuriare il regista, il quale ripudiò pubblicamente la pellicola ritenendola lontana dalle sue intenzioni iniziali. Anche l'alchimia tra i due protagonisti, Robert Redford e Barbra Streisand, non appare perfettamente oliata, con il primo molto naturale e la seconda troppo impostata. Alla fine dei conti, nel montaggio finale la love story prevale sul contesto sociopolitico rendendo il film più ordinario e meno pungente di quanto l'autore avrebbe voluto. Vinse due premi Oscar: alle musiche di Marvin Hamlisch ed alla miglior canzone, "The Way We Were" di Alan Bergman e Marilyn Bergman, cantata dalla Streisand.

Voto:

voto: 3/5

Capricorn One (Capricorn One, 1977) di Peter Hyams

Dopo la conquista della Luna, la NASA prepara un'ambiziosa missione su Marte. Ma qualcosa va storto e il progetto viene improvvisamente annullato per non compromettere la sicurezza degli uomini sulla navicella. Per evitare di perdere prestigio davanti alla nazione i vertici dell'ente spaziale decidono di tenere segreta la cosa e organizzare un clamoroso inganno mediatico. Gli astronauti vengono portati di nascosto in una base militare del Nevada dove sono costretti a simulare lo sbarco sul pianeta rosso in una specie di minuzioso set cinematografico perfettamente ricostruito in un ambiente chiuso. Dopo aver capito che alla fine della messa in scena la NASA intende eliminarli per poi simulare un incidente nel viaggio di ritorno, i tre cosmonauti tentano una disperata fuga nel deserto. Intanto uno sveglio giornalista ha fiutato qualcosa di anomalo e si è messo a indagare per conto suo. Avvincente thriller fantapolitico di Peter Hyams, figlio legittimo di un'epoca di deluso disincanto da parte di una grossa fetta del popolo americano (dopo lo scandalo Watergate e il fallimento della guerra in Vietnam), durante la quale le teorie complottistiche proliferarono. Il film è ispirato alla leggenda urbana del complotto dell'Apollo 11, secondo la quale lo sbarco americano sulla Luna non sarebbe mai avvenuto realmente ma sarebbe stato simulato in uno studio cinematografico realizzato ad hoc. Più che un'opera di fantascienza è un apologo paranoico sulla ragion di stato che incarna il disfattismo dei tanti disillusi che, nella seconda metà degli anni '70, vedevano cospirazioni governative dietro ogni evento di cronaca. E' anche un film sul potere mistificatore dell'immagine, in base al concetto che ciò che viene visto per televisione diventa automaticamente vero per le masse di fruitori, come in uno spot commerciale. Molto buono il cast con Elliott Gould, James Brolin, O.J. Simpson, Hal Holbrook, Karen Black e Telly Savalas. Ben dosato nella costruzione della suspense, soprattutto nella seconda parte dove diventa una classica pellicola di inseguimento, ha la pecca della poca credibilità e di un grossolano populismo sensazionalistico che ne mina le basi ideologiche. Come a dire che, se non tutto è vero, ciò non implica automaticamente che tutto sia falso. O, analogamente, il contrario di credulone non è nichilista. In medio stat virtus.

Voto:

voto: 3/5

Assassinio sull'Orient Express (Murder on the Orient Express, 1974) di Sidney Lumet

Istambul, 1935: sul treno Orient Express che collega la città turca a Parigi viaggia il detective privato Hercule Poirot, famoso per la sua straordinaria logica deduttiva con cui ha risolto i casi giudiziari più intricati. Tra i tanti viaggiatori c'è il ricco uomo d'affari americano Samuel Edward Ratchett che, dopo una notte di tempesta nevosa nella regione dei Balcani, viene trovato morto nel suo scompartimento, chiuso dall'interno, ucciso con dodici pugnalate. Mentre il treno è bloccato dalla neve, lo scaltro Poirot inizia subito a indagare, interrogando tutti i passaggeri. All'iniziale ipotesi di un killer venuto dall'esterno e poi scappato grazie alla sosta forzata dell'Orient Express, se ne aggiunge una più sottile e inquietante, legata ad un tragico fatto di sangue avvenuto in America cinque anni prima. Puntiglioso adattamento di Sidney Lumet di uno dei più celebri gialli di Agatha Christie ("Assassinio sull'Orient Express"), best seller e capolavoro della letteratura poliziesca. Tecnicamente il film è un whodunit geometrico, raffinato nella forma, avvincente nel suo incedere implacabilmente razionale che procede seguendo la logica disarmante di Poirot, con dialoghi pungenti intrisi di sardonico umorismo nero e un'atmosfera di tetra ambiguità che trova il suo tripudio nel raggelante finale a due vie. Impeccabile la recitazione classica di un cast stellare che annovera fuoriclasse del calibro di Albert Finney, Lauren Bacall, Ingrid Bergman, Jacqueline Bisset, Michael York, Jean-Pierre Cassel, Sean Connery, Anthony Perkins, Richard Widmark e Vanessa Redgrave. Il più bravo di tutti è Finney ma fu la Bergman ad aggiudicarsi l'Oscar come migliore attrice non protagonista sulle sei nomination totali che furono riconosciute al film. E' uno degli adattamenti cinematografici più riusciti della Christie ed un film imperdibile per gli amanti del giallo classico, ragionato e basato sulla forza della deduzione.

Voto:

voto: 4/5

La notte brava del soldato Jonathan (The Beguiled, 1971) di Don Siegel

Durante la guerra di Secessione un caporale nordista, Jonathan McBurney, ferito e abbandonato in territorio nemico, viene soccorso da una ragazzina ospite di un collegio femminile e accolto dalle premurose ragazze che vi risiedono. Unico uomo in un ambiente di sole donne, Jonathan diventa oggetto di interesse per alcune di loro, in particolare Martha ed Edwina, suscitando così sentimenti di gelosia fino ad allora sconosciuti. La quiete ovattata del collegio viene rotta dalla presenza del soldato che, in breve, da elemento di interesse sessuale, diventa un figura perturbante da punire. Tetro melodramma torbido di Don Siegel, tratto dal romanzo omonimo di Thomas P. Cullinan, e intriso del cupo pessimismo antropologico dell'autore. Costruito su magnifici contrasti espressionisti tra la fotografia plumbea e le pulsioni fiammeggianti della vicenda, è un apologo gotico sulla tentazione e sugli istinti ancestrali della natura umana, scatenati da una forza ammaliatrice capace di abbattere il muro del conformismo. Dal punto di vista simbolico Jonathan è il diavolo che corrompe con il potere dell'eros giovani donne innocenti, ma poi il piano prospettico si ribalta, le vittime diventano carnefici e l'ambiguità morale prende il sopravvento perchè il male alberga in ognuno di noi, bisogna solo saperlo scatenare. Più che misogino, come molti lo hanno definito, è un film misantropo in cui il dualismo tra repressione e seduzione si sposta rapidamente sul versante della battaglia tra i sessi, rendendo sfumato il confine tra innocenza e colpa. Forte di intensi momenti intimi e suggestive sequenze oniriche, è un'opera dalla sensibilità più europea che americana, che andò malissimo al botteghino ma venne particolarmente apprezzata dalla critica francese. Tra i film di Siegel è uno dei più originali e autoriali, che ebbe anche il merito di rivelare al pubblico delle insospettabili doti attoriali del protagonista Clint Eastwood, solitamente identificato con personaggi duri dalla scorza granitica. Nel cast femminile segnaliamo Geraldine Page, Elizabeth Hartman, Jo Ann Harris e Darleen Carr. Da riscoprire.

Voto:

voto: 4/5

La fuga di Logan (Logan's Run, 1976) di Michael Anderson

Nell'anno 2274, dopo che il mondo è stato distrutto da un cataclisma ecologico, i sopravvissuti vivono in una tecnologica  città sotterranea con un computer che ne governa il ciclo vitale, facendoli nascere in provetta e morire al compimento esatto dei 30 anni in una solenne cerimonia chiamata "rinnovamento", in cui i partecipanti credono ingenuamente di essere rigenerati in un nuovo corpo. Lo scopo del crudele rituale è il rigido controllo del sovrappopolamento per il numero limitato di risorse disponibili. Chi cerca di sottrarsi al "rinnovamento" o tenta la fuga viene soppresso da guardiani speciali, detti "Sorveglianti", di cui fa parte Logan. Dopo avere scoperto la cruda realtà, l'uomo decide di ribellarsi e di fuggire insieme alla bella Jessica, per recarsi nel vecchio mondo, dove alcune leggende parlano di un Vecchio saggio sopravvissuto all'ecatombe che vive da solo in ciò che resta della città di Washington. Tratto dal romanzo di William F. Nolan e George Clayton Johnson, questo cult di fantascienza distopica degli anni '70 ha ispirato un certo immaginario giovanile, dando vita ad una serie televisiva andata in onda per due stagioni ed a numerosi omaggi nel mondo dei fumetti o dei videogiochi. Forte di un'estetica di grande fascino figurativo, grazie alla sontuosa fotografia di Ernest Laszlo, alla ricchezza inventiva delle scenografie ed ai notevoli effetti speciali (premiati con l'Oscar), il film risulta però ben più debole sul versante dei contenuti, peccando di prevedibilità, confusione e scarsa originalità. Ha comunque uno zoccolo duro di fans che lo collocano tra i migliori sci-fi movies del decennio. Fanno parte del cast Michael York, Farrah Fawcett, Peter Ustinov e Jenny Agutter. Spettacolare e derivativo è un film la cui fama supera ampiamente i suoi meriti effettivi.

Voto:

voto: 2,5/5

Soldato blu (Soldier Blue, 1970) di Ralph Nelson

La bionda Kathy, rapita dagli indiani Cheyenne presso la cui tribù ha trascorso due anni, viene liberata da un gruppo di soldati bianchi. Inseguiti dai pellerossa molti di questi vengono uccisi, mentre Kathy e il giovane Honus riescono a fuggire. Nel lungo viaggio verso il forte più vicino i due si conoscono, si amano e la donna riesce a far capire all'uomo le ragioni degli indiani e i soprusi commessi dai bianchi che, in nome della così detta "civilizzazione", li stanno sterminando in maniera sistematica per impadronirsi della loro terra. Giunti all'avamposto militare scoprono che un ingente squadrone di cavalleria sta partendo verso l'accampamento Cheyenne per compiere un massacro. Kathy si precipita per avvisare il capo Lupo Pezzato del pericolo imminente. Celebre e controverso western revisionista che, seguendo la moda del tempo, si pone totalmente dalla parte dei nativi americani, denunciando, con efferata violenza grafica e con sequenze di scioccante ferocia, lo sterminio perpetrato dai bianchi (anche ai danni di donne, vecchi e bambini) e la profonda ingiustizia delle guerre indiane. E' una cruenta rievocazione del massacro di Sand Creek del 1864, ispirato al romanzo "Arrow in the Sun" di Theodore V. Olsen, ma è tranquillamente leggibile come apologo critico sul Vietnam, in accordo allo spirito della "controcultura" di cui questo film è figlio legittimo. Se la denuncia è sacrosanta e l'indignazione che ne deriva è più che legittima, va altresì riconosciuto che la morbosa insistenza su particolari macabri nella lunga e terribile sequenza dell'eccidio finale sfocia nel sadismo programmatico e nella spettacolarizzazione della brutalità, anche se per scopi nobili. Un po' più di misura e un po' meno manicheismo avrebbero giovato al film, che ebbe grossi problemi con la censura alla sua uscita, scatenò un mare di polemiche e subì diversi tagli alla sanguinosa scena dell'epilogo (per cui viene principalmente ricordato). Nel cast figurano Peter Strauss, Donald Pleasence, John Anderson e Candice Bergen che è una di bellezza abbagliante.

Voto:

voto: 3/5

Luna nera (Black Moon, 1975) di Louis Malle

In un imprecisato futuro il mondo è sconvolto da una sanguinosa guerra tra i due sessi che non fa sconti a nessuno. La giovane Lily, in fuga da tutto questo, cerca un angolo di pace in una grande casa nel bosco abitata da strani personaggi: una vecchia matta che parla con un topo, dei bimbi nudi, due gemelli muti, un gatto che suona il piano e un liocorno parlante che emette sentenze. Ma anche in questo strano ambiente le cose non vanno molto bene: scoppiano litigi frequenti, il cibo scarseggia e tutti si lamentano per la fame. Affascinante opera surrealista di Malle, sotto forma di fiaba onirico allucinata densa di simbolismi archetipi, di elementi allegorici, di suggestioni psicoanalitiche sulla guerra, sul difficile passaggio dall'adolescenza all'età adulta e sulla natura perversa dell'essere umano. Illogico come un sogno e ricco di genio inventivo, è una sorta di rilettura problematica e straniante di "Alice nel paese delle meraviglie" che intende essere, pur nella sua ermetica ambiguità, una parabola morale, un apologo politico, una riflessione esistenziale, un incubo sereno, una satira storica. E' un'opera spiazzante nella sua tortuosità, fieramente antinarrativa e forte di una dimensione fantastica che funge da specchio fatato che distorce chimericamente i meccanismi del mondo reale. Splendido nella sua creativa equivocità, ammaliante per il suo viaggio in un ipnotico assurdo che sa di sfida allo spettatore e sontuoso nell'impaginazione estetica (memorabile la fotografia del leggendario Sven Nykvist), fu il maggior flop commerciale di Malle e lasciò generalmente freddi i critici. E' un film per cinefili o per amanti dei percorsi artistici non convenzionali, una di quelle pellicole "prendere o lasciare" che può lasciarti dentro un senso di meraviglia o di irritazione. Ma la sua fascinazione magica è incontestabile e la sequenza tra Lily e il liocorno è pura meraviglia metaforica, un'immagine possente e poetica che sospende il filtro della ragione e parla direttamente al nostro inconscio. Da riscoprire e da rivalutare, ma per spettatori "preparati".

Voto:

voto: 4,5/5

La città verrà distrutta all'alba (The Crazies, 1973) di George A. Romero

Un aereo militare che trasporta una pericolosa arma batteriologica precipita al suolo e diffonde una nube tossica nei pressi di una piccola città della Pennsylvania, che viene immediatamente posta in isolamento sotto uno stretto presidio militare armato. Il virus diffuso dalla nube provoca nell'essere umano che ne viene a contatto una violenta pazzia che degenera in una incontrollabile furia omicida. Sarà l'inizio di un massacro, mentre alcuni superstiti cercano di fuggire ed un valente medico, che ha isolato il virus, cerca di preparare un antidoto. Il quarto lungometraggio del bravo regista americano ("padre" degli zombi), purtroppo recentemente scomparso, è un crudo apologo politico antimilitarista ed ecologista, pervaso da un profondo pessimismo e da una furiosa energia anarchica. Poco conosciuto dal grande pubblico, ma apprezzato da buona parte della critica che subito ne intuì la carica polemica e la lungimirante preveggenza, è una piccola perla nella filmografia dell'autore, la cui realizzazione tecnica (indubbiamente poveristica) non rende onore all'idea di base, a causa del budget esiguo con cui il film fu realizzato. Anche un certo formalismo stilistico ne attenua la portata caustica, per quanto la robustezza ideologica non venga affatto intaccata. Nel 2010 Breck Eisner ne ha diretto un remake non particolarmente riuscito, ma che ha avuto il merito di riaccendere i riflettori su questo lato in ombra della carriera di Romero.

Voto:

voto: 3,5/5