Orizzonti Cinefili

mercoledì 28 giugno 2023

La noia (1963) di Damiano Damiani

Dino, giovane rampollo romano di una ricca famiglia, si trastulla tra le sue ambizioni artistiche di mediocre pittore e un'esistenza inerte, paralizzato da uno stato di profonda noia che gli impedisce di vivere pienamente la sua età e la sua condizione sociale privilegiata. La madre cerca di aiutarlo procacciandogli una serie di ragazze facili che il nostro snobba puntualmente, fino a quando non incontra la bionda Cecilia, diciassettenne impertinente e sensuale, che fa la modella per un anziano pittore che ha lo studio proprio accanto a quello di Dino. Tra i due ragazzi sboccia una relazione amorosa passionale e tormentata, con la gelosia di lui messa a dura prova dagli atteggiamenti disinvolti della donna, che continua a frequentare regolarmente altri amanti occasionali per il puro piacere di trasgredire. Pur di mantenere Cecilia legata a sé in esclusiva, Dino inizia uno strano "gioco" morboso, decidendo di pagarla ad ogni incontro con quei soldi che ha sempre disprezzato. Dal celebre romanzo scandalo omonimo di Alberto Moravia del 1960, che alla sua pubblicazione fu un autentico pugno allo stomaco per i tanti moralisti del "belpaese", Damiano Damiani ha tratto questo melodramma a tinte erotiche ambientato nella Roma decadente dei salotti patrizi e forte di un sontuoso cast internazionale, che annovera nomi come Bette Davis, Georges Wilson, Isa Miranda e Lea Padovani, oltre ai due giovani protagonisti Catherine Spaak e Horst Buchholz. Ma nonostante questo e l'inevitabile enfasi mediatica di uno scandalo annunciato che ne accompagnò l'uscita, il film si dimostra fiacco e deludente, con evidenti problemi di scrittura e di recitazione. Troppo episodico nella narrazione frammentata, lento in alcuni passaggi, con la famosa diva americana Bette Davis chiaramente spaesata ed il tedesco Horst Buchholz alquanto scialbo nel ruolo cruciale di Dino. Ma quello che principalmente latita è lo spirito mordace e trasgressivo del libro di Moravia, che come sempre utilizza la tematica del sesso per suggerire una crisi esistenziale ben più profonda, oltre che una critica tagliente al perbenismo, al consumismo ed al vuoto morale di una borghesia inetta e pusillanime. Gli elementi migliori del film sono invece la colonna sonora di Luis Bacalov, la fotografia contrastata di Roberto Gerardi e la magnetica interpretazione della Spaak, che proprio con questo film consolidò il suo status di icona sexy degli anni '60, diventando il simbolo di un erotismo glamour e conturbante che la rese popolarissima nel nostro paese. La memorabile sequenza in cui Dino ricopre di banconote il corpo nudo di Cecilia è entrata a pieno diritto nell'immaginario collettivo del tempo, diventando immediatamente un manifesto della sensualità cinematografica. Lo scrittore Leonida Repaci fa un piccolo ruolo nel film nei panni del maturo pittore Balestrieri, amante di Cecilia.

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La banda Casaroli (1962) di Florestano Vancini

Nella Bologna degli anni '50 tre giovanotti di malaffare, Paolo Casaroli, Corrado Minguzzi e Gabriele Ingenis, si conoscono in un Luna Park, iniziano a frequentarsi e decidono di mettere in piedi una banda dedita a furti e rapine di cui Paolo, violento esaltato con idee di estrema destra, è la mente. Dopo una serie di "colpi" messi a segno tra l'Emilia-Romagna e la Lombardia, con l'aiuto di altri membri occasionali che si aggiungono al gruppo iniziale, ci scappa il morto e per i tre banditi è l'inizio di una lunga fuga che farà scorrere ancora altro sangue. Questo cupo crime movie di grande impatto, egregiamente diretto da Florestano Vancini e da lui anche scritto insieme al giornalista Federico Zardi, è un perfetto esempio di cinema impegnato che fonde abilmente la denuncia civile alla lucida rivisitazione di un tragico fatto di cronaca di cui si parlò a lungo per tutta la prima metà degli anni '50. Pur romanzando diverse situazioni per esigenze cinematografiche, Vancini si mantiene sostanzialmente fedele all'essenza degli eventi, raccontando le sanguinose "imprese" dalla "banda Casaroli" (questo è il nome con cui fu immediatamente battezzata dall'opinione pubblica all'epoca dei fatti) dal punto di vista dei suoi tre membri principali, ma senza mai dimenticare la dovuta indignazione ed il sentito rispetto per le vere vittime cadute sotto i colpi dei malfattori. Nella sua saggia miscela di fiction e realismo biografico, il film è duro, asciutto e grintoso, con una grande gestione del ritmo e del patos ed una impeccabile ricostruzione degli ambienti, ma soprattutto dello spirito di quei tempi: un'Italia appena uscita dalla catastrofe bellica e ancora traumatizzata, confusa, piena di contrasti, di contraddizioni e di ferite troppo dolorose per potersi rimarginare in fretta. E il Casaroli della pellicola, magistralmente interpretato da un tormentato Renato Salvatori, incarna esattamente quel senso di sbandamento che attanagliò molti giovani di quell'immediato dopo guerra: cresciuti senza storia, senza padri, senza prospettive e con una rabbia interiore votata all'autodistruzione. Il cast è completato da Jean-Claude Brialy e Tomas Milian, che si danno un gran da fare ma stentano a stare al passo del mattatore Salvatori. Alla sua uscita l'opera non fu compresa, anzi ricevette molte critiche per il suo essere troppo "americana" e per avere spettacolarizzato le malefatte dei banditi. E' un problema atavico che da sempre accompagna il genere crime nel nostro paese, specialmente se ispirato ad eventi reali, e di cui, probabilmente, non ci libereremo mai: il timore di assistere ad un'agiografia dei cattivi finisce spesso per confondere le idee, scambiando la denuncia di un fatto con la sua esaltazione. La banda Casaroli è il miglior film dell'autore, il suo risultato più solido, concreto e convincente, in cui Vancini, tra le altre cose, sfoggia anche una inaspettata abilità nel girare le sequenze d'azione. Memorabile l'intero segmento finale, sia per la sua teatralità tragica sia per il suo perfido tocco beffardo, che è perfettamente in linea con la personalità del villain protagonista, da lui stesso costantemente esibita nelle interviste e nei processi.

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La calda vita (1964) di Florestano Vancini

La bella Sergia, diciottenne inquieta e disinvolta, accetta di trascorrere alcuni giorni al mare in una villa nel sud della Sardegna in compagnia di Max e Freddy, due coetanei entrambi innamorati di lei che le fanno una corte serrata. La ragazza, particolarmente abile a mantenere entrambi sulle spine senza mai concedersi, si diverte a innescare una costante competizione tra i due, guidando con sicurezza il gioco della seduzione. Ma l'arrivo sul posto di Guido, uomo maturo e affascinante, sconvolge ogni cosa. Dal romanzo omonimo di Pier Antonio Quarantotti Gambini, Vancini ha tratto un torbido melodramma sul tema "spinoso" della sessualità giovanile, argomento considerato ancora un tabù nell'Italia d'inizio anni '60 e infatti il film destò un certo imbarazzo alla sua uscita, attirandosi le ire dei moralisti benpensanti e le "attenzioni" della censura. La splendida Catherine Spaak, con il suo erotismo acerbo sempre sul confine tra malizia e dolcezza, incarna alla perfezione la figura di quest'adolescente conturbante e irrequieta, che diventa il sogno proibito di tutti i personaggi maschili (ma anche degli stessi spettatori!). Gli altri "vertici" del triangolo (che poi diventa un quadrilatero) amoroso vedono all'opera interpreti di sicuro affidamento quali Jacques Perrin, Gabriele Ferzetti e Fabrizio Capucci. Sulle gaie note della colonna sonora di Carlo Rustichelli e sullo sfondo assolato degli incantevoli panorami marittimi della nostra Sardegna, la pellicola procede con andamento incerto, indecisa se essere pienamente disinvolta come la protagonista Sergia o se invece limitarsi per timore di offendere oltre misura il comune senso del pudore. E' proprio questo il suo limite maggiore, la pavida ritrosia dell'autore nell'andare fino in fondo e rendere realmente graffiante il tono del film, che intende farci riflettere su tematiche già da diversi anni emergenti (ma puntualmente sottaciute) come l'emancipazione femminile, lo smarrimento giovanile (dal punto di vista sentimentale, sessuale ed esistenziale) di fronte al rapido cambiamento dei costumi e la crisi dei rapporti di coppia dopo secoli di rigido patriarcato. Nonostante il materiale "esplosivo" e le tematiche scottanti per l'etica dei tempi, la pellicola non morde, ma preferisce assestarsi su una placida inerzia ideologica, evitando di approfondire le questioni più spinose. Ed è un vero peccato perchè la bravura del regista emerge a tratti in diverse scene ed il suo approccio solitamente puntiglioso non avrebbe potuto che giovare nel raccontare una storia dalle molte implicazioni come questa. Ma si sa che nel nostro paese, atavicamente ipocrita e bigotto, si rischia molto meno a parlare di violenza, di politica, di cronaca o di storia piuttosto che di sessualità.

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Sotto il sole di Roma (1948) di Renato Castellani

A Roma, durante la Seconda guerra mondiale, il giovane Ciro è un perdigiorno indolente che trascorre le sue giornate con gli amici del quartiere. Con l'inizio dell'occupazione nazista si dà al contrabbando e viene arrestato, ma riesce a scamparla grazie ad un evento fortuito che gli consente di scappare dal lercio budello dove era stato rinchiuso. Dopo l'arrivo degli americani le cose prendono una brutta piega, Ciro diventa l'amante di una donna sposata ed entra in una banda di ladruncoli che organizzano un furto di pneumatici in un deposito vicino alla stazione Tuscolana. Ma il destino sta per dargli una severa lezione. Questa commedia drammatica di Renato Castellani viene generalmente considerata come l'iniziatore del così detto "Neorealismo rosa", una costola del Neorealismo ufficiale che ebbe un notevole successo di pubblico per i suoi toni più leggeri e scanzonati, per le atmosfere popolaresche, per l'uso spiccato dei dialetti locali e per la maggiore enfasi posta sui (buoni) sentimenti e sull'etica edificante. La critica colta non gradì particolarmente questa svolta, considerandola, non sempre a torto, una sorta di contaminazione più superficiale e aneddotica, intrisa di un realismo bozzettistico incline all'evasione piuttosto che alla critica sociale o alla riflessione storico-politica. E questo film di Castellani, che rappresenta il primo capitolo della sua così detta "trilogia dei poveri", seguito da È primavera... (1950) e da Due soldi di speranza (1952), non sfugge di certo a questo tipo di giudizio. Tuttavia Sotto il sole di Roma è un film importante, sapientemente diretto, recitato con contagiosa spontaneità dagli attori del cast (tra cui ricordiamo l'esordiente Oscar Blando, Liliana Mancini ed un atipico Alberto Sordi in ruolo di cupa drammaticità), ricco di sequenze ispirate e di momenti intensi che costituiscono una perfetta sintesi in immagini di quei tempi fatti di miseria, di fame, di ingiustizie, di violenze, di paura, ma anche di profonda e tenera ingenuità di sentimenti. Non a caso il finale, che segna con secca enfasi il percorso di formazione del protagonista Ciro, costretto ad abbandonare dolorosamente la spensierata gioventù incosciente per entrare nell'età adulta, è la metafora perfetta della fine dell'innocenza di un'intera nazione, uscita sconvolta, umiliata e distrutta, nel corpo e nello spirito, da una guerra folle e terribile, che ha visto naufragare miseramente quel vano sogno di grandezza cullato da un manipolo di burocrati e dittatori e dato in pasto alle masse come oppio dei popoli.

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Viaggio con Anita (1979) di Mario Monicelli

Guido, bancario romano infelicemente sposato e poco dedito alla famiglia, si mette in viaggio verso il suo paese di origine, Rosignano Solvay in provincia di Livorno, per dare l'ultimo saluto a suo padre, gravemente malato. Ma non perde l'occasione di pensare anche al suo trastullo preferito (le donne) e, dopo il rifiuto della sua amante, si fa accompagnare da una bella biondina americana di nome Anita, senza però rivelarle il vero motivo della sua partenza. Una volta giunti a destinazione saranno scintille, in tutti i sensi. Questo road movie di Mario Monicelli è una commedia amara che riprende il tema del viaggio (caposaldo della più iconica commedia all'italiana, Il sorpasso (1962) di Dino Risi), svuotandolo però di ogni vitalismo e di ogni ingenua utopia. La società italiana è profondamente cambiata da quella perfettamente fotografata dal capolavoro di Risi, gli anni di piombo hanno lasciato un segno profondo di paura e di violenza, non c'è più spazio per le rampanti speranze di chi si sente investito dal sogno del boom economico, ma prevalgono il disincanto, la malinconia ed il mesto tentativo di "ingannare" la morte facendosi distrarre dai propri vizi e malcostumi. Monicelli, pungente e sarcastico come sempre, traccia un mesto bilancio dell'italiano medio di sesso maschile, evidenziandone le debolezze, l'egoismo, la faciloneria e l'atavico timore di assumersi seriamente le proprie responsabilità con il patetico tentativo di rimanere sempre "ragazzino", esercitato attraverso la ricerca compulsiva di relazioni randagie. Il tono della pellicola resta comunque ironico, a tratti anche molto divertente, più orientato al dileggio caustico che al predicozzo morale, anche grazie alle vivaci interpretazioni del ricco cast internazionale in cui spiccano Giancarlo Giannini, Goldie Hawn, Claudine Auger, Aurore Clément, Laura Betti e Renzo Montagnani. Nonostante questo e le collaborazione tecniche di spicco (come la colonna sonora di Ennio Morricone), l'opera non è all'altezza delle migliori del regista perchè caotica, bozzettistica e poco unitaria nel perseguimento della sua affilata disamina di costume. Va ricordato che il film è basato su un soggetto inizialmente scritto nel 1957 da Federico Fellini e Tullio Pinelli, con la collaborazione occasionale di Pier Paolo Pasolini, basato sulle memorie di un viaggio fatto da Fellini stesso in occasione della morte di suo padre. Forse non molti sanno che il grande Maestro riminese aveva in mente ben tre film dedicati all'idea del viaggio, che però sono rimasti tutti incompiuti. Il primo era questo, tenuto a lungo nel cassetto e poi venduto al produttore Alberto Grimaldi, che lo affidò a Monicelli per realizzare Viaggio con Anita. Gli altri due sono "Il viaggio di G. Mastorna, detto Fernet" e "Viaggio a Tulum", che non hanno mai visto la luce sul grande schermo ma sono stati "tradotti" in eleganti racconti a fumetti disegnati da Milo Manara sul finire degli anni '80.

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martedì 27 giugno 2023

Pieces of a Woman (2020) di Kornél Mundruczó

Martha e Sean sono una giovane coppia di Boston, in attesa della loro prima figlia. Lei è solare e di buona famiglia borghese, lui è un manovale un po' rozzo, ma premuroso con la sua compagna e molto emozionato dall'evento che sta per cambiare le loro vite. Martha decide di partorire in casa, ma durante il travaglio la sua ostetrica di fiducia si trova impossibilitata a raggiungerla e viene sostituita all'ultimo momento da un'altra. La tragedia è dietro l'angolo e l'esistenza di Martha andrà in pezzi. Questo solido dramma introspettivo dell'ungherese Kornél Mundruczó (al suo primo lungometraggio girato in lingua inglese e negli Stati Uniti), è l'adattamento per il cinema dell'omonima pièce teatrale di Kata Wéber (moglie del regista e sceneggiatrice del film), a sua volta ispirata ad una reale tragica vicenda personale da loro vissuta. Il tema dell'elaborazione di un lutto e di come un grande dolore possa spazzare via consolidate certezze quotidiane è uno dei più abusati nella storia del cinema, con risultati di alterne fortune e di variegati registri emotivi. In questo caso l'autore sceglie uno stile asciutto e sensibile, alternando sapientemente realismo e intimismo in un sobrio saliscendi di emozioni. Si parte con un indimenticabile prologo di forte impatto: un lungo piano sequenza di ben 23 minuti in cui assistiamo al travaglio di Martha, che ci viene mostrato nei dettagli, rendendoci emotivamente partecipi, scuotendoci profondamente per ovvi motivi, ma senza mai indugiare in particolari morbosi o sanguinosi, ma, piuttosto, affidandosi nei momenti più forti ai primi piani della bravissima Vanessa Kirby, che ci trasmette una gamma di dolorose sensazioni attraverso le sue intense espressioni. Dopo un avvio di questo tipo, con i titoli di testa che partono e ci introducono nella penosa fase della convivenza con una perdita insostenibile, potrebbe quasi essere scontato che la pellicola si adombri e perda consistenza. Invece il lucido scandaglio psicologico di Martha (a cui la Kirby riesce a donare una magistrale complessità finemente stratificata), i suoi conflitti con il ruvido compagno o con la madre altezzosa e la tematica del desiderio di giustizia, confinante con la vendetta, che si aggiunge al quadro d'insieme, riescono a tenere sempre alto il coinvolgimento dello spettatore, pur senza mai eccedere in scivoloni patetici. Anzi a metà pellicola l'autore ci regala una seconda scena madre, di grande intensità drammaturgica, in cui Ellen Burstyn ci ricorda perchè negli anni '70 veniva (giustamente) considerata una delle migliori attrici americane in circolazione. Peccato che nel finale il film tenda ad appiattirsi verso soluzioni più scontate e meno ricercate, portando a compimento la doppia metafora delle mele e del ponte in maniera obiettivamente un po' convenzionale. Prodotto da Martin Scorsese e musicato da Howard Shore, questo apologo sul dolore, sulla perdita e sul perdono ha ricevuto ampi consensi da parte della critica, con unanime lodi per le performance recitative di Vanessa Kirby ed Ellen Burstyn. La Kirby, nominata agli Oscar come miglior attrice protagonista, è stata premiata con la Coppa Volpi per la migliore interpretazione femminile al Festival di Venezia. Da rimarcare (e da elogiare) il "graffio" (di sensibilità tipicamente europea) dispensato dall'autore al rigido senso di giustizia tipicamente americano, che spesso fa rima con giustizialismo.

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Sanctuary: Lui fa il gioco. Lei fa le regole. (Sanctuary, 2022) di Zachary Wigon

Hal è il giovane rampollo erede di un impero economico, diventato amministratore delegato di una catena di alberghi di lusso dopo la morte di suo padre. Nella suite di uno dei suoi hotel l'uomo riceve la misteriosa Rebecca, un'avvocatessa scaltra e sensuale che lo sottopone ad una sorta di test burocratico per saggiare le sue effettive capacità. A mano a mano che le domande della donna diventano sempre più pungenti e personali, il colloquio professionale assume la forma di un gioco psicologico di matrice masochistica in cui lei è la dominatrice e Hal la vittima. Ma le cose sono esattamente quelle che sembrano? Questo torbido thriller psicologico dai toni ambiguamente morbosi, terzo lungometraggio del newyorkese Zachary Wigon scritto da Micah Bloomberg, è un cupo kammerspiel che mantiene rigorosamente l'unità di tempo e di luogo e porta in scena l'atavica battaglia tra i sessi attraverso due soli personaggi principali, che però si scambiano continuamente i ruoli in un grottesco carosello di maschere, identità e colpi di scena. Interamente costruito sul labile confine tra verità e menzogna, il film utilizza la materia sessuale (che è predominante nelle situazioni e nei dialoghi) per offuscare la sua reale essenza di apologo sul potere, mettendone a nudo le voracità, le contraddizioni, la crudeltà intrinseca e le dinamiche conflittuali, giocando con lo spettatore in un continuo ribaltamento dei ruoli per confonderlo e spiazzarlo. Fin dal nome della femme fatale interpretata dalla bella Margaret Qualley (Rebecca) è evidente che il regista intenda ispirarsi all'immaginario hitchcockiano per quanto concerne le tematiche basilari connesse al film: il voyeurismo, l'identità, l'ambiguità, il rapporto di natura psico-sessuale e la sfuggente mutevolezza delle apparenze. Ma quasi tutto rimane nell'alveo delle buone intenzioni inespresse in un'opera altamente isterica, concitata, con delle interpretazioni enfatiche sempre sul filo dell'over-acting e con uno stile visivo che cerca spesso l'equilibrismo virtuoso nelle inquadrature, nei controcampi e nei primi piani espressionistici, ma lo fa in maniera del tutto autoreferenziale, con una foga manieristica che sfocia nell'artificioso. In Italia la pellicola è uscita con un anno di ritardo, distribuita in poche sale e con un sottotitolo aggiuntivo di patetica tendenza esplicativa, quasi insinuando, tra le righe, che il nostro pubblico sia costituito in gran parte da "sciocchi". Il titolo originale, secco ed enigmatico, è forse la miglior cosa dell'opera, specialmente quando se ne comprende il senso, più o meno a metà film.

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Tremila anni di attesa (Three Thousand Years of Longing, 2022) di George Miller

Alithea Binn è una donna single ma realizzata nella sua vita agiata e solitaria, trascorsa in gran parte leggendo e studiando mitologie antiche, fino a diventare una grande esperta accademica del settore. Appassionata fin da piccola da quei racconti fantastici al confine tra storia, fiaba e leggenda, la nostra si reca da Londra ad Istanbul per tenere una conferenza, insieme ad altri studiosi del settore. Dopo aver comprato un'ampolla di vetro in un bazar del posto, scoprirà, con sua grande sorpresa, che in essa è "imprigionato" un genio che aspetta da ben tremila anni di mettersi al servizio di qualcuno per soddisfarne i classici tre desideri. Affascinata dalla creatura soprannaturale, Alithea, che si sente appagata e non sa che cosa chiedergli, decide di stabilire un rapporto con lui, facendosi raccontare tutto il suo avventuroso passato. Questo fantasy sentimentale diretto dall'australiano George Miller è l'adattamento cinematografico di un racconto breve tratto dalla raccolta "Il genio nell'occhio d'usignolo", scritto da Antonia Susan Byatt nel 1994. Attraverso una lunga serie di suggestioni che spaziano da "Le mille e una notte" ai film d'animazione di Walt Disney, l'autore realizza un'opera di struggente tenerezza, carica di malinconica nostalgia per i miti del passato e intrisa di un sentimento delicato, antico, fiabesco, che mira a suscitare meraviglia e rimpianto, come quelle grandi meravigliose storie d'avventura che ci riportano all'infanzia, ai cari ricordi di viaggi fatti con la fantasia attraverso mondi magici e straordinari. Miller, che ha sempre fatto del fantastico la sua cifra stilistica più sincera, sembra quasi volerci raccontare la Storia di tutte le Storie, realizzando, nei 108 minuti di durata della pellicola, il contenitore prezioso di tutto il suo spirito immaginativo, esattamente come la boccetta che contiene il genio, che non aspetta altro di poter liberare nel mondo la propria energia divinatoria. E' un film che può essere diviso idealmente in due parti: quella che avviene nella "realtà" contemporanea (con il rapporto emotivo in costruzione tra Alithea e il "djinn") e quella favolistica, raccontata dal genio che rievoca la sua lunga vita attraverso millenni di storia e di attesa. La migliore è senza dubbio la seconda, visionaria e affascinante, esotica e incantata, realizzata con dei notevoli effetti speciali che ci rimandano ai miti ancestrali dell'antica Persia. Di contro la tranche più sentimentaleggiante, che vede impegnati l'accademica inglese (Tilda Swinton) e la creatura magica al suo servizio (Idris Elba), è abbastanza canonica, non melensa ma priva di scatti emozionali degni di nota, nonostante le convincenti interpretazioni dei due attori protagonisti. Come sempre Miller celebra la magia divina del fantastico rispetto al reale, esaltando il potere creativo dell'arte visto come atto di suprema immaginazione, ma in questo caso i risultati non sono sempre all'altezza della sua migliore ispirazione. Menzione speciale per l'ammaliante colonna sonora di Tom Holkenborg (al secolo Junkie XL) con il toccante tema principale che nei titoli di coda viene presentato anche in versione cantata dal nostro Matteo Bocelli, figlio del celebre Andrea, che ha seguito la stessa carriera del padre e che nel film si ritaglia persino un ruolo da attore nel ruolo del principe Mustafa.

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sabato 24 giugno 2023

L'ultima notte di Amore (2023) di Andrea Di Stefano

Nella Milano contemporanea Franco Amore è un poliziotto giunto all'ultimo giorno di servizio dopo 35 anni di impeccabile carriera, durante la quale ha sempre rigato dritto e non ha mai sparato un colpo. Sposato con la solare calabrese Viviana e con una figlia grande che studia in un prestigioso college inglese, Franco viene festeggiato da amici, colleghi e familiari che gli hanno organizzato un party serale a sorpresa nel suo appartamento. Ma durante i festeggiamenti, quando Franco è appena rientrato dopo l'attività sportiva giornaliera, una telefonata del suo capo lo richiama in servizio per un grave fatto di sangue che vede coinvolte persone a lui vicine. Così l'uomo abbandona la festa e si getta a capofitto in quella che sarà la sua ultima notte di lavoro. Una notte in cui succederà di tutto. Splendido poliziesco nero, dal ritmo incessante e dal sapore acre, ideato, scritto e diretto con mano sicura da Andrea Di Stefano, regista romano cresciuto artisticamente negli USA, che con questo realizza il suo terzo lungometraggio e anche il suo film migliore. Ambientato freneticamente tutto in una notte (a parte qualche flashback chiarificatore) in una Milano cupa e pericolosa, questo film teso e avvincente dalla prima all'ultima sequenza, ha la forma narrativa di una sciarada e l'anima di un noir esistenziale in cui le scelte (anche se prese in fretta e sotto pressione) determinano vite e destini, modificando tutto all'improvviso e senza possibilità di appello. E' evidente il dettagliato lavoro fatto dall'autore in fase di scrittura: Di Stefano, per sua stessa ammissione, ha trascorso molti mesi a documentarsi sulla quotidianità lavorativa delle forze dell'ordine, sui loro problemi più tipici, sulle loro preoccupazioni e sullo stress ansioso che in molti casi li spinge al pensionamento anticipato. E un discorso analogo vale anche per la raffigurazione lucida e credibile della nuova facciata della criminalità milanese: multietnica, stratificata e ben integrata nel tessuto socio-economico della metropoli lombarda. Sono davvero molti gli elementi eccellenti di questa pellicola, che sulla scia della tradizione dei noir "milanesi" anni '70 di Fernando Di Leo ha lo sguardo saldamente piantato nella realtà odierna: dalla colonna sonora avvolgente di Santi Pulvirenti alla fotografia "elettrica" di Guido Michelotti, dalla nuova magnifica interpretazione di un possente Pierfrancesco Favino (a cui si accompagna un cast altrettanto in forma in cui svetta l'espressiva Linda Caridi) alla messa in scena che trasuda patos ansiogeno. E come non ricordare la spettacolare apertura, con i titoli di testa di colore rosso fuoco impressi sulla suggestiva ripresa aerea di una Milano notturna che "sembra America" e che ci immerge fin da subito nel mood dell'opera, oppure le due lunghe memorabili sequenze ambientate sulla tangenziale, che da sole valgono l'intero film. Di contro, a voler essere zelanti, ci sono almeno un paio di svolte nella trama che non convincono, ma si tratta di sbavature ampiamente tollerabili alla luce dell'ineccepibile lavoro svolto da Di Stefano e dalla sua crew. Una pellicola come questa fa bene al cinema italiano e fa anche ben sperare in un nuovo radioso futuro per il nostro cinema "di genere", che con L'ultima notte di Amore rivive fasti da troppo tempo dimenticati. Con registi come Sollima jr. e Di Stefano questa speranza potrebbe anche non essere infondata. Un consiglio: per non rovinarvi in alcun modo la visione guardate il film leggendo il meno possibile della trama.

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