Fuocoammare (Fuocoammare, 2016) di Gianfranco Rosi

A Lampedusa il piccolo Samuele va a scuola, cerca di imparare il duro mestiere del mare e si diletta a costruire fionde con cui tirare sassi per cacciare uccelli. Intanto l’isola vive la tragedia quotidiana dei migranti che sbarcano dal terzo mondo per sfuggire alla fame, alla guerra e ad una vita miserabile priva di speranza e dignità. In cerca di un futuro migliore per sé stessi e per i loro figli, questo esercito di disperati, ignobilmente sfruttato da un manipolo di criminali che si arricchiscono organizzando i disumani viaggi della morte su battelli di fortuna, vede nell’isola italiana la porta di quell’Europa in cui confida di trovare la terra promessa. Ma molti di loro trovano la morte in quel mar Mediterraneo ormai divenuto la tomba dei poveri derelitti, reietti costretti ai margini della civiltà da anni di politiche di sfruttamento e dal cinismo delle società occidentali schiave del consumismo e dell’avida logica del profitto. Lampedusa, estremo sud dell’Italia e dell’Europa, è ormai divenuta il simbolo del problema dei migranti, una questione umanitaria, politica, sociale e morale che costituisce la vera sfida da affrontare da parte dei governi europei. Una sfida che non può più essere rimandata o sottovalutata. In questo splendido documentario il regista Gianfranco Rosi, cittadino italiano e americano nato in Eritrea, affronta l’ardua questione con uno sguardo lucido, asettico e anemozionale, posto al servizio di un freddo cronachismo che cerca di cogliere il lato invisibile dell’immane tragedia al di là del pietismo retorico, dell'estremismo intollerante e del clamore mediatico. Con un approccio rigoroso e anticonvenzionale, l’autore bandisce enfasi e retorica, asciugando la narrazione fino all’osso e presentendoci, senza soluzione di continuità, scene di vita ordinarie della comunità lampedusana alternate alle immagini terribili (mostrate senza alcun compiacimento morboso) degli sbarchi dei profughi, dei salvataggi in mare e della disperazione assoluta di chi ha perso tutto. Potente ed onesto nel suo crudo realismo, ma anche pudico nell’esternazione delle scene tragiche attraverso un punto di vista discreto e pietoso, il film trova il suo climax emotivo nella drammatica testimonianza del dottor Pietro Bartólo, eroico medico lampedusano sempre in prima linea per prestare soccorso agli sventurati che arrivano dal mare. Da menzionare altresì la fine dimensione allegorica della vicenda di Samuele, che contiene un tenue messaggio di speranza e l’esortazione (rivolta a tutti noi) ad utilizzare il nostro occhio pigro (obnubilato dal benessere opulento e dall’egoismo ignavo), per riuscire a guardare il mondo sotto una nuova luce. Il film è stato premiato con l’Orso d’Oro al Festival del Cinema di Berlino ed è stato scelto, non senza polemiche, come rappresentante italiano agli Oscar 2017.

Voto:

voto: 4/5

Passione (Passione, 2010) di John Turturro

Intenso viaggio, tra storia e mito, tra realtà e sogno, attraverso la musica napoletana, dai grandi classici famosi in tutto il mondo fino alle istanze più moderne. Con lo sguardo alieno di un americano che guarda al paese delle sue origini con un misto di passionale adorazione e nostalgico rispetto, Turturro realizza un affresco potente, esuberante, colorato, affascinante e struggente insieme che cerca di cogliere, riuscendoci in buona parte, l’anima di Napoli attraverso la sua musica, i suoi suoni ed il suo viscerale rapporto con le canzoni che, da sempre, ne attraversano le viscere come le arterie in un corpo. Utilizzando filmati storici, interviste, testimonianze e le interpretazioni canore di tanti grandi nomi della musica partenopea, questo vibrante documentario musicale ci avvolge e ci ammalia, stordendoci con la forza suggestiva di quel grande teatro all’aperto che è Napoli, di cui l’autore coglie non solo i celebri scenari da cartolina ma, soprattutto, i luoghi più autentici e vitali: i vicoli, i mercati, le aree degradate, i ruderi antichi, il cui afflato possente ci pone in costante oscillazione tra storia e leggenda, tra costume e verità. In questo energico “videoclip” di 90 minuti vediamo sfilare volti e luoghi simbolo del capoluogo campano, con quindici brani reinterpretati tra cui ricordiamo “Vesuvio”, “Era de maggio”, “Maruzzella”, “Malafemmena”, “Don Raffaè”, “Tamurriata nera”, “Passione”, “Caravan Petrol”, fino alla splendida “Napule è” di Pino Daniele che rappresenta la chiosa ideale, e inevitabile, di questo viaggio antologico viscerale. Tra i numerosi interpreti che hanno prestato voce e corpo al film vanno citati: Massimo Ranieri, Peppe Barra, Peppe Servillo e la Piccola Orchestra Avion Travel, Pietra Montecorvino, James Senese, Enzo Avitabile, Fiorello, Lina Sastri, Mìsia, Raiz e gli Almamegretta. Nella riuscita commistione tra documento e fiction, organizzazione e improvvisazione, sacro e profano, tradizione e folclore, l’autore di Brooklyn ci racconta Napoli attraverso la musica cogliendone la vitalità, la malinconia, il colore, il calore, l’estro, la magia e la maledizione. Tra i tanti momenti riusciti dell’opera, il più suggestivo è il “Canto delle lavandaie del Vomero”, un sublime intermezzo onirico dal fascino antico, ambientato nella meravigliosa cornice della “Piscina mirabilis”, a Bacoli.

Voto:

voto: 4/5

Julieta (Julieta, 2016) di Pedro Almodóvar

Julieta è una donna di mezza età, insegnante di lettere classiche, in procinto di lasciare la Spagna per il Portogallo insieme al suo compagno, Lorenzo. Ma l’incontro casuale con una giovane ragazza riporta a galla un doloroso passato e riapre in lei antiche ferite mai del tutto rimarginate, che la spingono a cambiare i suoi progetti. Un lungo flashback ci racconta il passato della donna, con una serie di drammi familiari impossibili da cancellare. L’opus numero 20 del talentuoso autore manchego è un melodramma familiare asciutto e teso che lavora per sottrazione emotiva, pur abbondando nella molteplicità degli eventi. Elegante e spartano nella messa in scena, è una dolente parabola sul senso di colpa e sull’ineluttabilità del destino, che rifiuta l’enfasi o il coup de théâtre in favore di uno stile sommesso, incline all’amaro disincanto che registra senza fronzoli la crudezza della vita e la difficoltà di gestire i rapporti sentimentali. Almodóvar ritorna ad un cast tutto al femminile (in cui spiccano Emma Suárez e Adriana Ugarte che interpretano la protagonista in due diverse età della sua esistenza), ma rinuncia del tutto ai tocchi piccanti, alle trasgressioni colorite, ai graffi impudenti, all’irriverenza erotica e persino a quella toccante umanità che hanno reso grande il suo cinema. Con il distacco di uno scienziato che enumera eventi, imperfezioni, pulsioni e danni collaterali provocati dalle scelte di vita di Julieta, egli si affida al pilota automatico per condurre in porto questo dramma raffreddato, concedendosi però due lampi di genio: la scena dello shampoo (che è puro Almodóvar) e il finale aperto, a sottolineare che la vita è un flusso casuale indeterministico in continuo divenire e che la sola cosa che conta davvero è viverla. E affrontarla. Nonostante tutto.

Voto:

voto: 3,5/5

Vanya sulla 42ª strada (Vanya on 42nd Street, 1994) di Louis Malle

In un vecchio teatro sulla 42ª strada, destinato alla demolizione, un gruppo di attori professionisti stanno facendo le prove per portare in scena la commedia “Zio Vanja” di Anton Čechov. La bellezza del testo in breve conquista tutti gli interpreti, che si immedesimano a tal punto nella storia da rendere attuali (e forse reali) i contrasti e le emozioni dei rispettivi personaggi, interiorizzandoli e adattandoli alla loro situazione personale. Straordinaria opera ultima di Louis Malle (che morì l’anno dopo), che si congeda dal suo pubblico con questa memorabile commedia tragica che intende filmare il Teatro (quello con la T maiuscola), innescando affascinanti riflessioni sul rapporto tra arte e vita, realtà e finzione, persone e personaggi. La natura stessa del progetto è conforme al paradossale “gioco delle parti” sotteso nell’opera: infatti il film è tratto da un’opera teatrale di David Mamet, a sua volta tratta dalla commedia di Čechov. Rendendosi invisibile ma empaticamente vicino ai suoi personaggi, l’autore celebra il potere della recitazione e la forza della parola con classe sopraffina, maturità espressiva e assoluto controllo della narrazione. Notevole la sua abilità nel mantenere in funambolico equilibrio l’acre umorismo e la violenza implosiva presenti nel testo ispiratore e puntualmente ribaltati nella sua rappresentazione scenica, in un gioco di specchi a più livelli di assoluta fascinazione. Da applausi l’intero consesso degli attori, tra cui citiamo Wallace Shawn, George Gaynes, Julianne Moore, Larry Pine, Lynn Cohen, Phoebe Brand. E’ un film colto per cinefili, che potrebbe risultare indigesto al pubblico mainstream, da preferire nella sua versione originale (magari con l’ausilio dei sottotitoli) per le numerose sfumature linguistiche che si perdono inevitabilmente nel doppiaggio italiano.

Voto:

voto: 4,5/5

Ritratto di signora (The Portrait of a Lady, 1996) di Jane Campion

Sul finire dell’800 la giovane americana Isabel Archer approda in Inghilterra dove eredita un ingente patrimonio dallo zio defunto. Corteggiata da tutti, la donna, avida di esperienze e di libertà, rifiuta ogni proposta amorosa e decide di partire per l’Italia, provocando uno scandalo in famiglia. Giunta a Firenze cade nella rete di Gilbert Osmond, intellettuale snob dai modi raffinati che mira al suo denaro. Tratto dal romanzo omonimo di Henry James, questo aspro melodramma in chiaroscuro della Campion è un denso ed elegante affresco della condizione femminile nel XIX secolo, in cui i punti cardine come infelicità, discriminazione, emancipazione e ricerca di una propria indipendenza al di là della figura maschile, guardano anche all’oggi. Maestoso nella ricostruzione storico ambientale, esteticamente sontuoso nella splendida fotografia ovattata e nell’uso “pittorico” delle luci, splendidamente recitato da un cast straordinario (Nicole Kidman, John Malkovich, Barbara Hershey, Shelley Winters, Martin Donovan, Mary-Louise Parker, Viggo Mortensen), questo possente ritratto di lussuosa opulenza e di silente disperazione è stato uno dei film più sottovalutati degli anni ’90. Probabilmente a causa dell’approccio irrequieto e spregiudicato della talentuosa regista neozelandese, che qui ci regala un nuovo intenso universo femminile senza mai rinunciare all’estro dei suoi tocchi bizzarri, pur in una messa in scena di stampo rigidamente classico. E’ d’obbligo citare, in tal senso, la sequenza in cui la protagonista immagina un rapporto sessuale con ciascuno dei suoi tre pretendenti o il suo “Grand Tour” europeo sintetizzato con lo stile delle vecchie comiche. Il finale aperto, che lasciò perplessi la maggior parte dei critici, è un’altra pennellata di gran classe, all’insegna di una fertile ambiguità. Da rivalutare.

Voto:

voto: 4/5

Irma la dolce (Irma la Douce, 1963) di Billy Wilder

Nestor, ex poliziotto, sognatore dal cuore d’oro, s’innamora perdutamente di Irma, bella prostituta parigina. Corroso dalla gelosia fa di tutto per convincere la donna a frequentare un unico cliente, il ricco Lord X, che in realtà è lo stesso Nestor travestito. Divenuto ben presto geloso persino del suo alter ego, il nostro ne inscena la finta morte, ma finirà per essere accusato dell’omicidio del fantomatico lord. Travolgente commedia di Wilder tratta da un musical francese (“Irma la Douce”),  musicato da Marguerite Monnot e scritto da Alexandre Breffort. Con un perfetto meccanismo che dosa sapientemente i tempi comici, le irresistibili gag, un trasognato romanticismo in rosa e la consueta vena farsesca che stinge nel dramma (tipica del geniale autore), quest’opera straripante riattualizza il genere “vaudeville” e ci regala una caustica riflessione sul tema dello sdoppiamento di personalità. Straordinarie le scenografie di Alexandre Trauner che ha ricostruito interamente negli studi hollywoodiani le strade di Parigi, donandogli una stilizzazione magica che costituisce la cifra estetica più intima del film. Bravissimi i due interpreti principali, Jack Lemmon e Shirley MacLaine, che si confermano come una delle migliori coppie mai viste sul grande schermo. Su tre nomination la pellicola vinse un solo Oscar, per la colonna sonora di André Previn che riadattò l’originale francese. Agile, scatenata, sofisticata e sentimentale, questa commedia brillante costituisce l’ennesima gemma nell’itinerario artistico di Wilder.

Voto:

voto: 4/5

Lo specchio della vita (Imitation of Life, 1959) di Douglas Sirk

Lora Meredith, attrice di teatro rimasta vedova, sacrifica l’amore e la famiglia per dedicarsi anima e corpo alla sua carriera artistica. Rinuncia infatti alla corte di un giovane fotografo e fa crescere la piccola figlia Susy da una governante di colore, che ha a sua volta una figlia, Sarah Jane. Quest’ultima, anch’essa ossessionata dal desiderio di sfondare nel mondo dello spettacolo, approfitta del colore più chiaro della sua pelle per spacciarsi per bianca e scappa di casa, vergognandosi delle sue origini. Questo intenso dramma sentimentale al femminile, remake di Lo specchio della vita (Imitation of Life, 1934) di John M. Stahl, è l’ultimo film hollywoodiano di Douglas Sirk, nonché il migliore e il più famoso dei suoi melodrammi ardenti, raffinati e colorati. La riflessione, tipica dell’autore, sui mali oscuri della borghesia americana (ricca, viziata e ossessionata dall’etichetta) diventa stavolta un affresco ben più ampio e sottile sui conflitti di classe, di razza e di generazione, con una messa in scena magnificamente trattenuta che lascia però sempre trasparire il magma di passioni che ribolle sotto la coltre di buone maniere imposte dal rigido perbenismo dell’epoca. Evitando abilmente la cadute nel patetico e nel lacrimevole, l’autore confeziona un formidabile ed elegantissimo ritratto di un’America ipocrita e razzista, che trova pieno compimento nella memorabile sequenza finale del funerale sulle note di “Trouble of the World”, cantata da Mahalia Jackson. Nel grande cast vanno menzionati Lana Turner, Juanita Moore, Susan Kohner, John Gavin e Sandra Dee, tutti bravissimi nei rispettivi ruoli. La Moore e la Kohner furono entrambe candidate all’Oscar come miglior attrice non protagonista, ma dovettero arrendersi alla Shelley Winters de Il diario di Anna Frank, che si aggiudicò l’ambito premio. La Turner, celebre bionda platinata e icona di bellezza hollywoodiana nel periodo a cavallo tra gli anni ’40 e gli anni ’60, lodò pubblicamente il regista per essere stato il primo a saperne cogliere ed esaltare lo spessore di attrice drammatica, oltre che l’avvenenza fisica. Il film è unanimemente considerato come uno dei più grandi melodrammi di tutti i tempi.

Voto:

voto: 4,5/5

Magnifica ossessione (Magnificent Obsession, 1954) di Douglas Sirk

Il ricco seduttore Bob Merrick causa indirettamente la morte di un medico e la cecità di sua moglie Joyce. Colpito dal rimorso egli diventa un valente chirurgo, opera con successo la donna restituendole la vista, se ne innamora e finisce per sposarla. Questo fiammeggiante melodramma, remake di Al di là delle tenebre (1935) di J.M. Stahl, è un’opera fondamentale e quintessenziale della filmografia di Douglas Sirk, perché ne ha codificato definitivamente lo stile visivo e le ossessioni formali, dando forma concreta alla sua estetica elegante ed intensa. Tedesco fuggito in America, Sirk è diventato famoso per i suoi melodrammi feroci, formalmente sontuosi ma percorsi da una sottile tensione che striscia sotto pelle, ovvero quell’intreccio di passioni e di pulsioni che la bigotta società americana degli anni ’50 doveva tenere ben celata sotto la patina inamidata del conformismo borghese. Nonostante l’esilità della trama la pellicola è un vero piacere per gli occhi, un tripudio di misticismo sentimentale incorniciato dalla splendida fotografia cromaticamente opulenta e da una messa in scena dallo stile impeccabile. E’ anche un film recitato benissimo dal cast principale composto da Jane Wyman, Rock Hudson, Barbara Rush e Otto Kruger. Vanta enormi schiere di appassionati, come tutti i melodrammi sirkiani, ed è da collocare tra i grandi classici del genere romantico della vecchia Hollywood.

Voto:

voto: 4/5

La pazza gioia (La pazza gioia, 2016) di Paolo Virzì

Villa Biondi è una comunità della campagna pistoiese per donne affette da problemi mentali e sottoposte a misure di custodia cautelare. Qui s’incontrano Beatrice, sedicente contessa logorroica dalla maniere affettate, e Donatella, giovane introversa piena di lividi e tatuaggi che nasconde traumi dolorosi. Nonostante le enormi differenze di carattere e di estrazione sociale, tra le due donne nascerà un’amicizia stravagante e sincera. Un giorno, sfruttando la scarsa organizzazione della struttura che le ospita, le due scapperanno per concedersi una folle “vacanza” all’insegna del divertimento, che ben presto si trasformerà in una dolente ricerca del proprio passato, tra colpi di testa e sensi di colpa. Intensa commedia drammatica di Virzì che, alternando il registro tragico a quello ironico, cuce addosso alle due bravissime protagoniste (Valeria Bruni Tedeschi e Micaela Ramazzotti) una vicenda tenera e appassionata tutta al femminile, che ci parla di depressione, di alienazione, di sociopatia, di amicizia e anche di come la fragilità psicologica sia un “peccato” intollerabile di fronte al cinismo del mondo dei così detti “normali”. Con una fotografia solare ed un ritmo agile, il regista livornese torna alla sua amata Toscana per questa storia “on the road” in cui si ride, si piange, si sorride e si riflette amaramente sulla triste condizione degli psicolabili, la cui sociopatia è solo la punta dell’iceberg di un malessere generale più profondo, di cui la stessa società si fa complice con la sua bieca indifferenza. A mano a mano che si scava nel passato delle due protagoniste, appare infatti evidente come i traumi infantili, l’assenza dei familiari e l’insensibilità del contesto sociale siano le evidenti concause della loro “follia”. L’autore punta il dito sull’imperfezione della natura umana e sulla crudeltà della vita, che non si ferma mai ad aspettare i più lenti o i più deboli nel suo veloce incedere quotidiano, e, con sguardo lucido e tenerezza compassionevole verso le sue “eroine”, descrive con lucida perizia il paradosso delle due “matte” che fuggono dalla comunità terapeutica per affrontare un “manicomio” ben più grande, quel mondo popolato da personaggi non meno “matti” di loro, ma ben protetti dalla franchigia della durezza d’animo. Tuttavia il regista toscano è anche bene attento a non scadere nell’elogio populista della “pazzia” (a meno di qualche piccolo scivolone finale nella retorica sentimentale), perché non disdegna altresì di tratteggiare i lati oscuri, le inconfessabili colpe e gli aspetti infimi della personalità di Beatrice e Donatella. Il nostro si riconferma narratore di razza, sensibile ed attento nei riguardi della società italiana contemporanea, lieve nel tocco e pungente nei contenuti, ultimo paladino della grande tradizione della Commedia all’italiana.

Voto:

voto: 4/5