The Tourist (2010) di Florian Henckel von Donnersmarck

Elise Clifton-Ward è una donna splendida e misteriosa, sorvegliata dalla polizia britannica in quanto amante di un inafferrabile truffatore, Alexander Pearce, che è scomparso nel nulla dopo aver sottratto due miliardi di sterline ad un gangster ed evaso il fisco per anni. Per rendersi introvabile Pearce ha cambiato il suo volto con un intervento di chirurgia plastica, ma ha contattato la sua donna tramite lettera dicendogli di recarsi a Venezia e accalappiare con il suo fascino un uomo che gli somigli per corporatura. Sul treno Parigi-Venezia Elise fa la conoscenza di Frank Tupelo, un professore del Wisconsin diretto in Italia per turismo, e riesce ad ammaliarlo rapidamente. Una volta a Venezia, Frank, sedotto dalla sensualità della avvenente ragazza, si trova coinvolto, suo malgrado, in una pericolosa rete di spionaggio, pedinamenti, inseguimenti e colpi di scena, finendo nel mirino di poliziotti e criminali che lo hanno scambiato per il ricercato Pearce. Questo giallo-rosa di azione diretto dal tedesco Florian Henckel von Donnersmarck è un patinato blockbuster da intrattenimento leggero, una coproduzione internazionale tra gli USA e diversi paesi europei, ambientato tra Parigi e Venezia e costruito sul fascino dei due divi protagonisti: una Angelina Jolie femme fatale ed un insolito Johnny Depp con capelli lunghi, baffi e pizzetto. Fondato sull'accumulo di sequenze action e di situazioni inverosimili in perfetto stile Hollywood, con un tono scanzonato che ondeggia tra l'ironico e il banale, è un film inamidato e convenzionale, dal finale ampiamente prevedibile anche per il pubblico meno esperto del genere. Il più immediato modello di ispirazione sembra essere Sciarada (Charade, 1963) di Stanley Donen, ma siamo lontani anni luce dalla sua raffinatezza stilistica, dal suo umorismo brioso e dalla sua saldezza di scrittura. E' un prodotto facilone in linea con le grandi produzioni americane di questi anni, che ha comunque riscosso un notevole successo al botteghino, probabilmente per il richiamo esercitato dai due celebri protagonisti. Il cast è completato da Paul Bettany, Timothy Dalton ed una lunga schiera di attori italiani tra cui Christian De Sica, Alessio Boni, Raoul Bova e Nino Frassica. Interessante la colonna sonora in stile classico dell'esperto James Newton Howard.

Voto:

voto: 2,5/5

L'ombra del vampiro (Shadow of the Vampire, 2000) di E. Elias Merhige

Nel 1921 il regista tedesco Friedrich Wilhelm Murnau, dopo un lungo periodo di studio e di documentazione, si accinge a girare, in Polonia, il film che lo farà entrare nella leggenda, il più grande horror della storia del cinema: Nosferatu il vampiro (Nosferatu, eine Symphonie des Grauens). L'ispirazione del soggetto è tratta dal romanzo epistolare "Dracula" di Bram Stoker, di cui però Murnau non ottenne mai i diritti, venendo così costretto a modificare i nomi dei personaggi, le ambientazioni e diverse situazioni, per non incorrere in accuse di plagio. Per il ruolo del conte Orlock, ovvero il vampiro Nosferatu, Murnau sceglie un attore misterioso che sembra apparso dal nulla, Max Schreck, il quale va sempre in giro truccato come il suo sinistro personaggio e dorme davvero in una bara per immedesimarsi meglio nella parte. Ma quello che gli attori e i membri della troupe non possono sapere è che Murnau, per massimizzare il realismo del suo film, ha ingaggiato un vero vampiro per interpretare Nosferatu ed ha stretto con lui un agghiacciante patto (di sangue). Questo stravagante horror biografico di E. Elias Merhige, sulla carta molto affascinante ma realizzato in maniera grossolana, prende spunto da una delle tante dicerie nate intorno alla lavorazione del capolavoro di Murnau (tra l'altro mai ufficialmente smentita), che all'epoca contribuì notevolmente ad accrescere la fama e la fascinazione oscura del film: ovvero che l'attore Max Schreck fosse un vero vampiro e che solo il regista ne fosse a conoscenza. L'assunto è chiaramente intrigante, specialmente per gli amanti di Nosferatu, di Murnau, del cinema horror, dell'espressionismo tedesco e per i cinefili in generale. Ma il progetto paga una sceneggiatura scritta in maniera approssimativa e colma di lacune (da Steven Katz), ed un tono troppo incerto che oscilla in maniera stramba tra l'ironico farsesco e la pellicola di paura di ambientazione d'antan. Può valere unicamente come ripasso riassuntivo per gli interessati alla fase di realizzazione di un film epocale, che qui però viene descritta senza alcuna ambiguità o ricchezza di sfumature, ma abbracciando totalmente la tesi che Schreck fosse un vampiro, voluto sul set da Murnau. Tra strafalcioni storici, approssimazioni maldestre ed un ritratto scorretto e poco rispettoso del regista Murnau, qualcosa da salvare c'è: l'affascinante ricostruzione tecnica delle atmosfere dell'espressionismo (con notevoli inserti in bianco e nero girati dai nuovi attori che ricalcano quelli dell'originale) e la grande interpretazione di un diabolico Willem Dafoe nei panni di Schreck/Nosferatu (per la quale ebbe la candidatura agli Oscar come migliore attore non protagonista).

Voto:

voto: 2,5/5

Go Go Tales (2007) di Abel Ferrara

Il "Paradise" è un esclusivo club di lap dance a Manhattan. Il suo gestore, Ray Ruby, è indebitato fino al collo per il suo vizio del gioco e nel locale gli affari vanno di male in peggio con la proprietaria dell'immobile che batte cassa per gli affitti arretrati e le ragazze che si mettono in sciopero, per gli stipendi non percepiti, e decidono di non spogliarsi più. Come se non bastasse il povero Ray ha vinto un grosso premio alla lotteria ma ha smarrito il biglietto vincente. Bizzarra commedia nera, scritta e diretta da Abel Ferrara, e ambientata tutta in una notte in un colorato e caotico locale di striptease, raffigurato come una Babilonia infernale, conturbante e stordente, un microcosmo vivace e sensuale di quel mondo underground, popolato da perdenti, arrampicatori, avventurieri, pervertiti ed anime perse, che tanto stanno a cuore al regista del Bronx. Soltanto un autore "folle" e creativo come Abel Ferrara poteva rendere credibile e mantenere in equilibrio un soggetto del genere, con personaggi sopra le righe e situazioni in bilico tra l'erotico e il grottesco, con un forte carica di fascinazione oscura, una connotazione ironico trasgressiva ed un'anima inquieta che si ispira alla commedia svitata della Hollywood classica, con particolare riferimento ai film di Howard Hawks (ovviamente rivisitati secondo la sensibilità del "bad guy" Ferrara). Interamente girato negli studi romani di Cinecittà e con un cast che mescola attori americani e italiani (Willem Dafoe, Bob Hoskins, Matthew Modine, Asia Argento, Riccardo Scamarcio, Burt Young, Stefania Rocca, Bianca Balti), tra cui diversi fedelissimi dell'autore, questo sfrontato divertissement, che viaggia sul filo tagliente della provocazione, va preso esattamente per quello che è, facendosi trasportare dalla forza delle immagini e dalla disinvoltura degli interpreti. Alla sua uscita ha destato un certo clamore per la "scandalosa" scena in cui Asia Argento, durante un numero di spogliarello, bacia (con lingua?) un rottweiler. Non c'è alcun dubbio che la Argento e Ferrara siano anime compatibili e che tra loro l'intesa sia scattata praticamente fin da subito.

Voto:

voto: 3/5

Magnificat (1993) di Pupi Avati

Durante la settimana di Pasqua dell'anno 926 d.C., in una zona non precisata dell'Appenino centrale, si intrecciano le diverse storie di svariati personaggi. Un ricco latifondista che sente arrivare la morte e chiama tutti i figli a raccolta per metterli a conoscenza delle sue ultime volontà. Una concubina che cerca disperatamente di concepire un figlio maschio. Un prete pellegrino che enumera ed annota i nomi dei suoi fratelli deceduti. Due giovani sposini che devono sottomettersi di fronte alla barbara legge dello ius primae noctis. Una bimba costretta dai genitori ad andare in convento per diventare suora. Tutte le sottotrame sono unite da una vicenda che fa da filo conduttore e che vede un boia che viaggia insieme ad un inesperto aiutante, per portare a termine due esecuzioni capitali particolarmente cruente. Questo cupo dramma medievale, scritto e diretto da Pupi Avati, è un film potente ed austero, di forte respiro epico e di sinistra fascinazione simbolica. Una magnifica ricostruzione di un'epoca oscura e ancestrale che dà vita ad un grande affresco magmatico in cui coesistono sacro e profano, efferatezze e superstizioni, ignoranza e crudeltà, violenza e sopraffazione, profezie e fanatismo. Su tutto aleggiano il senso opprimente del peccato imposto da una Chiesa dispotica, la paura della morte e il silenzio di Dio, inteso come assenza di un segno tangibile della sua presenza rassicurante. Per quanto immerso in un pesante senso di misticismo (invero più anelato che raffigurato), il film è intimamente laico e si rivolge al cuore dell'uomo, fragile e solo nella dolorosa realtà della vita, che ha bisogno di un conforto, di una speranza, di uno scopo, di un bene superiore, da cui nasce la tensione religiosa e la ricerca di Dio. Con uno stile sobrio e asciutto che ricorda molto quello di Rossellini (e di Pasolini), Avati realizza un'opera colta e importante, praticamente unica nella sua filmografia, dimostrando ancora una volta che, per quanto generalmente catalogato come maestro delle commedie nostalgiche costruite sul filo della memoria, egli ha raggiunto i suoi risultati migliori al di fuori del genere per cui è maggiormente famoso.

Voto:

voto: 4/5

L'intrepido (2013) di Gianni Amelio

Antonio Pane è un uomo buono, tenace, onesto, decoroso, con una grande forza morale ed una rettitudine innata che gli permette di essere sempre positivo, sorridente, altruista, operoso e dedito al prossimo. Antonio vive a Milano in grande semplicità, non ha un lavoro fisso ma si sveglia ogni mattina facendo il "rimpiazzo", ovvero sostituire temporaneamente gli assenti dal lavoro (da qualsiasi lavoro manuale e pratico) per pochi soldi. E' stato lasciato dalla moglie, che gli ha preferito un uomo più ambizioso e "vincente", ed ha un figlio musicista che gli vuole un gran bene e che lui sostiene assiduamente nelle sue crisi di panico, perchè il figlio non possiede il suo carattere saldo. Dopo diverse peripezie Antonio si trasferisce in Albania, dove continua ad essere sè stesso e vivere la sua vita nell'unica maniera che conosce. Fino a che, un giorno, viene a sapere che suo figlio deve esibirsi in un concerto a Tirana e Antonio si fa trovare lì, al suo posto, per incoraggiarlo. Questa intensa commedia drammatica, scritta e diretta da Gianni Amelio, è un racconto intimistico e positivistico sull'Italia del precariato, schierato apertamente dalla parte dei semplici attraverso il ritratto indimenticabile di un eroe silenzioso. Ma chi è realmente Antonio, il protagonista assoluto di questo film, magistralmente interpretato da un toccante Antonio Albanese? E' un santo? un angelo? un alieno? un folle? un sognatore? o, magari, un super eroe? Una volta si usava dire "buono come il pane". E la scelta del cognome di Antonio non è certamente casuale. Amelio realizza un film spiazzante, di difficile classificazione, ottimista ma non melenso, non moralistico e per nulla banale. Un film d'altri tempi, che guarda al cinema dei nostri padri ed a Vittorio De Sica in particolare (non a caso è stata inserita la scena del furto della bicicletta), al suo cinema umano e umanitario, carico di empatia e di compassione, evocando così la poesia dignitosa degli umili, dei puri di cuore, della gente animata da nobili propositi e da buoni sentimenti. Una razza in via di estinzione. Non a caso la pellicola ha lasciato perplessa la critica, finendo frettolosamente relegata nel mucchio delle opere minori o di ingenuo utopismo. Fa un po' specie pensare che oggi un personaggio come Antonio susciti sospetto, incomprensione, fraintendimento o, addirittura, possa essere oggetto di scherno. Ma ciò rende perfettamente il senso della triste realtà dei tempi in cui viviamo, che hanno visto la scala dei valori morali ribaltarsi al contrario, al netto delle ipocrisie di facciata sbandierate nei discorsi pubblici o dai grandi mezzi di comunicazione. E, forse, era proprio questo che un regista sensibile e intelligente come Gianni Amelio intendeva suscitare. E sottolineare.

 

Voto:

voto: 3,5/5

Uomo d'acqua dolce (1997) di Antonio Albanese

Antonio, mite insegnante elementare, esce di casa per comprare un vasetto di funghi per sua moglie Beatrice, in dolce attesa, ma prende una botta alla testa e perde la memoria. Sparisce senza dare notizie per 5 anni, ma quando l'effetto dell'amnesia gli passa lui torna a casa come se nulla fosse successo. Ma trova tutto cambiato: è nata sua figlia, che lui non ha mai visto, e sua moglie si è messa insieme ad un cantante lirico di nome Goffredo. Dietro le insistenze infantili di Antonio per un po' i tre provano a portare avanti una improbabile convivenza, con Goffredo che cerca in ogni modo di allontanare il redivivo da Beatrice. Stravagante commedia di Antonio Albanese, al suo esordio da regista, che ha anche scritto il film insieme a Vincenzo Cerami. L'eclettico comico lombardo di origini siciliane, forte di una lunga gavetta nel cabaret e poi di fortunate partecipazioni a programmi televisivi di grande successo (come "Mai dire gol"), in cui ha sciorinato tutto il suo estro goliardico attraverso una pittoresca galleria di personaggi strampalati, si decide a fare il grande salto nel mondo del cinema con questo film strano, nato da una sua idea e ispirato al suo personaggio preferito: Epifanio, un ometto timido, di ingenuo candore ma anche profondo nei pensieri, con una mimica facciale buffa ed un linguaggio del corpo goffamente accentuato. E' evidente il tentativo dell'autore di realizzare un film diverso e non convenzionale, dalla comicità surreale e non di facile presa, un ritratto lunare e intimistico di un puro di cuore che ispira dolcezza e fa più sorridere che ridere. Un umorismo introspettivo che confina con la tenerezza e che tende all'esasperazione deformante della realtà narrativa, sconfinando verso un grottesco bonario. Ma il vero problema del film è la sua derivazione da un soggetto troppo minimale, ovvero un personaggio ed una serie di sketch adattati dal cabaret, la cui dilatazione in un film di 90 minuti, non sostenuta da un congruo numero di idee, risulta stancante, noiosa e ripetitiva, un accumulo stiracchiato di cose già viste nella prima mezz'ora della pellicola. Non a caso l'autore ha cercato, maldestramente, di cambiare registro nella parte finale, ma finendo per rinnegare l'impianto concettuale iniziale e scadendo in eccessi di buffoneria slapstick che spingono l'opera verso un territorio più dozzinale e caciarone.

 

Voto:

voto: 2,5/5

La seconda notte di nozze (2005) di Pupi Avati

Bologna, 1947. Lilliana, rimasta vedova e senza un soldo, viene convinta da suo figlio Nino, che si spaccia per avvocato ma è uno scaltro truffatore dall'animo subdolo, a trasferirsi in Puglia dal cognato Giordano, un sempliciotto un po' strambo da sempre innamorato di lei, da tutti etichettato come lo scemo del villaggio, ma che possiede una masseria e una fabbrica di confetti gestita da due vecchie zie. Proprie queste ultime, esperte e col pelo sullo stomaco, da sempre ostili a Lilliana, daranno filo da torcere al piano congegnato da suo figlio Nino. Perfida commedia drammatica di Pupi Avati, da lui scritta e diretta, nella sua tipica ambientazione dell'Italia provinciale del dopoguerra rivisitata sul filo dolce-amaro della memoria, per tracciare un affresco sociale d'epoca meno bonario del solito, ma più incline alla furbizia ed all'inganno tipici di una certa "italietta" meschina che non ha nè età nè precise collocazioni geografiche, ma può essere estesa a tutto lo stivale. Non a caso il regista emiliano inverte il tipico stereotipo, facendo emigrare personaggi del nord verso il sud con lo scopo di fregarli, tratteggia un contesto antropologico di greve squallore morale e illumina, assolvendolo, con la tenerezza tipica del suo cinema il solo Giordano (bene interpretato da Antonio Albanese) che, nella sua "follia" innocua, appare come l'unico realmente puro, sincero e privo di ogni forma di malignità. E' un film più cinico e disincantato rispetto ai tipici toni avatiani, più pessimistico nel disegno dei personaggi e che non sembra farsi troppe illusioni rispetto alla natura umana. Come sempre il cast è diretto con grande perizia, mettendo ciascuno in condizioni di rendere al proprio meglio: oltre al già citato Albanese, che è il migliore, vanno menzionati un viscido Neri Marcorè, l'elegante Katia Ricciarelli (al suo esordio da attrice, salutato con buoni consensi da parte della critica) e Marisa Merlini alla sua ultima apparizione sul grande schermo.

Voto:

voto: 3,5/5

Festa di laurea (1985) di Pupi Avati

Nella provincia romagnola del 1950 il timido fornaio Vanni Porelli riceve l'incarico di organizzare la festa di laurea della figlia della signora Gaia in un fatiscente casale di campagna, poco lontano dal mare. L'impresa è complicata, il lavoro da fare è enorme e la donna rifiuta di versare anche una sola lira di anticipo. Ma Vanni accetta di buon grado, memore di un bacio che Gaia gli diede spontaneamente dieci anni prima, eccitata dalla notizia sentita alla radio dell'entrata in guerra dell'Italia, quando la madre dell'uomo lavorava al servizio della famiglia di lei. Da quel momento il tempo per Vanni si è come fermato, cristallizzato in quel dolce ricordo di un amore platonico, oggettivamente impossibile ma da lui cullato e idealizzato con struggente tenerezza. Vanni dedica tutto sè stesso alla preparazione della festa, per il sentimento che ancora prova per Gaia e con la speranza che, proprio durante quell'evento, possa succedere di nuovo "qualcosa". Ariosa e delicata commedia sentimentale di Pupi Avati, carica di nostalgia e romanticismo d'antan, ma non patetica e meno che mai melensa, anzi illuminata dalla grazia, dalla raffinatezza e da quell'alone dignitoso che era tipico della semplice provincia italiana degli anni del primo dopoguerra. Guardare questo film è come osservare una vecchia fotografia dei nonni, un po' sbiadita ma che tocca il cuore, sussurra qualcosa di amabilmente antico e riporta ai sapori di un mondo in cui tutto sembrava diverso. E migliore. All'insegna di un soave lirismo malinconico Avati ricostruisce le atmosfere d'epoca e lavora di sottile cesello sul confine tra l'illusione e il disincanto, la speranza e l'amarezza, il sentimento e lo sconforto, con il giusto equilibrio di toni. Come in un acquerello della memoria. Molto si deve anche alla bellezza frugale dei paesaggi e alla bravura degli attori (Carlo Delle Piane, Aurore Clément, Lidia Broccolino, Nik Novecento, Dario Parisini) tutti con la faccia giusta per l'occasione. Eccellente anche il contrappunto musicale di Riz Ortolani, premiato per l'occasione con il suo primo David di Donatello.

Voto:

voto: 3,5/5

Una gita scolastica (1983) di Pupi Avati

Laura, anziana signora bolognese, ritrova per caso una vecchia foto dei tempi del terzo liceo che risveglia in lei i ricordi in flashback un po' confusi di una gita scolastica del 1914, con l'estate e la prima guerra mondiale alle porte. La gita di tre giorni, concessa in premio alla sua classe mista e guidata dal timido prof. Balla e dalla bella prof. Stanzani, fu una lunga passeggiata a piedi, attraverso l'Appenino, da Bologna a Firenze. Nella rievocazione dei ricordi, Laura rivive la sua infatuazione non corrisposta per il più bello della classe, conteso da tutte le sue amiche, e il grande amore segreto del prof. Balla, bruttino e impacciato, per la sua avvenente collega, sposata con un uomo infedele e sgarbato. Delicata commedia a base di "amarcord" di Pupi Avati, da lui stesso scritta insieme al fratello Antonio, carica di dolcezza malinconica, sentimentalismo ingenuo d'altri tempi, momenti poetici di intensa suggestione nostalgica ed un tocco lieve di tenero affetto verso tutti i personaggi, raffigurati come cari fantasmi di un'Italia che fu. E' un film lirico tipicamente avatiano, con l'equilibrio dolce amaro proprio del regista, che ama celare il dramma tra le pieghe di una commedia corale dal sapore rievocativo. Bravi ed efficaci gli interpreti, da Carlo Delle Piane a Tiziana Pini, da Cesare Barbetti a Rossana Casale, da Lidia Broccolino a Nik Novecento. Splendide musiche evocative di Riz Ortolani e vasti consensi di critica al Festival di Venezia, a cui partecipò nel concorso ufficiale, vincendo il Premio Pasinetti al migliore attore per Carlo Delle Piane (al suo primo ruolo da protagonista). Il film è un classico nell'itinerario delle commedie dell'autore bolognese, una sintesi perfetta della sua idea di cinema.

Voto:

voto: 3,5/5