mercoledì 2 dicembre 2015

Se sei vivo spara (Se sei vivo spara, 1967) di Giulio Questi

Dei banditi senza scrupoli si uniscono a un gruppo di messicani guidati da un mezzosangue per portare a termine l'assalto a un carro militare con un grosso carico d'oro. A rapina riuscita i delinquenti, capeggiati dal viscido Oax, uccidono tutti i messicani e si tengono il bottino per loro. Ma, giunti nel paese più vicino, troveranno pane per i loro denti in due avidi sgherri locali che gli aizzano contro l'intera popolazione per impossessarsi dell'oro. Intanto il mezzosangue non è morto e, dopo essere stato curato da due pellerossa, ritorna per prendersi ciò che gli spetta. Insolito, famigerato e censurato western gotico d’autore, porta alla massima esasperazione gli stilemi del genere attraverso l’esplicitazione inusitata della violenza, bilanciando però il tutto con atmosfere oniriche ed inserti surreali che virano verso la crudele “favola” archetipa e che saranno poi ripresi da Jodorowsky. Per le truci sequenze splatter cadde sotto gli strali della censura, al punto che ne esistono moltissime versioni, tutte sforbiciate e con titoli diversi, e soltanto nel 2004 è stato possibile recuperarne l’edizione originale integrale di 117’. Ovviamente non è affatto un prodotto per tutti, ma ha i suoi meriti ed è un “unicum” nel panorama dello “spaghetti western”. Tarantino ne ha omaggiato la scena iniziale, con Tomas Milian che esce dalla tomba dove era stato sepolto vivo, nel secondo capitolo di “Kill Bill”. E' un film per patiti del cinema di genere "underground" dai contenuti forti. I mainstreamers stiano pure alla larga.

Voto:
voto: 3,5/5

Faccia a faccia (Faccia a faccia, 1967) di Sergio Sollima

Un mite professore di storia degli stati del Nord arriva nel West per trovare un clima più adatto a curare una malattia polmonare. Preso in ostaggio da una banda di tagliagole l'uomo cerca invano di redimere il capo, lo spietato meticcio Beauregard, con le sue teorie pacifiste. Dopo molti giorni passati con i banditi, assistendo alle loro deprecabili imprese, il professore subisce il fascino del male e viene irretito dalla vita pericolosa e violenta di Beauregard, fino a diventarne una sorta di alter ego ancora peggiore. Solido western psicologico, a mio avviso il suo migliore, del compianto Sergio Sollima, recentemente scomparso. Interamente costruito sull’incontro-scontro tra due personaggi apparentemente agli antipodi, un insegnante e un bandito, trova la sua forza nella notevole interpretazione dei due carismatici protagonisti, Tomas Milian e Gian Maria Volontè, tra cui brilla il secondo per l’abile capacità di rappresentare una trasformazione interiore attraverso una finissima gamma di frasi ed espressioni. Il viaggio introspettivo negli oscuri recessi dell’animo umano diventa lo scenario principale di questo western nero, a cui alcuni, con una certa capziosità, hanno anche voluto attribuire un sottotesto “politico” di sinistra, per l’annosa contrapposizione tra intellettuali e proletari di fronte all’azione violenta.

Voto:
voto: 3,5/5

Africa addio (Africa addio, 1966) di Gualtiero Jacopetti , Franco Prosperi

Con la consueta formula, sospesa tra bieco sensazionalismo e cruda morbosità, Jacopetti e Prosperi confezionano uno dei “mondo movie” più famosi, probabilmente il “migliore” di questo genere, controverso e discutibile, ma di grande successo commerciale negli anni ’60 e ’70. Evidentemente orientato verso un pubblico di nicchia dallo stomaco forte in cerca di "più e più sangue", è un feroce ritratto della nuova Africa, carico di scene atroci (con gli immancabili falsi furbescamente spacciati per veri) ed intriso di una riprovevole nostalgia del colonialismo, fedeli alla formula reazionaria “si stava meglio quando si stava peggio”. Il voyeurismo giornalistico dell’opera, tipico del genere “mondo”, è evidente come il notevole impegno produttivo profuso e l’amore degli autori per il continente nero. Peccato però che si tratti di un’Africa "da cartolina", un mondo atavico e ideale, mitizzato dall’elaborazione nostalgica dei registi. Vale unicamente per il suo significato storico di più degno rappresentante di un genere abietto e generalmente ripugnante, che ha però costituito, pur nella sua palese esecrabilità, un curioso fenomeno di massa assai di moda presso diversi strati (anche insospettabili) della popolazione. Oggi i film "mondo" non ci sono più, nè sarebbe più possibile girarli, ma la matrice morbosa e voyeuristica che allora ne determinò il successo è ancora ben viva e vegeta in larghe schiere di spettatori ipocriti, affamati di turpe sensazionalismo e di spettacolarizzazione del dolore. I tempi cambiano, purtroppo o per fortuna, ma il vecchio motto "più e più sangue" non è mai tramontato. Ha solo cambiato forma.

Voto:
voto: 3/5

Una pistola per Ringo (Una pistola per Ringo, 1965) di Duccio Tessari

Il pistolero Ringo, noto anche come "faccia d'angelo" per i suoi tratti aggraziati, si unisce a una banda di malfattori, dicendo di essere un fuorilegge braccato dallo sceriffo Dan. In realtà Ringo fa il doppio gioco ed è stato mandato proprio dallo sceriffo che lo ha liberato dal carcere in cambio della promessa di fargli catturare la pericolosa banda. Celebre “spaghetti western” di Tessari, che ha dato vita ad uno dei personaggi più noti del filone: l’antieroe Ringo, che rese famoso il nostro Giuliano Gemma, bello, elegante e letale, dalla parte del bene ma solo per interesse personale. La violenza “sporca” e amorale, instillata nel genere dai film di Sergio Leone, viene qui ampiamente mitigata da forti spruzzate d’ironia, in accordo al carattere più bonario del regista genovese. Per quanto sopravvalutato ed un po’ sempliciotto, ebbe un grande successo di pubblico, dando vita al consueto fenomeno degli epigoni “ruffiani”: un patetico elenco di “seguiti”, che poco o niente hanno a che fare con l’originale, che citano il nome di Ringo per attirare il pubblico in sala. Le musiche sono del solito inossidabile Morricone.

Voto:
voto: 3/5

La frusta e il corpo (La frusta e il corpo, 1963) di Mario Bava

In un lugubre castello vive il vecchio conte Menliff con la sua famiglia, tra cui il figlio Cristiano con la giovane moglie Nevenka. Il ritorno del secondo figlio del conte, lo scellerato Kurt, scacciato anni prima dalla famiglia per i suoi comportamenti licenziosi, risveglia in Nevenka inconfessabili turbamenti che credeva sopiti. Molti anni prima Kurt e Nevenka erano amanti e intrattenevano una morbosa relazione sadomasochistica a base di sesso e frustate. Quando il diabolico Kurt viene ucciso da mano ignota, la donna, che ne è ossessionata al punto da detestarlo e desiderarlo nello stesso tempo, continua a sentirne la sinistra presenza in sogni erotici che sembrano veri. Dopo che anche il vecchio patriarca viene assassinato, Nevenka inizia a pensare che il suo aguzzino sia ancora vivo e che stia crudelmente "giocando" con lei come faceva un tempo. Splendido gotico “cromatico” di Bava, purtroppo quasi sconosciuto ai non cinefili, sospeso, come tutto il cinema dell’autore, tra “artigianato” e genialità. Tantissimi i punti di forza: splendide atmosfere, rese memorabili dall’uso espressivo dei colori (una delle ossessioni estetiche del grande regista ligure), uno spudorato coraggio per la tematica sessualmente “scottante”, il sadomasochismo (tra l’altro elegantemente mostrato sempre in soggettiva, utilizzando lo sguardo della vittima/complice), la carismatica presenza scenica del compianto Christopher Lee, che qui ci regala uno dei villain migliori della sua leggendaria galleria. Da riscoprire assolutamente, magari dedicandolo all’orda di ingenui che ritiene che le trasgressioni sessuali sul grande schermo siano “nate” con l’imbarazzante fenomeno recente delle “sfumature di grigio”. Il genio incompreso di Bava (qui accreditato sotto lo pseudonimo John M. Old) tocca, in questa pellicola, uno dei suoi vertici assoluti.

Voto:
voto: 4/5

mercoledì 30 settembre 2015

Mamma Roma (Mamma Roma, 1962) di Pier Paolo Pasolini

Dopo il matrimonio del suo protettore Mamma Roma, una prostituta, abbandona il marciapiede e si riprende suo figlio Ettore, dato in affidamento ad un’altra famiglia, cercando di ricostruire il rapporto con lui. Ma la realtà delle borgate romane è dura e il ragazzo prende ben presto una cattiva strada. Intensa opera seconda di Pasolini, pervasa dalle medesime dolorose tematiche di borgata già viste in “Accattone”, ma che, innervata da un impianto ideologico di matrice classica (l’ossimoro e la sineciosi), ne allarga l’analisi sociale, passando dalla descrizione di un onere individuale ad uno collettivo. Forte del vigoroso verismo delle immagini, scarne e potenti al tempo stesso, e di un’interpretazione magistrale di Anna Magnani, che si conferma la più grande attrice italiana di ogni tempo, è un’accorata parabola sugli umili, che hanno barattato la loro genuina e feroce spontaneità istintuale con il sogno preconfezionato del benessere borghese, corrompendo la sacra fierezza proletaria con le chimere del consumismo, finendone inevitabilmente schiacciati, in accordo all’ideologia dell’autore. Nonostante qualche schematismo, è una nuova sapiente istantanea pasoliniana sulla realtà delle periferie romane, capace di fondere abilmente la recitazione drammatica della Magnani con la spontaneità dei “ragazzi di vita” dell’autore, mettendo in scena un possente dramma esistenziale carico di connotazioni sociali e di rimandi alla tragedia classica. Il “peccato originale” dei due protagonisti, la madre e il figlio, ovvero quello di esser nati nella parte “sbagliata” del mondo, viene surclassato dall’adesione acritica di lei a quei falsi modelli del perbenismo borghese, che non mirano ad una reale emancipazione intellettuale ma solo ad una effimera omologazione verso un modello sociale ostentato. Ancora una volta il grande regista poeta sembra dirci che solo nella morte l’uomo è capace di trovare la sua vera grandezza, il momento supremo di massima esaltazione tragica.

Voto:
voto: 4,5/5

La ciociara (La ciociara, 1960) di Vittorio De Sica

Nell’Italia del 1943, devastata dal secondo conflitto mondiale, la giovane Cesira abbandona Roma, insieme alla figlia adolescente, Rosetta, per sfuggire ai bombardamenti. Il loro viaggio da sfollati attraverso le terre d’origine della Ciociaria diventa quello di una nazione attraverso gli orrori della guerra, la cui coscienza, spezzata ed umiliata, non tornerà mai più quella di prima. Dal romanzo omonimo di Alberto Moravia, De Sica, insieme al fido Zavattini, ha tratto un film denso, complesso, ben modulato tra la rilettura critica della storia ed il romanzo popolare di forte impatto emotivo, pregno di quella verace sensibilità, tipica del regista, da sempre incline al sentimento della gente comune. Pur con qualche incongruenza nel personaggio di Rosetta, il film ha cuore, anima, patos e sa rievocare con forza uno dei periodi più dolorosi della storia italiana, soprattutto grazie all’interpretazione monumentale di Sophia Loren, premiata con l’Oscar per l’occasione, che ci regala una performance intensa, struggente, sfaccettata, nel suo mix tra sensualità, spontaneità e dolore. Attraverso il suo volto riviviamo il tragico iter di un paese, ingannato, deluso e vilipeso, passato nel giro di pochi anni dall’ingenua esaltazione alla rovinosa caduta. De Sica, forte del suo background neorealista, sceglie di limare la vis polemica del romanzo ispiratore, ponendo invece l’accento sull’umanità dei personaggi, sulla semplicità degli umili, mostrandoci gli effetti della guerra attraverso gli occhi delle vittime, piuttosto che con l’uso saccente di diatribe politiche intellettualistiche. Chi ha accusato l’opera di populismo non ne ha saputo cogliere l’essenza appassionata e compassionevole, tipica del grande regista laziale. Da citare anche le belle musiche di Armando Trovajoli e la presenza nel cast di un giovane Jean-Paul Belmondo.

Voto:
voto: 4,5/5

Thelma & Louise (Thelma & Louise, 1991) di Ridley Scott

Thelma e Louise, due donne deluse e non più giovanissime, fuggono dallo squallore del loro quotidiano per imbarcarsi in un viaggio attraverso la grande provincia americana, quella degli spazi sterminati, delle strade polverose e della musica country. Ben presto dovranno fare i conti con la violenza brutale del mondo maschile, la stessa da cui speravano di fuggire, ed il viaggio si trasformerà in una fuga disperata, pericolosa ed irreversibile. Straordinario road movie al femminile di Ridley Scott, inquieto, adrenalinico, intenso ed accorato, proprio come le due formidabili protagoniste, interpretate in modo eccellente da Susan Sarandon e Geena Davis, che bucano lo schermo e toccano il cuore del pubblico nel loro mix di fragilità, vitalità e coraggio. Nonostante l’evidente impostazione a tesi (di matrice femminista), è un vigoroso inno alla libertà che celebra la mitologia del viaggio come ricerca di se stessi e desiderio di affermazione del proprio diritto di esistere e di essere accettati senza discriminazioni di sorta. Trasversale ai generi e pregno di tutta la meraviglia delle grandi pellicole “on the road” americane, ha il piede costantemente premuto sull’acceleratore e trova i suoi punti di massima forza nei duetti tra le due splendide protagoniste, diverse ma complementari, nelle suggestive musiche di Hans Zimmer e nel finale di grande effetto e a suo modo memorabile, che è rimasto nell’immaginario collettivo per la forte carica emozionale. E’ l’ultimo grande film di Ridley Scott che, da questo momento in poi, smarrirà, purtroppo, la grande vena creativa che lo ha reso famoso. Candidato a 6 premi Oscar, vinse solo quello alla sceneggiatura di Callie Khouri.

Voto:
voto: 4/5

Mary Poppins (Mary Poppins, 1964) di Robert Stevenson

La famiglia londinese dei Banks è in fibrillazione per trovare una nuova governante che sappia badare ai due vivaci figlioletti. Dopo una lunga fila di aspiranti non gradite, come evocata da un desiderio sincero espresso ad alta voce dai bambini, arriva dal cielo una ragazza misteriosa che emana un alone naturale di grazia e di gioia al solo passaggio. Questa comunica all'esterrefatto Mr. Banks che intende mettere alla prova l'intera famiglia in una settimana, prima di decidere se accettare il posto. La donna, che dice di chiamarsi Mary Poppins, cambierà le loro vite per sempre facendo diventare ciascuno di loro una persona migliore. Dopodiché andrà via nello stesso inspiegabile modo con cui è arrivata. Grande classico della Walt Disney, per uno dei maggiori successi della major hollywoodiana, entrato nella storia del cinema per il sapiente mix tra musiche, canzoni, attori reali e cartoni animati, con una scintillante Julie Andrews, premiata con l’Oscar e rimasta nel cuore del pubblico di ogni età e di ogni latitudine insieme alle celeberrime canzoni, che sono divenute il marchio di fabbrica del film. Tratto dai romanzi di Pamela Lyndon Travers, è un efficace carrozzone traboccante di buoni sentimenti, la cui inevitabile melassa edificante viene, in parte, riscattata dall’imponente spettacolo visivo che, nonostante le inevitabili ingenuità connotate al genere, vira nella gradevole favola per famiglie, moraleggiante ma divertente. Ma senza le musiche di Richard M. Sherman, Robert B. Sherman e Irwin Kostal e la delicata grazia della Andrews, il film non sarebbe mai divenuto il classico che è oggi. Oggettivamente meriterebbe una mezza stelletta in meno ma gli va riconosciuto un voto in più di stima per il suo indubbio valore storico come fenomeno musicale e di costume. Continua a piacere anche ai bambini di oggi è questo è un indiscutibile segno di merito.

La frase: "Vento dall'est, la nebbia è là, qualcosa di strano fra poco accadrà, troppo difficile capire cos'è, ma penso che un ospite arrivi per me."

Voto:
voto: 3,5/5