Captain Fantastic (Captain Fantastic, 2016) di Matt Ross

La famiglia Cash, sotto la guida intransigente del carismatico Ben (hippie anarchico, naturalista e anticonvenzionale), vive felicemente, per scelta, nei boschi del Nord America, evitando le tentazioni del consumismo, le comodità del progresso tecnologico e le restrizioni ideologiche imposte dai poteri politici o religiosi che tendono alla conformazione spersonalizzante degli individui. Il rude Ben ha deciso di abbandonare gli agi opulenti della civiltà del benessere materiale in nome di una vita sana, libera, selvaggia, all’insegna della natura, della spiritualità, del vigore fisico e della cultura, con cui ha cresciuto i suoi sei figli attraverso l’assidua lettura di grandi classici e la costante ricerca di un dialogo democraticamente costruttivo e libero da ogni tabù. Ma, un giorno, la morte improvvisa della moglie lo costringe a tornare nella così detta società “civile” e a fare i conti con l’astio dei suoceri, ricchi borghesi conservatori, che l’accusano di aver provocato la fine prematura della loro amata figlia. L’immersione imprevista nei comfort, nelle tentazioni e nelle scorciatoie del mondo consumistico farà vacillare l’insieme di certezze che Ben ha così faticosamente costruito per educare i propri figli ad uno stile di vita “diverso”, e il nostro dovrà gioco forza interrogarsi sulla bontà del suo operato e delle sue scelte estreme. Vivace commedia indipendente, diretta da Matt Ross con sfrenata esuberanza visiva, con evidenti ambizioni da apologo antropologico, con suggestioni da road movie utopistico e con riuscite incursioni nel dramma che, seppur tra toni grotteschi, inducono una riflessione problematica e intelligente sul tema centrale dell’opera: l’educazione dei figli. Attraverso il colorito confronto/scontro tra gli ideali dell’eccentrico Ben (che pur nei suo eccessi integralisti obbedisce sempre ad un chiaro codice morale) e il conformismo borghese dei suoceri, l’autore s’interroga sulla più ardua delle domande con cui ogni genitore, prima o poi, si è inevitabilmente dovuto confrontare: quale sia il modo “giusto” per educare i propri figli. Senza indulgere troppo nel facile moralismo e senza la folle pretesa di fornire delle risposte nette, l’autore (che pur simpatizza evidentemente per lo stile di vita naif di Ben e i suoi) sceglie la strada di un ambiguo relativismo, ben rappresentato dal finale non conclusivo. Pur tra qualche eccesso, svariati semplicismi e qualche forzatura ideologica, l’antitesi tra utopia e realismo, così come quella tra la rude libertà di un paradiso selvaggio e la suadente opulenza di un mondo prefabbricato, generano numerosi spunti di irresistibile comicità, ma anche momenti di fine riflessione su dove sta andando la società occidentale. Nel cast svetta un eccellente Viggo Mortensen (attore sempre oculato nelle sue scelte professionali che qui si concede anche una nuova scena di nudo integrale) nei panni dell’autoritario capofamiglia Ben Cash, in bilico sul filo sottile tra la genialità del vate e la follia dell’emarginato.

Voto:

voto: 4/5

Morgan (Morgan, 2016) di Luke Scott

Una misteriosa e potente corporazione che agisce nell’ombra ingaggia la giovane specialista Lee Weathers, donna fredda e dinamica che risolve problemi, per gestire una delicata situazione in un segreto centro di ricerche scientifiche nascosto nei boschi del nord America. Il personale del laboratorio è alle prese con Morgan, un essere di sesso femminile creato artificialmente combinando DNA sintetico con DNA umano, dotato di facoltà straordinarie e improvvisamente divenuto pericoloso dopo la cruenta aggressione a una dottoressa. Il confronto tra Morgan e la Weathers darà il via ad una tragica escalation di avvenimenti che metteranno a dura prova le convinzioni di tutti i membri dello staff scientifico, che hanno fortemente empatizzato con la creatura durante i cinque anni di convivenza promiscua. Interessante esordio di Luke Scott (figlio del celebre Ridley, qui in veste di produttore) con questo cupo thriller fantascientifico che stinge nell’horror, si vela di suggestioni distopiche e ricicla efficacemente il vecchio mito di Frankenstein sulla creazione della vita artificiale e sui diritti del “mostro” di esistere in un mondo in cui è stato catapultato in nome del progresso scientifico. Senza soffermarsi troppo sulle questioni morali e sulle implicazioni filosofiche sottese da temi così delicati, il film possiede il giusto patos ed un’affascinante stile visivo, specialmente nelle sequenze finali ambientate nei selvaggi boschi nordamericani. Il finale a sorpresa, invero non proprio imprevedibile per il pubblico più esperto, conferisce alla vicenda un tono cinicamente beffardo e strizza l’occhio a soluzioni già viste in vecchi film di Scott padre (che ovviamente mi guardo bene dal menzionare per evitare spoiler). Eccellente l’interpretazione di Anya Taylor-Joy, che conferisce all’androgina Morgan una caratterizzazione inquietante sospesa tra innocenza e brutalità, compassione e pericolo. Buone anche le performance del resto del cast, con il sempre bravo Paul Giamatti in una fugace apparizione che è però anche la scena più intensa del film (il confronto tra lo psicologo e la creatura), e Jennifer Jason Leigh, Toby Jones e Michelle Yeoh in ruoli di contorno. Probabilmente il punto debole risiede nella scelta di Kate Mara, che non possiede il carisma adatto per il ruolo della coprotagonista Lee Weathers. Pur nell’ambito di un prodotto di genere fortemente derivativo e ben poco originale, la pellicola si fa apprezzare per il ritmo serrato, l’estetica affascinante, il tono sinistro e l’agilità delle svolte narrative. Va quindi giustamente annoverato come un film sopra la media dei suoi consimili.

Voto:

voto: 3,5/5

Lost River (Lost River, 2014) di Ryan Gosling

In una inquietante cittadina della provincia americana, l’ancora piacente Billie, madre single di due figli e perennemente in bolletta, cerca di salvare la sua fatiscente casa da un atto di espropriazione della banca locale. Nel tentativo di migliorare il budget familiare la tenace donna accetta di lavorare in un oscuro club per feticisti, dove si consumano macabri spettacoli (di finzione) all’insegna di sangue e sesso. Intanto il suo figlio maggiore, Bones, s’invaghisce della dolce vicina, Rat, si mette contro una banda di pericolosi bulli che terrorizzano le strade e scopre l’esistenza di una misteriosa città sommersa. L’esordio alla regia del divo Ryan Gosling è un thriller fantastico dai toni surreali che omaggia, per ammissione esplicita del regista, tanto cinema d’autore americano e non, pescando a piene mani dalle atmosfere evocate da opere di autori di culto quali David Lynch, Terrence Malick, Nicolas Winding Refn e persino il nostro Mario Bava (per l’uso espressivo dei colori cromaticamente saturati), omaggiato già dalla presenza nel cast della sua vecchia “musa” Barbara Steele. Con molta ambizione e non poco coraggio Gosling si discosta dai percorsi mainstream con cui la sua carriera d’attore è solitamente accostata ed imbocca la via impervia del cinema di genere d’autore, infarcendolo di suggestioni oscure, di un certo narcisismo di maniera e di tutte le sue presunte passioni cinefile all’insegna di un pretenzioso maledettismo al neon non privo di fascino (per l’indubbia potenza visiva della messa in scena), ma carente della necessaria personalità artistica per potersi reggere saldamente sulle proprie gambe. Poco originale nello stile derivativo e a tratti confuso nell’accumulo di influenze, l’opera merita comunque un’ampia sufficienza per l’audacia delle ispirazioni, le atmosfere decadenti da incubo urbano post apocalittico ed alcune sequenze di notevole impatto visivo, come quella notturna sul fiume o gli interni infernali del club sadomaso. Il giudizio su Gosling regista è quindi rimandato ad un suo eventuale futuro progetto meno imitativo e più originale. Nel cast segnaliamo: Christina Hendricks, Saoirse Ronan, Iain De Caestecker, Eva Mendes (compagna del regista) e la regina dell’horror gotico italiano degli anni ’60, Barbara Steele.

Voto:

voto: 3/5

Animali notturni (Nocturnal Animals, 2016) di Tom Ford

Susan è una gallerista di successo, ricca, elegante, impeccabile nella facciata ma afflitta dai rimorsi e dai turbamenti di una vita privata fallimentare. Un giorno riceve per posta il manoscritto del nuovo romanzo, intitolato “Animali notturni”, dell’ex marito Edward, da lei cinicamente lasciato molti anni prima per il più avvenente e vincente Hutton, con cui adesso è infelicemente sposata. La donna si immerge nella lettura del libro, a lei dedicato, e viene travolta da una tempesta di ricordi e di emozioni provocate dall’atroce vicenda in esso raccontata. Cupo dramma borghese narrato con glaciale eleganza e feroce potenza dallo stilista regista Tom Ford, alla sua seconda esperienza da director, dopo l’acclamato A single man del 2009. L’autore texano torna brillantemente a parlarci di amori difficili e di quella upper class vittima della propria rapace perfidia, che cerca di celare abissi di disperazione esistenziale sotto una coltre di buone maniere e rituali mondani. Sontuoso nella messa in scena e teso nei sottotesti oscuri, questo affascinante thriller coniugale ha la sua forza nella struttura a due livelli: la vicenda reale dalla fotografia patinata, che ci mostra la vita della protagonista con continui salti tra passato e presente, e quella del romanzo di Edward, fotografata con “sporca” ruvidezza, che innesca un sottile gioco metaforico a scatole cinesi che turba e avvince lo spettatore per l’intera durata della pellicola. Il continuo balzare dall’uno all’altro piano narrativo enfatizza il patos attraverso le enormi differenze stilistiche tra i due segmenti: all’algida raffinatezza spartana dei design della casa di  Susan si contrappone la rude violenza della polverosa provincia texana. Segmenti che però condividono la medesima tensione tragica, in un caso introspettiva e nell’altro esplicita. Riconfermando l’originalità del suo sguardo, Ford riesce a stilizzare l’anima violenta e selvaggia dell’amore, un sentimento  tanto profondo quanto crudele che influenza e determina le umane sorti, spesso con infauste conseguenze. L’utilizzo della letteratura come specchio tragico dei propri fallimenti non è ovviamente nuovo sul grande schermo, ma l’autore riesce a conferirgli una nuova linfa drammaturgica, grazie anche alle ottime interpretazioni di un cast ispirato in cui, tra i protagonisti Amy Adams e Jake Gyllenhaal (in un doppio ruolo), svetta il rude detective texano del sempre bravissimo Michael Shannon. Il film ha vinto il Gran Premio della Giuria al Festival del Cinema di Venezia del 2016, dove è stato presentato in anteprima.

Voto:

voto: 4/5

Knight of Cups (Knight of Cups, 2015) di Terrence Malick

Rick è uno sceneggiatore di Hollywood, donnaiolo incallito, con un padre anziano, un fratello turbolento da tenere a freno e un vecchio dramma familiare alle spalle. Egli trascorre le sue giornate nell’indolenza, tra feste mondane, ville da sogno, eleganti piscine, donne bellissime e le strade di Los Angeles, brulicanti di umanità. Ma dai suoi occhi traspare un intenso disagio esistenziale, un tedio profondo che lo attanaglia, lo intorpidisce e lo fa vagare come un sonnambulo inebetito, perso nella sua opulenta quotidianità, alla disperata ricerca di un senso autentico. Obbedendo alla sua natura di avventuriero romantico dalla sensibilità artistica, Rick vaga inquieto nel mondo per trovare se stesso. “C'era una volta un giovane principe che il padre, il re d'Oriente, inviò in Egitto a cercare una perla. Ma, quando il principe arrivò, la gente gli porse una tazza. Una volta bevuto, si dimenticò di essere il figlio del re, dimenticò anche la perla e cadde in un sonno profondo”. Si apre con questa premessa fiabesca l’opus n. 7 di Terrence Malick e suo penultimo film, dato che il successivo documentario “Voyage of Time: Life's Journey” è rimasto ancora inedito nel nostro paese. Una premessa carica di risvolti allegorici che già contiene il senso intimo di quest’opera errante e meditabonda, un viaggio interiore di possente fascino spirituale che insegue quel barlume di mistico presente in ciascuno di noi. Il titolo è ispirato all’omonima carta dei tarocchi, il cavaliere di coppe (da non confondere con il fante!), che rappresenta la fantasia, l’amore e l’avventura, ma anche l’insicurezza e la vulnerabilità se girata al contrario. E il film intero è a sua volta suddiviso in  otto capitoli (più un prologo) recanti i nomi di carte dei tarocchi: la Luna, l'Appeso, l'Eremita, il Giudizio, la Torre, la Papessa, la Morte, la Felicità. Ciascuno dei segmenti è a suo modo unitario, una sorta di piccolo surrogato del film stesso: in pratica ciascuna delle parti già contiene il tutto e la loro somma crea un corpo unico, che le compenetra e ne replica la semantica, pur rispettandone l'unità narrativa indipendente. Esiste un contrasto intimo e profondo alla base del cinema di Terrence Malick: il contrasto tra la fulgida bellezza delle immagini, la sontuosa impaginazione estetica che guarda al poetico, e quell’evidente malessere di fondo, silente ma struggente, che traspare dai contenuti, pacatamente narrati attraverso la dilatazione dei tempi, la ciclicità degli eventi, le ellissi contemplative, i lunghi silenzi e la voce fuori campo, che fa da metronomo al libero flusso di pensieri. Uno stream of consciousness che rompe gli schemi rigidi della narrazione tradizionale, in favore di una maggiore densità concettuale e di un’astrazione forse manieristica ma anche doverosa nel perseguimento ascetico del sublime, del meraviglioso, del mistico che è, da sempre, l’obiettivo principale del grande regista americano. Fedele (e quasi “prigioniero”) della sua estetica “tirannica” e radicale, che nel tempo gli ha fatto ben meritare lo status di autore di culto, Malick non si smentisce in questo suo nuovo lavoro, che si muove sulla medesima scia dei due precedenti (The Tree of Life e To the wonder), pur mantenendo una propria salda autonomia artistica ed una propria originale personalità. Come al solito il cast è stellare (Christian Bale, Cate Blanchett, Natalie Portman, Antonio Banderas, Wes Bentley, Isabel Lucas, Teresa Palmer, Freida Pinto, Armin Mueller-Stahl) e totalmente “in balia” del geniale regista dell’Illinois, sempre più demiurgo di un’idea di cinema alta, elitaria, coerente e profonda, lontana anni luce dalle regole di quello showbiz hollywoodiano, che qui viene amaramente deriso nella sua vana protervia edificata sul futile materialismo e sull’ossessione dell’apparire. E, come sempre, la confezione tecnica è di altissimo livello, incorniciata dalla sontuosa fotografia di Emmanuel Lubezki e dalle affascinanti musiche di Hanan Townshend. E, ancora una volta, se ci si abbandona e si è (ben) disposti a perdersi nel flusso di suggestioni evocative e di allegorie ieratiche malickiane, il risultato sarà un’esperienza indimenticabile. Una nuova odissea spirituale dell’uomo e nell’uomo, perché il piacere del viaggio conta sempre più della meta.

Voto:

voto: 4,5/5

Viva la libertà (Viva la libertà, 2013) di Roberto Andò

Enrico Olivieri, segretario del principale partito d’opposizione, colto da profonda crisi esistenziale, decide di lasciare tutto e fuggire in Francia da una sua vecchia amante. La sua improvvisa assenza, in un momento cruciale della storia politica del paese, provoca imbarazzo e caos nelle alte sfere del partito, che faticano a tenere a bada l’opinione pubblica inventando fantomatici motivi di salute per tener nascosto il fattaccio. Andrea Bottini, solerte braccio destro di Olivieri, pensa allora di rivolgersi a Giovanni, gemello del politico e docente di filosofia con seri problemi psichiatrici di bipolarismo, affinché prenda il posto del fratello nel periodo della sua assenza. Il bizzarro Giovanni, tra colpi di teatro e disarmante sincerità, riporta incredibilmente in auge il gradimento del partito d’opposizione. Vibrante dramma politico di Roberto Andò, tratto dal romanzo “Il trono vuoto”, scritto da lui stesso e diretto con tono lieve, alternando acuta ironia e lucidità di sguardo. Sulla scia di quel grande cinema politico che fu di Elio Petri, eternamente sospeso tra rigore di denuncia e visionarietà surreale, questo solido film dell’intellettuale Andò si rivela come uno tra i più interessanti prodotti cinematografici italiani degli ultimi anni, capace di coniugare densità tematica, forza critica, garbato favolismo e grottesco sarcasmo. Nonostante la storia semplice e l’assunto kafkiano (che cavalca temi classici ampiamente abusati come lo scambio di persona e la doppia identità), l’opera nasconde una complessità ben più stratificata, in bilico su quel filo sottile che separa il comico dal tragico. Una complessità che denunzia il fallimento di una classe dirigente ingessata nella sua mediocrità e che auspica il ritrovamento di un linguaggio (politico) semplice, viscerale, euforico, che sappia parlare al cuore della gente e possa rimettere ciascuno di fronte al proprio senso di responsabilità. Tra la saggia follia dell’improbabile segretario e l’ottusa razionalità dei mestieranti politici, il film ci regala una briosa boccata d’aria che soffia imperiosa tra le polveri delle stanze del potere e ci delizia con un potente finale ambiguo e con almeno una sequenza memorabile: il ballo a sorpresa tra Giovanni e la leader del governo tedesco, che strizza evidentemente l’occhio ad Angela Merkel. Nel cast svetta uno straordinario Toni Servillo, nel doppio ruolo di Enrico/Giovanni, che si conferma il miglior attore italiano contemporaneo e il più degno erede del compianto Gian Maria Volonté. Accanto a lui Valerio Mastandrea, Valeria Bruni Tedeschi, Michela Cescon e Anna Bonaiuto garantiscono interpretazioni di buona tenuta. Da segnalare l’apparizione, in un filmato d’epoca, di Federico Fellini che denuncia aspramente gli abomini della censura e degli spot pubblicitari che mortificano l’arte cinematografica durante i passaggi televisivi dei film.

Voto:

voto: 4/5

L'ultima eclissi (Dolores Claiborne, 1995) di Taylor Hackford

Dolores Claiborne è una cameriera di mezza età che vive sulla piccola isola di Little Tall (Maine) e lavora per la vecchia signora Donovan, ricca e pedante. Quando la sua padrona muore per una caduta dalle scale, Dolores viene accusata d’omicidio da un detective pignolo che non ha mai digerito la sua assoluzione da un vecchio caso giudiziario, in cui la donna fu assolta per la tragica morte del marito, violento e alcolizzato. In difesa di Dolores accorre la figlia Selena, che ha con lei un rapporto tormentato e che non fa ritorno all’isola natia da molti anni. La vicinanza tra le due donne farà riemergere dolorosi ricordi di un oscuro passato da cui Selena ha invano tentato di fuggire. Dal romanzo “Dolores Claiborne” di Stephen King, Hackford ha tratto un potente thriller al femminile strutturato a flashback, di sontuosa impaginazione estetica e di sapiente tensione drammatica. La struttura a due livelli, tra presente e passato, crea un suggestivo impasto di eventi (fotografati con diverso tono cromatico) che si fondono con sinuosa efficacia sovrapponendo il giallo dagli echi hitchcockiani allo struggente rapporto tra una madre ostica e una figlia ribelle, che costituisce il cuore intimo del film. Grazie a due attrici straordinarie (Kathy Bates e Jennifer Jason Leigh) che si mettono totalmente al servizio della cupa vicenda, la pellicola ha ritmo, forza emotiva e intensità tragica nel suo continuo gioco di salti temporali che trovano pieno (e non imprevedibile) compimento espressivo nella serie di rivelazioni finali. Splendide le lacustri atmosfere autunnali del Maine ricreate grazie agli scenari naturali della Nuova Scozia. In questo thriller familiare, avvolgente e sottile, la Bates si conferma interprete ideale per i personaggi creati dalla penna di Stephen King. Passato quasi in sordina nel nostro paese, e con un titolo che ne banalizza l’alta densità drammatica, è un film che merita il recupero, specialmente da parte degli appassionati dei gialli a sfondo psicologico. Va indubbiamente annoverato tra i migliori adattamenti di King fatti per il grande schermo.

Voto:

voto: 4/5

The Zero Theorem - Tutto è vanità (The Zero Theorem, 2013) di Terry Gilliam

In un futuro imprecisato la società è controllata da potenti corporazioni informatiche che consentono la costante connessione dei cittadini ai sistemi digitali, in cui operano intelligenze artificiali e potenti software capaci di garantire evasioni virtuali. Sotto il controllo dell’enigmatico direttore noto come Management, opera il bizzarro Qohen, genio informatico alienato e solitario che abita in una chiesa abbandonata, parla sempre con il plurale maiestatis e vive recluso nell’attesa di una fantomatica telefonata che dovrebbe svelargli il senso della vita. Quando gli viene affidata la risoluzione di un algoritmo impossibile, il così detto “Zero Theorem”, che dovrebbe far luce sul fine ultimo dell’esistenza, il nostro cade in uno stato di profonda angoscia, tra incubi popolati da buchi neri e sedute di psicanalisi on-line con una dottoressa digitale. L’incontro con la sensuale Bainsley, giovane donna che sembra attratta da lui, e con il nerd Bob, figlio prodigio del sinistro Management, porterà Qohen ad esplorare sconosciuti recessi della sua anima. Ritorno in grande stile di Terry Gilliam alla fantascienza distopica, già esplorata con ottimi risultati in Brazil (1985) e L’esercito delle 12 scimmie (1995), con questo visionario dramma antropologico che, sotto la patina sci-fi, cela il suo vero volto di paradossale parabola sulla solitudine umana nell’era della tecnologia virtuale. Diretto con sagace frenesia dall’autore del Minnesota, il film si avvale di una vivida fotografia dai colori elettrici e di stranianti atmosfere ipnotiche che mescolano abilmente futuribile e rétro, attraverso l’accostamento (tipico nel cinema di Gilliam) di oggetti hi-tech con elementi anacronistici, inducendo suggestioni a metà strada tra sogno e profezia. Tra deformazioni grottesche e riflessioni filosofiche non esattamente originali, Gilliam si muove abilmente con un’estetica posta a metà strada tra Blade Runner e Brazil, fieramente nostalgica delle atmosfere degli anni ’80, e ci consegna l’ennesima brillante riflessione sulla fobia e sull’emarginazione dell’uomo in lotta per il riconoscimento del proprio individualismo di fronte alla spersonalizzazione imposta dal potere totalitario, che ricerca l’omologazione per preservare il proprio status quo. Brillante nella forma ma cupo e rassegnato nelle conclusioni, questo nuovo incubo paranoide targato Gilliam ci regala immagini potenti e bellissime, pur non indenni dai manierismi barocchi tipici dell’autore, e pone l’accento sulla ricerca, eroica e disperata, di un proprio percorso individuale, anche a costo di abbandonare ideali di fede e utopie amorose. Ottimo il cast, con Christoph Waltz esemplare nel ruolo dell’istrionico protagonista, Mélanie Thierry, David Thewlis, Lucas Hedges e due star come Matt Damon e Tilda Swinton, che si ritagliano apparizioni piccole ma incisive nei ruoli del direttore Management e della psicologa virtuale.

Voto:

voto: 4/5

Sacro GRA (Sacro GRA, 2013) di Gianfranco Rosi

Il Grande Raccordo Anulare (GRA) è un’autostrada tangenziale che circonda Roma con un tracciato circolare a doppio senso di marcia tramite due carreggiate separate a tre corsie. Con i suoi 68 chilometri è l’autostrada locale più lunga d’Italia ed è anche la più trafficata con un volume di quasi 60 milioni di veicoli all’anno. Croce e delizia degli abitanti di Roma, il raccordo è ormai parte integrante della vita e del costume della nostra capitale, un anello d’asfalto che, idealmente e simbolicamente, segna il confine tra la città eterna e le sue periferie più estreme, popolate da un’umanità ai margini, antropologicamente distante dai canoni metropolitani. Il regista Gianfranco Rosi ha attraversato il raccordo in camper, esplorandone i luoghi limitrofi, per circa due anni, alla ricerca di personaggi particolari e di storie degne di essere raccontate in questo documentario anomalo che rappresenta un viaggio “on the road” in una terra di nessuno, per gettare uno sguardo in quell’umanità “sotterranea” puntualmente ignorata dall’occhio frettoloso degli automobilisti che sfrecciano veloci sull’asfalto del GRA. Ci vengono quindi presentate, senza soluzione di continuità, diverse storie vere di personaggi reali che “interpretano” loro stessi, in un colorito e paradossale collage eterogeneo di esistenze (molte delle quali al limite), il cui involontario collante è il raccordo anulare evocato dal geniale titolo, autentico protagonista del film, ovvero quella sorta di eccentricità stradale che, pur non conducendo da nessuna parte, collega ogni luogo di Roma grazie alle sue uscite. Assistiamo quindi a numerose vicende, tra cui ricordiamo: un botanico che cerca di salvare, con commovente meticolosità, le sue palme dal micidiale parassita detto punteruolo rosso, un barelliere che passa le notti in ambulanza per soccorrere le vittime di incidenti e che intrattiene un tenero rapporto con la vecchia madre malata, uno stravagante principe che vive in un lussuoso palazzo in zona Boccea, che spesso affitta come B&B o come set per cinema e fotoromanzi, un vecchio nobile piemontese dall’eloquio aulico che convive con la figlia studentessa in uno squallido monolocale di periferia, un pescatore di anguille che abita in una baracca sul Tevere sotto un viadotto del GRA insieme alla compagna ucraina. E ancora: un sedicente attore di fotoromanzi, ormai sfiorito ma sempre in cerca della fama, due anziane prostitute che esercitano il “mestiere” in uno squallido camper, un gruppo di donne fedeli che sembrano assistere a un’apparizione mistica, due avvenenti cubiste che si esibiscono sul bancone di un bar e la riesumazione di vecchie salme destinate ad una fossa comune nei pressi del raccordo. Con il suo sguardo lucido, radicale, attento e rispettoso dell’elemento umano, Rosi, secondo il suo stile tipico, parte dai luoghi per raccontarci l’uomo, attraverso una rapsodia armonica di vicende “border line” che evocano, al tempo stesso, decadenza sociale, vitalità esuberante, crudo realismo, densità tematica, trasfigurazione mitologica, allegorie universali. Con il suo stile ostico e rigoroso, ma indubbiamente unico, l’autore sposta un po’ più in alto l’asticella qualitativa del documentario, ridefinendone i canoni con un’estetica assai prossima al cinema, attraverso una non convenzionale linea di confine che, proprio come il raccordo anulare, avvolge, attraversa e scavalca contraddizioni, paradossi e dissonanze, forse evocando, senza alcun catastrofismo, la distruzione silenziosa e imminente del nostro modello sociale. Proprio come una pianta/anima tragicamente corrosa dall’interno da un’orda spietata di voraci parassiti. Il film è stato premiato, non senza polemiche, con il Leone d’Oro al Festival di Venezia dalla giuria presieduta da Bernardo Bertolucci.

Voto:

voto: 4/5