Il giardino dei Finzi Contini (Il giardino dei Finzi Contini, 1970) di Vittorio De Sica

Nella Ferrara degli anni ’30 vivono i Finzi Contini, un’antica e nobile famiglia di ebrei aristocratici, i cui splendidi rampolli, Micol e Alberto, trascorrono le giornate tra partite a tennis, agi, spensieratezze e pruriti amorosi nello splendido giardino della loro grande villa. Insieme a loro c’è la bella gioventù della borghesia ferrarese, tra cui Giorgio, da sempre innamorato della bella Micol, e il comunista milanese Giampiero, che ha con lei una tresca segreta. Ma su tutti loro incombe l’ombra dell’antisemitismo nazifascista, delle leggi razziali ormai in atto e della guerra che presto sconvolgerà il mondo. Tratto dal romanzo omonimo di Giorgio Bassani, è l’ultimo film importante di Vittorio De Sica, premiato con l’Oscar al miglior film straniero (il quarto per il grande regista laziale). De Sica, inizialmente preoccupato per la separazione professionale dal fedele sceneggiatore Zavattini (che qui venne sostituito da Ugo Pirro), apportò diversi cambiamenti rispetto al testo ispiratore e ciò provocò lo sdegno di Bassani che chiese di essere cancellato dai crediti della pellicola. Le principali modifiche riguardano il personaggio di Giorgio (che nel film rimpiazza l’io narrante del libro, visto che la vicenda è narrata dal suo punto di vista), la relazione tra Micol e Giampiero (che nel romanzo non viene mai palesata) ed il finale (che fu il motivo principale della controversia tra scrittore e regista). La messa in scena è ovattata e crepuscolare, la ricostruzione storica è un po’ debole e la pellicola indulge spesso nel kitsch o nel sentimentale, con punte didascaliche nella descrizione dei rapporti tra i personaggi. Ma l’opera, che riscosse un grande successo internazionale, ha anche i suoi indubbi meriti, soprattutto nella felice scelta di non mostrare mai chiaramente l’Olocausto, i nazisti, le deportazioni e tutti quegli elementi visivi che inconsciamente associamo ai film di questo tipo, pur facendocene avvertire costantemente la minacciosa incombenza. E’ altresì encomiabile la perfetta rievocazione di quel clima di indolente passività in cui versava l’alta borghesia ebraica dell’Italia settentrionale, profondamente legata alle idee liberali del periodo prefascista ed ingenuamente incredula rispetto alla possibilità di una persecuzione ai suoi danni. I giovani protagonisti appaiono come creature angelicate, fragili, viziate, quasi stolte nel loro inebetito candore, rispetto a ciò che stava accadendo al di là del muro di cinta del loro giardino incantato. In questo film di illusioni, di separazioni e di sogni infranti, l’irruzione della Storia, in tutto il suo traumatico realismo, nell’Eden dove i protagonisti hanno cullato la loro vanità giovanile, avrà la forza di un castigo assoluto, di un contrappasso tragico, dopo il quale niente sarà più come prima. Nel ricco cast che vede la presenza di Lino Capolicchio, Helmut Berger, Fabio Testi e Romolo Valli, spicca la francese Dominique Sanda, bella e brava, nel ruolo centrale di Micol. Lo stupendo giardino che si vede nel film è in realtà Villa Ada, a Roma.

Voto:

voto: 3,5/5

Un maledetto imbroglio (Un maledetto imbroglio, 1959) di Pietro Germi

Il commissario Ingravallo della squadra mobile romana indaga su due casi che sembrano collegati: un furto e un omicidio avvenuti in appartamenti diversi del medesimo palazzo. Il furbo inquirente saprà risolvere il caso grazie al suo acume, sempre accompagnato da una profonda carica umana. Solido e libero adattamento, che denota la forte personalità dell’autore nella coraggiosa ricerca di una propria via personale, del romanzo “Quer pasticciaccio brutto de via Merulana” di Carlo Emilio Gadda. E’ un giallo straordinario, una delle vette del noir italiano, contaminato da una vena ironica spietata e dissacrante, che già anticipa la distorsione satirica con cui il regista dipingerà la borghesia italiana nei lavori successivi e contiene molte caratteristiche della grande Commedia all’italiana, ormai pronta ad esplodere. Tra queste citiamo: la corrosiva satira di costume, la spietata critica degli aspetti più deteriori di una società ancora in bilico tra arcaici retaggi del passato e una modernità tutta da metabolizzare e la connotazione feroce dei personaggi, resi emblemi dei vizi nazionali. L’ardita rilettura artistica operata da Germi rispetto al romanzo ispiratore consiste, essenzialmente, nella semplificazione stilistica (l’eliminazione degli intellettualismi filosofici e delle complessità linguistiche in favore di un affresco popolare molto realistico e verace), nel disegno del personaggio del commissario (qui reso in modo più umano: un detective, un po’ cinico e un po’ romantico, disgustato, come il regista, dal perbenismo borghese), nella messa in scena grottesca della Roma popolana e “burina” (verso cui l’autore evidenzia la scusante dell’ignoranza) e, soprattutto, nella scelta di fornire alla storia una conclusione certa e verosimile (rispetto all’ambiguo non-finale del libro di Gadda, che è più un delirio surreale che un autentico giallo). Eppure lo spirito alla base del testo letterario viene rispettato nel mantenimento della sua composita connotazione antropologica, che nel libro è espressa dal continuo intreccio di idiomi diversi (i vari dialetti del centro sud fino ad un italiano aulico e forbito), mentre nel film viene garantita dalla diversa umanità che viene passata in rassegna dallo sguardo acuto del poliziotto. Quasi tutti i variegati personaggi vengono caratterizzati con arguto spessore, rendendo ciascuno di essi un simbolo vivente di un vizio nazionale. La gestione del doppio registro (comico e poliziesco) è perfettamente equilibrata ed il film appare sempre saldamente nelle mani del regista, qui anche in veste di attore protagonista con un’intensa caratterizzazione del commissario Ingravallo. Gli altri membri del cast, tutti molto bravi, sono Franco Fabrizi, Claudio Gora, Eleonora Rossi Drago, Nino Castelnuovo e una giovanissima Claudia Cardinale. Da ricordare anche la canzone “Sinnò me moro”, scritta da Rustichelli e dallo stesso regista (e cantata da Alida Chelli), che riscosse un buon successo popolare.

Voto:

voto: 4/5

Il gioco di Ripley (Ripley's Game, 2002) di Liliana Cavani

Il subdolo avventuriero Tom Ripley, raffinato trafficante di opere d’arte e losco manipolatore amorale, conduce una vita lussuosa in una villa del Veneto insieme alla sua riservata amante. Per accontentare un suo socio decide di plagiare l’onesto corniciaio Jonathan Trevanny, malato terminale di leucemia, per convincerlo a commettere un omicidio a pagamento. Sarà l’inizio di una spirale di violenza senza fine. Ritorno al cinema della Cavani, dopo quasi dieci anni di assenza, con quello che è anche, al momento, il suo ultimo opus per il grande schermo. Tratto dal romanzo omonimo di Patricia Highsmith (uscito in Italia col titolo “L’amico americano”), che fu già adattato per il cinema da Wim Wenders nel 1977, ha per protagonista lo sgradevole Tom Ripley, personaggio letterario creato dalla Highsmith, presente in cinque suoi romanzi e portato sul grande schermo per la quarta volta (dopo Clément, Wenders e Minghella). E’ indubbiamente un film minore nella filmografia della regista emiliana, un lavoro su commissione fatto con il pilota automatico, girato con estetica “televisiva” e del tutto privo dello stile tipico dell’autrice. Si avvale di una buona prima parte in cui è apprezzabile il tentativo di fornire una caratterizzazione originale del personaggio di Ripley, molto distante dalle precedenti istanze viste al cinema. E’ soprattutto grazie all’istrionica interpretazione del mimetico John Malkovich, che conferisce al protagonista un diabolico carisma da esteta del crimine, che il film si regge in piedi nella prima ora, per poi sfaldarsi clamorosamente in una serie di situazioni assurde, alcune delle quali sfiorano il ridicolo involontario. L’anima nera del film, ovvero l’ambiguo rapporto tra Ripley e la sua vittima (il corniciaio), che avrebbe dovuto fornire lo spunto per una riflessione sul fascino torbido del male, viene affrontato in maniera superficiale, con lampi ironici che lasciano perplessi. La Cavani sembra aver perso il suo tocco magico e, dopo questo film “stanco”, ha preferito dedicarsi alla televisione.

Voto:

voto: 2,5/5

I cannibali (I cannibali, 1970) di Liliana Cavani

Le strade di una grande città (Milano) sono piene di cadaveri. Sono i corpi di giovani ribelli caduti durante gli scontri con il braccio armato del vigente regime totalitario, che ne impedisce persino il seppellimento affinché fungano da macabro monito per eventuali dissidenti. La gente cammina indifferente attraverso le salme riverse sull’asfalto in uno scenario da incubo urbano. L’unica che si oppone è la giovane borghese Antigone, che intende concedere una giusta sepoltura al fratello, contro il parere dei familiari. Le darà aiuto Tiresia, uno straniero che parla una lingua ignota e che disegna sui muri della città. La loro ribellione sarà duramente punita ma farà da esempio per gli altri. Cruda distopia onirica della Cavani, che trae ispirazione dall’Antigone di Sofocle trasponendolo idealmente (pur nella sua evidente mitizzazione astorica) nel clima politico del suo tempo, la Milano del così detto “autunno caldo”, scossa dagli scontri di piazza, dalle contestazioni sociali, dalle rivolte giovanili, dagli estremismi politici, dalla lotta eversiva e da quel clima da guerra civile che poi porterà ai sanguinosi “anni di piombo”. La matrice colta conferisce all’opera un affascinante alone mitico, denso di simboli archetipi che assumono un significato universale: la ribellione contro ogni forma di dittatura in nome della libertà individuale. La messa in scena è agghiacciante nella sua visionaria brutalità: sarà difficile dimenticare la panoramica delle strade deserte di Milano cosparse di cadaveri. Immagini forti per suscitare emozioni forti, in un clima sociale esagitato in cui molti auspicavano un ritorno alla destra estrema per fronteggiare la minaccia terroristica. Più che un film politico è un film passionale, anarchico, indignato, qua e là ridondante nel suo manicheismo “a tesi”, ma anche ricolmo di pietosa umanità nei confronti delle vittime. Questa allegoria della contestazione estremizza, brechtianamente, il contrasto tra l’individuo e lo Stato, tra la morale e la legge, tra pubblico e privato, sottolineando l’impossibile comunicazione tra i due emisferi divergenti. Per quanto la distorsione onirica attuata dall’autrice collochi la vicenda in una dimensione priva di precisi riferimenti storici e temporali, le analogie con la situazione italiana di quegli anni sono evidenti, al punto che molti hanno parlato di “mitologia realistica”, di un paradigma sociopolitico che, pur svolgendosi fuori dalla storia, la compenetra attraverso i suoi emblemi pregnanti. I cannibali a cui allude il titolo sono i giovani che si ribellano ai dogmi precostituiti e che ambiscono a riconquistare la vera natura dell’uomo, quella purezza primitiva e sentimentalmente istintiva che è stata cancellata da anni di norme repressive. Questo spirito fortemente utopistico, figlio degli ideali sessantottini, contrasta fortemente con la tragica crudezza delle immagini e con il finale amaro. Ed è grazie a questo stridente dissidio che la regista intende scuotere le coscienze degli spettatori per abbattere il muro dell’indifferenza collettiva, alimentando il disgusto verso gli atteggiamenti dispotici. Nel cast segnaliamo Tomas Milian, Pierre Clémenti, Britt Ekland, Francesco Leonetti e molti hanno spesso parlato di una comparsata, mai accreditata, dell’anarchico Pietro Valpreda, che sarà poi coinvolto nelle indagini per la strage di piazza Fontana. Suggestive e stranianti le musiche di Ennio Morricone.

Voto:

voto: 4/5

Sydney (Sydney, 1996) di Paul Thomas Anderson

Sydney è un vecchio giocatore d’azzardo che prende sotto la sua ala protettrice il giovane John, conosciuto per caso in una tavola calda e con evidenti problemi d’indigenza. Sydney lo porta con sé a Las Vegas e gli insegna i trucchi del mestiere. John impara in fretta e, nel giro di due anni, diventa un vero professionista dell’azzardo, capace di campare grazie ai tavoli da gioco. Nel rapporto tra i due uomini si inseriscono un imbroglione ricattatore, Jimmy, e una cameriera che occasionalmente si prostituisce, Clementine, di cui John s’innamora. Iniziano presto i conflitti e le conseguenze saranno tragiche. Esordio cinematografico del talentuoso P.T. Anderson con questo film a basso costo, un thriller drammatico sul mondo del gioco d’azzardo che deve molto ai miti cinematografici dell’autore: da Altman a Scorsese, passando per il noir anni ’70. Pur essendo un’opera grezza e seminale, già s’intravedono i pregi del regista: sceneggiatura calibrata, fosco disegno psicologico dei personaggi, atmosfere sordide, regia classica, buona attitudine nella direzione di un cast corale, in cui possiamo già trovare quelli che poi saranno i “suoi” attori: Philip Baker Hall, John C. Reilly e Philip Seymour Hoffman, con l’aggiunta di Gwyneth Paltrow e Samuel L. Jackson. Orientato verso un ambiguo minimalismo, il film procede tra alti e bassi, trovando i suoi momenti migliori nella parte iniziale e nel duro finale, che intende dimostrare come ogni uomo nasconda i suoi lati oscuri. Sydney è un thriller indipendente che non ammicca al glamour dei noir “tarantiniani” o all’azione dei film hollywoodiani, ma cerca una dimensione propria, più ostica e pacata, mettendo i personaggi al centro dell’attenzione. E’ un film sui sensi di colpa, ancora acerbo ma non privo di spunti interessanti e di ammalianti suggestioni. Philip Baker Hall domina la scena con il suo carisma e il suo sguardo sornione, tratteggiando un protagonista denso di sfumature ambigue. Presentato al 49° Festival del Cinema di Cannes passò quasi in sordina, salvo essere poi rivalutato dopo il successo ottenuto dall’autore con i film successivi.

Voto:

voto: 3,5/5

L'imbalsamatore (L'imbalsamatore, 2002) di Matteo Garrone

Peppino è un nano dalle tendenze omosessuali, che fa il tassidermista sul litorale casertano ed ha loschi rapporti con la camorra. Un giorno incontra il giovane Valerio e lo prende a lavorare con sé, dando inizio ad un’ambigua amicizia. Valerio sembra affascinato dalla personalità dell’uomo e dalla sua sicurezza economica, grazie alla quale i due si concedono notti brave con donne disponibili. Ma tra i due ben presto s’inserisce Debora, conosciuta durante una trasferta a Cremona, per la quale Valerio perde la testa, provocando la gelosia di Peppino. Questo cupo noir di provincia, ammirevole per la capacità di coniugare l’azione con le atmosfere e la critica sociale con il disegno dei personaggi, rappresenta il punto di svolta nella carriera di Garrone, il film che lo ha imposto alla critica e al pubblico collocandolo tra le eccellenze autoriali italiane. Girato quasi interamente nel famigerato Villaggio Coppola sulla Domiziana, all’ombra della camorra campana, è una storia maledetta dal potente fascino oscuro che ci parla di desiderio, di venerazione, di sesso e di violenza, sullo sfondo di una periferia abusiva posta ai margini della civiltà. Lo sguardo del regista è lucido e tagliente, la messa in scena è asciutta, l’estetica è ammaliante e la fotografia ricca di contrasti incornicia perfettamente questo film nero, rendendo tetre anche le sequenze diurne girate in esterni. Le atmosfere malate, i personaggi ruvidi, le musiche stranianti, le scene surreali, tutto contribuisce alla creazione di un mondo sordido che ci affascina, ci inquieta e ci respinge nello stesso tempo. Straordinaria la caratterizzazione data da Ernesto Mahieux al diabolico Peppino, un folletto di viscida cattiveria ed un villain di alto spessore, mentre Valerio Foglia Manzillo ed Elisabetta Rocchetti completano il cast principale. E’ notevole la capacità del regista di dirigere gli attori, di saper giocare sui sottintesi, sul sordido e sull’implicito, per costruire personaggi notevoli, come quello di Peppino, la cui arte manipolatoria e la cui rabbia repressa gli conferiscono un’aura indimenticabile. Ispirato a un reale fatto della cronaca romana (la vicenda del “nano di Termini”), il film supera gli argini della pellicola di denuncia per addentrarsi nei territori delle grandi tragedie d’autore a sfondo sociale, in quel cinema tenero e crudele che fu di Pasolini, tanto per fare un nome altisonante. Tra noir e melodramma, Garrone mette in scena, con sorprendente abilità, l’impasse esistenziale di un’umanità ai margini, in cui le ambientazioni spettrali da incubo urbanistico confinano con gli abissi tortuosi della psiche ed i sentimenti hanno il gusto acre delle contaminazioni chimiche, quelle dei prodotti usati da Peppino per impagliare i suoi animali, come suprema illusione di poter fermare l’attimo e di sfuggire alla morte.

Voto:

voto: 4/5

Romanzo di una strage (Romanzo di una strage, 2012) di Marco Tullio Giordana

A Milano, alle 16.37 del 12 dicembre 1969, una bomba nascosta in una valigetta, collegata ad un congegno a tempo, viene fatta esplodere all’interno della Banca Nazionale dell’Agricoltura di piazza Fontana. I locali della filiale vengono devastati dall’esplosione e, alla fine, si conteranno 17 morti e 88 feriti, vittime innocenti immolate sull’altare della follia terroristica. Il commissario Luigi Calabresi segue la pista anarchica e pone in stato di fermo due figure di spicco di quegli ambienti: Giuseppe Pinelli e Pietro Valpreda. Il primo, ferroviere non violento, viene sottoposto a un durissimo interrogatorio durante il quale muore in circostanze misteriose, precipitando da una finestra della Questura milanese. Messo sotto accusa e abbandonato dai dirigenti, Calabresi prosegue la sua difficile indagine interessandosi alla matrice neofascista ma sarà ucciso nel 1972, in un agguato sotto la sua abitazione, dai militanti estremisti di “Lotta continua”. Marco Tullio Giordana prosegue il suo lucido percorso di denuncia civile con il suo cinema socialmente impegnato, portando sul grande schermo uno dei momenti più oscuri della storia italiana del ‘900: la strage di piazza Fontana, l’evento che per molti ha segnato l’inizio della strategia della tensione e dei sanguinosi “anni di piombo”, in cui il terrorismo eversivo, di destra o di sinistra, si è macchiato di crimini orrendi lasciando sul campo centinaia di caduti nell’arco di circa dodici anni. La ricostruzione storico ambientale messa in atto dal regista milanese è straordinaria, con l’efficace rievocazione visiva di quella Milano anni ‘70 in clima da guerra civile. La messa in scena è volutamente algida per garantire il dovuto distacco emotivo e gli eventi sono raccontati con minuzioso dettaglio, cercando di ridurre al minimo le licenze romanzate. Il film coinvolge e convince, muovendosi sul delicato equilibrio tra il rigore della cronaca e la retorica della finzione e le interpretazioni del cast (Valerio Mastandrea, Pierfrancesco Favino, Michela Cescon, Laura Chiatti, Fabrizio Gifuni) sono notevoli, con una menzione speciale per un intenso Favino nel ruolo dell’anarchico Pinelli. L’autore sembra quasi ispirarsi al celebre articolo “Io so” (scritto da Pasolini sulle colonne del Corriere della Sera) nel tratteggiare questo affresco cupo e sobrio, pudico e rigoroso, ricco di zone d’ombra e di momenti di forte impatto emotivo. Un film importante e maturo, da vedere anche solo come memoria storica. Obbligatorio per i più giovani che queste storie le hanno solo sentite raccontare.

Voto:

voto: 4/5

L'ascensore (De Lift, 1983) di Dick Maas

In un moderno edificio di Amsterdam avvengono misteriose morti in seguito al cattivo funzionamento di un ascensore. Le indagini archiviano il caso come tragiche fatalità ma il tecnico Felix non si convince ed inizia a indagare, con l’aiuto di una giornalista, sull’azienda che ha costruito il sistema computerizzato che regola le funzioni dell’ascensore. Scoprirà un orribile verità. Horror olandese a basso costo diventato di culto negli anni ’80 per la sua interessante combinazione di suspense ben costruita, omicidi spettacolari e spruzzi di critica sociale (di grana grossa) sull’eterno conflitto tra uomo e macchina, con evidente attacco all’abuso di strumenti tecnologici. Pur nei limiti di un prodotto di genere fortemente aderente ai codici specifici, garantisce un discreto intrattenimento per le ambientazioni singolari e per l’originalità della sfida tra il testardo tecnico e la diabolica ascensore, specialmente nella parte finale in cui, a patto di spegnere il cervello e di sorvolare sulle tante esagerazioni inverosimili, ci viene regalato più di un brivido. Alternando qualche buona trovata a momenti ora ingenui ora fracassoni, appartiene a quel filone di horror stravaganti che restano in un certo immaginario di nicchia e la cui visione era pressoché obbligata nei suoi passaggi notturni sulle vecchie "tv libere". E' un'opera figlia del suo tempo, per incalliti nostalgici dei vecchi spaventi artigianali. Nel 2001 lo stesso regista Dick Maas ne ha realizzato un remake americano, Down - Discesa infernale (Down), distribuito nei paesi anglofoni anche come The Shaft, con James Marshall e Naomi Watts ed ambientato a New York City. Questo remake, ben più scialbo dell'originale e infarcito di spruzzi di ironia grottesca, contiene dei dialoghi tristemente "profetici" in merito all'imminente attentato alle Torri Gemelle compiuto dai terroristi di Al Qaida l'11 settembre dello stesso anno.

Voto:

voto: 2,5/5

Segreti di famiglia (Tetro, 2009) di Francis Ford Coppola

Il giovane marinaio Bennie, alla vigilia della maggiore età, parte per Buenos Aires alla ricerca di suo fratello maggiore, Angelo detto “Tetro”, un tormentato scrittore quarantenne di origine italiana che ha fatto perdere le sue tracce da circa dieci anni per sfuggire alla tirannide del padre, dispotico direttore d’orchestra. Tetro adesso vive in Argentina insieme alla bella Miranda, e scrive testi teatrali cercando invano l’approvazione di Alone, la più importante critica letteraria del paese. L’incontro tra i due fratelli sarà intenso e conflittuale, Bennie si rende conto che il tempo ha cambiato tante cose e che Angelo è molto diverso dall’uomo che lui ha sempre mitizzato nei suoi ricordi di adolescente, ma cercherà in tutti i modi di recuperare il rapporto con lui. Splendido film indipendente di Coppola, un intenso dramma intimo girato in bianco e nero, attraverso il digitale in alta definizione, e denso di elementi autobiografici ricollegabili alla vera vita del regista. Autore anche di soggetto e sceneggiatura, Coppola torna a parlarci di famiglia con questo potente melodramma onirico strutturato a scatole cinesi, pervaso da emotività barocche e confezionato con un elegante minimalismo sperimentale. In questa severa tragedia familiare l’autore guarda dentro se stesso, rilegge la sua vita e la sua storia confondendo abilmente finzione e realtà, rappresentazione e trasfigurazione, rimescolando le figure e le emozioni in un suggestivo gioco di specchi (Brandauer interpreta sia il padre Carlo che il fratello Alfie), perché “niente è accaduto ma tutto è vero”. Con la spudoratezza di un esordiente, il Maestro italoamericano riflette sull’illusione della felicità, sull’impossibile normalità dei rapporti umani, sul dolore che è parte integrante della nostra vita, modificando continuamente il registro narrativo dal romantico al grottesco, dal surreale al tragico, e sintetizzando la sua visione del cinema con l’autorità di un demiurgo di emozioni creative. Guardando, come sempre, al melodramma classico, posto alle radici della sua formazione artistica, Coppola realizza anche un sontuoso omaggio alla settima arte, citando a ripetizione se stesso e i registi di cui è innamorato (da Michael Powell a Elia Kazan). Nei continui salti temporali del film, molti dei quali a colori, egli dà sfogo al suo geniale manierismo estetico, ricostruendo i conflitti tra Tetro e il padre (l’origine del dramma alla base dell’intera vicenda), attraverso stupende immagini di musica e di danza, accentuando così il paradossale sfasamento tra vero e fittizio. Fondendo analisi e psicanalisi con lucida sensibilità, l’autore sembra voler esorcizzare i suoi stessi demoni familiari legati al peso della sua carismatica e ingombrante figura: il padre di Tetro afferma che “in ogni famiglia c'è posto per un solo genio” e, quindi, chi arriva dopo non può far altro che accontentarsi di vivere nella sua ombra. C’è, quindi, tutto se stesso in questo film summa di assoluta perfezione formale, in questo labirinto onirico di esperienze e suggestioni, simbolicamente raffinato, di lacerante limpidezza e con un rigoroso senso della misura, che denota il raggiungimento del controllo assoluto sulla materia cinema. E questo Tetro (stendiamo pure un velo pietoso sul titolo italiano) è esattamente questo: puro cinema, vita deformata nell’arte in un gioco di riflessi, un meraviglioso teatro di figure imperfette in cui Coppola, ormai autore totale, rimette in gioco se stesso in un tripudio melodrammatico “bigger than life”. Nel notevole cast figurano Vincent Gallo, Maribel Verdú, Alden Ehrenreich, Klaus Maria Brandauer e Carmen Maura, tutti bravissimi. Memorabile ed emblematica la sequenza prologo, con il primo piano di Tetro che osserva la falena sbattere contro la luce. Grande cinema e grande Coppola, che conferma di essere il più importante regista americano vivente.

Voto:

voto: 4,5/5