Rush (Rush, 2013) di Ron Howard

Va in scena la grande rivalità sportiva tra due assi della formula uno: Niki Lauda e James Hunt. Fin dai tempi della formula 3 i due si sono sfidati apertamente, dando vita a duelli entusiasmanti e scrivendo alcune delle pagine più belle e pericolose di questo sport, tanto estremo quanto spettacolare. Profondamente diversi tra loro, introverso e metodico Lauda, affascinante e guascone Hunt, erano però uniti dalla comune passione per la velocità e dall’indubbio talento nella guida, sebbene con stili profondamente diversi, in base alla rispettiva personalità. Il culmine della loro sfida è stato nel 1976, con il terribile incidente del Nürburgring in cui il campione austriaco rischiò di perdere la vita, riportando gravissime ustioni irreversibili sul viso e sul corpo. Ma ritornò in pista a tempo di record per non lasciare campo libero all’eterno rivale inglese. L’eclettico, e solitamente compito, Ron Howard si cimenta con un mondo di cui è profano, l’automobilismo, per raccontare un duello sportivo che divenne ossessione e che infiammò il pubblico degli anni ’70. La rivalità tra Lauda e Hunt, intensa quanto breve, segnò un’epoca “eroica” ed irripetibile della formula uno, un’epoca in cui il fattore umano era ancora fondamentale e cuore e nervi contavano quanto motore e pneumatici. Il risultato è un blockbuster energico, anacronistico, appassionante, che sa alternare con maestria la spettacolarità delle scene in pista con quelle di approfondimento psicologico dei due antagonisti. Il cuore del film è nella sfida tra i due, umana prima che sportiva; Howard lo sa bene e ce la racconta, con diverse licenze da “romanzo”, in maniera classica, analogamente a quanto già fatto con quella tra Frost e Nixon. Lo scontro sportivo diventa, quindi, ideologico, culturale, comportamentale, caratteriale. Due campioni formidabili ma opposti, eppure, in qualche modo, complementari: perché entrambi sanno trarre qualcosa dalla sfida con l’altro e la rispettiva carriera non sarebbe stata la stessa in assenza del contendente. Da abile artigiano del cinema americano Howard confeziona un film notevole, a volte grossolano, altre volte superficiale, ma, complessivamente, solido, che sfreccia agilmente a 300 all’ora senza mai sbandare, regalandoci un intrattenimento di qualità, ed un pizzico di nostalgia, fino al traguardo. Belle musiche di Hans Zimmer e buona interpretazione dei due protagonisti, Chris Hemsworth e Daniel Brühl.

Voto:

voto: 3,5/5

L'amore bugiardo - Gone Girl (Gone Girl, 2014) di David Fincher

Amy e Nick sono una coppia “perfetta”: belli, benestanti, dinamici, intelligenti e colti. Fanno una bella vita, hanno un’invidiabile intesa coniugale, una bella casa ed un solido lavoro. Appaiono, quindi, come l’incarnazione esteriore del Sogno americano. Ma la crisi economica e l’improvvisa malattia della madre di lui li costringe a trasferirsi da New York a una piccola cittadina di provincia del midwest, nello stato del Missouri. Il drastico cambiamento farà emergere, lentamente ma inesorabilmente, una serie di incomprensioni tra i due, intaccando l’impeccabile facciata con delle crepe troppo a lungo ignorate e via via più profonde. Il giorno del quinto anniversario di matrimonio Amy scompare in circostanza misteriose e l’inevitabile indagine della polizia porterà alla luce inquietanti indizi che fanno pensare ad un evento tragico,  portando a stringere il cerchio dei sospetti intorno al marito Nick. David Fincher conferma le sue qualità di narratore di razza con questo noir geometrico che si apre, e si chiude, su un’immagine sinuosamente avvolgente (la curva dei capelli di Amy), come a indicare la portata simbolica di un’opera in cui nulla è come sembra ed il sottile confine tra realtà e finzione assume toni ora inquietanti ora conturbanti, inducendo una vertigine di hitchcockiana suggestione. Con una messa in scena classica, che mette gli attori al servizio della storia, ed una regia asciutta, ma al tempo stesso possente, Fincher spazia attraverso i generi, dal thriller, alla commedia nera, alla critica sociale, toccando punte estreme  di grottesco e di violenza esplicita, in particolare in una scena cruciale che sarà difficile dimenticare. Ribaltando a metà film il piano narrativo, quest’opera a due livelli spazia attraverso tanti temi cruciali: il conformismo della middle class americana, la crisi economica del secondo decennio degli anni 2000, il gioco al massacro dei media la cui malsana invadenza ha ormai trasformato la cronaca nera in una sorta di gossip perverso che alimenta il voyeurismo di massa con la “gogna” tecnologica delle vittime di turno,  l’eterno conflitto tra essere ed apparire, fonte costante di malessere per la psiche umana. Ma il cuore, nero, del film è principalmente rivolto al rapporto di coppia, all’istituzione matrimoniale, cinicamente illustrato come emblema di un tacito conformismo basato sul compromesso quotidiano e sull’inganno sottile, intrinsecamente debole perché fondato su basi d’argilla: l’utopistica illusione della durata “eterna” di un sentimento sì intenso ma fugace, come tutte le umane manifestazioni,  che oggi viene sistematicamente confuso con l’edonismo sessuale e l’appagamento materiale. La feroce analisi di Fincher fa crudelmente a pezzi l’idea stessa di matrimonio, evidenziandone i lati oscuri, gli anelli deboli, le convenzioni sottili, gli accomodamenti meschini, il gioco di ombre, le crudeltà quotidiane, le subdole menzogne, e rendendo l’intero film una perfida metafora del suo fallimento, tanto più tragico nell’essenza quanto più irreprensibile nell’apparenza. E’ giusto, quindi, parlare di un autentico noir psicologico sulla vita di coppia, mostrata attraverso un sottile gioco di specchi, insito già nella struttura filmica, che mira allo straniamento dello spettatore, scambiando i ruoli tra vittima e carnefice nella messa in scena dell’umano “gioco” tra vizi e virtù. L’inverosimiglianza di alcune situazioni, evidentemente troppo macchinose per risultare plausibili, nulla toglie alla forza crudele di un’opera che è il trionfo dell’ambiguità, del disincanto e della mendacità, come abilmente sottolineato dallo stesso stile narrativo dell’intera prima parte, raccontata attraverso il diario di Amy. Nel cast spicca l’algida Rosamund Pike, che qui dimostra di avere molte frecce nel suo arco e ci regala una performance di alto profilo, sia dal punto di vista fisico che psicologico. Le verità nascoste di un ménage di coppia possono risultare letali quanto una lama che squarcia la gola, come intende dimostrare questo film oscuro e agghiacciante, che inquieta e fa riflettere, donando una nuova sinistra prospettiva al solenne “finchè morte non vi separi”.

Voto:

voto: 4,5/5

Solo gli amanti sopravvivono (Only Lovers Left Alive, 2013) di Jim Jarmusch

Adam e Eve sono due vampiri affascinanti, raffinati, colti e benestanti che “vivono” da centinaia di anni assorbendo, oltre al sangue essenziale al loro nutrimento, il meglio del mondo in termini di arte, bellezza e cultura. Testimoni privilegiati e nascosti di tanta storia umana, hanno attraversato le epoche finendo per relegarsi in due rispettive “prigioni d’avorio” a migliaia di chilometri di distanza: Adam è un musicista tetro e solitario, incline alla malinconia ed al desiderio di morte, che ha scelto di vivere a Detroit tra chitarre, amplificatori ed orpelli vintage. Eve è una donna libera, socievole, dotata di una grazia naturale e di un profondo amore per la letteratura di qualsivoglia paese, che vive in Marocco tra ornamenti preziosi e suggestioni orientali. I due, che sono amanti, hanno scelto un elitario isolamento che li porta a interagire il meno possibile con gli umani, nutrendosi solo di sangue puro, prodotto in laboratorio, ottenuto grazie a medici compiacenti, lautamente ricompensati. Ma l’arrivo della selvaggia sorella di Eve, vampira vorace ed incontrollabile, finisce per spezzare il cerchio virtuoso faticosamente costruito dai due intorno alla loro esistenza,  facendo entrare il caos del mondo nel loro secolare e dorato silenzio. Jim Jarmusch,  elegante regista americano che da sempre guarda al cinema europeo, mette in scena l’ennesima raffigurazione del mito del vampiro con questo quieto dramma funereo, incline alla malinconica decadenza ed alla ricercata rarefazione, pervaso da lunare romanticismo splendidamente incarnato dai due protagonisti, in cui la magnetica Tilda Swinton, ormai archetipo di bellezza “distante” e non convenzionale, giganteggia.  La “vita” di cui si parla nell’intrigante titolo, che è poi una vita “in negativo” secondo la tradizione vampirica,  non è quella biologica bensì quella spirituale, connessa a una dimensione superiore di bellezza, incanto, illuminazione, affine alle manifestazioni più alte dell’essere umano, espresse dall’arte e, quindi, eterne. Il rispetto contemplativo dei due vampiri per tutto questo, ma anche per la natura e per il destino di questo vecchio mondo che va in frantumi, è l’amore, contrapposto alla sgraziata superficialità dei “mortali” che stanno distruggendo l’ambiente e calpestando la memoria in nome del consumismo sfrenato e della smodata rapacità. Chi sono i veri vampiri ? Chi vive realmente nel buio ? E chi nella luce ? Sono queste le domande a cui il regista sembra interessato. La risposta, ovvia, ha il sapore, politico, dell’annosa disputa tra disimpegno intellettuale ed impegno civile, tra teorici ed attivisti. Ma il film è anche un pregevole elogio dell’arte, la nobile scintilla divina presente negli umani, come forma suprema da opporre al dolore, alla bestialità, all’ignoranza, alla morte, celebrando così una miracolosa magia che unisce, e travalica, tutte le epoche. Non privo di ironiche trovate surreali (il gelato al sangue), ci conduce con carezzevole malia attraverso l’ennesimo itinerario notturno della carriere dell’autore, in cui, come sempre, il viaggio conta più della meta. Onirico e suggestivo nelle meravigliose sequenze tra i vicoli di Tangeri, le strade deserte di Detroit e le sontuose stanze barocche, è un’opera di alto valore estetico e di imponente forza simbolica che dona nuova luce, e rinnovato spessore, all’abusata filmografia vampirica.

Voto:

voto: 4/5

I cancelli del cielo (Heaven's Gate, 1980) di Michael Cimino

Wyoming, 1890: nella contea di Johnson scoppia una feroce guerra tra i potenti allevatori di bestiame ed i poveri immigrati dall'Est europeo, stanchi dei soprusi subiti. Due amici e compagni di studi, James Averill e Billy Irvine, laureati insieme ad Harward vent’anni prima, si ritrovano sui fronti opposti della disputa: Averill diventa sceriffo della contea e si schiera a tutela degli immigrati, Irvine sarà invece l’avvocato della più influente fazione di allevatori. Capolavoro “maledetto” di Cimino, passato alla storia per le incredibili traversie produttive, le stroncature faziose ed una clamorosa serie di ingiustizie subite, culminate in slogan fasulli che da sempre accompagnano il film, oscurandone il valore. "Il film che ha fatto fallire la United Artists", "il più grande flop della storia del cinema moderno", solo per citarne i più eclatanti. Dopo il grande successo del provocatorio Il cacciatore, Michael Cimino si dedica al suo progetto più ambizioso: un western epico ispirato ad un fatto realmente accaduto nella contea di Johnson, per raccontare le radici del Sogno Americano e rileggere la nascita di una nazione sotto una nuova ottica più critica e disincantata, lontana dalle agiografie edificanti intrise di retorica propagandistica, ma volta a dimostrare le profonde ingiustizie e le violente discriminazioni sociali subite dagli immigrati nel nuovo mondo ad opera di un sistema delinquenziale dedito alla prevaricazione e all’omicidio per difendere il proprio “diritto” di primo arrivato nella terra delle opportunità. L’intento del regista, in cui molti videro una “pericolosa” matrice iconoclasta volta a scardinare le fondamenta culturali dell’American Dream e della conseguente mitologia di paese libero in cui vengono concesse a tutti pari opportunità, spaventò le major di Hollywood che fecero di tutto, riuscendoci, per boicottare il film, minandone la reputazione artistica e la credibilità storica. E’ ormai di dominio pubblico che alcuni politici di spicco dell’amministrazione Reagan espressero il loro disappunto alla United Artists, dicendo che sarebbe stato “sconveniente” fare altri film che raccontassero la storia americana in modo così negativo. La prima versione dell’opera, che ebbe altissimi costi produttivi a causa della lunga durata delle riprese che dilatò il budget di circa 6 volte le previsioni, era di ben 325 minuti (oltre 5 ore) ma, dopo il veto dei produttori, fu ridotta a 219’ (3 ore e 39 minuti) ed uscì così nelle sale, ma fu un disastro (programmato) di critica e pubblico. Ritirato dai cinema fu ulteriormente ridotta a 149’ (2 ore e 29 minuti), mandando il regista su tutte le furie, ma anche così il film non convinse. Presentato a Cannes nel 1981, nella pessima versione “monca”, fu bollato in modo definitivo come fiasco assoluto. Dopo l’inevitabile rivalutazione critica favorita dal tempo, per la naturale attenuazione dei livori politici che ne decretarono il fallimento, nel 2000 è stato rieditato in DVD nella versione “director’s cut” di 219 minuti, mentre in Italia ha continuato a circolare la versione monca di 149’ fino al restauro digitale definitivo del 2012, presentato trionfalmente al Festival di Venezia, che rende onore e giustizia all’originale. Coraggioso e titanico, epico e lirico, violento e scomodo, si avvale di un cast superbo (Kris Kristofferson, Christopher Walken, John Hurt, Brad Dourif, Isabelle Huppert, Jeff Bridges), di una regia mirabile, di una fotografia preziosa e consegna alla memoria collettiva alcune scene magistrali (come la lunga e forsennata battaglia finale), di ampio respiro storico e di potente intensità tragica, tra le più belle mai viste nel cinema western. Dei tanti slogan negativi strumentali che hanno accompagnato la controversa storia di questo capolavoro recuperato, l’unico più vicino al vero è quello che definisce il film come ultimo esempio di libertà creativa da parte degli autori rispetto alla “tirannia” delle major e alla logica del profitto. Da questo punto in poi il controllo produttivo sarà asfissiante ed i registi avranno vita dura in confronto alla “new wave” del cinema americano degli anni ’70. Ma un “cadavere” eccellente è rimasto sul campo: la carriera del grande e promettente Michael Cimino ne è uscita praticamente distrutta. Chi l’ha più visto da allora ?

Voto:

voto: 5/5

Satantango (Sátántangó, 1994) di Béla Tarr

In una fattoria collettiva ungherese, ai tempi del comunismo, i pochi abitanti rimasti sono in preda al degrado e alla sfiducia, abbrutiti dall’indigenza, dal vizio dell’alcol e dalla mancanza di prospettive per una vita decorosa. Ma, un giorno, si sparge la voce che il carismatico Irimias, leader indiscusso della comunità dato per disperso, sta per tornare in paese insieme al suo aiutante. Questi chiederà ai suoi compaesani tutti i loro risparmi in cambio della promessa di un lavoro migliore e di condizioni di vita più dignitose, lontano dal fango, dalla sporcizia e dalla puzza del letame. Ma si tratta di un perfido inganno di cui è complice anche la polizia locale. Memorabile epopea visiva che lascia ammirati e annichiliti per durata (ben 7 ore e 20 minuti), potenza espressiva, realismo, profondità simbolica, rigore stilistico, analisi critica e lucidità della denuncia storica. Sospeso tra lirismo ed ermetismo, poesia e perdizione, Angelopoulos e Tarkovski, quest’opera capitale del grande Béla Tarr, maestro del cinema ungherese, è una tragedia storica di metafisica astrazione e di finissima suggestione visiva, che racconta, in modo totalizzante, la vita, quella vera, senza abbellimenti e senza sconti, includendo tutto: il dolore, la sporcizia, la miseria, la noia. Pur descrivendo, impietosamente, il crollo dell’utopia collettivistica dei regimi comunisti filo sovietici, è ambientato in un “non luogo” e in un “non tempo” di ipnotica rarefazione, un’astrazione visionaria che intende fornire all’opera un’aura solenne e universale, elevandola a tragedia esistenziale sulle illusioni umane, sulla malvagità del prossimo, sull’indifferenza della natura e sulla crudeltà della morte. La struttura della pellicola, come suggerito dal titolo, è ispirata al tango, ovvero al suo tipico movimento: infatti l’opera è suddivisa in 12 capitoli, in cui domina l’utilizzo esasperato del piano sequenza per favorire l’immersione realistica dello spettatore, con 6 di questi che vanno cronologicamente in avanti e 6 che vanno all’indietro in un’oscillazione di fervida altezza creativa che si contrappone all’inerzia ferale dei reietti abitanti del villaggio rurale. Ma l’intera pellicola è un fertile incontro tra opposti: il nulla e l’assoluto, il bene e il male, l’utopia e la concretezza, la speranza e la disperazione, la fiaba e l’incubo, in un moderno colosso artistico che può competere con le grandi  opere omnie del passato che hanno fatto la storia del cinema. Angoscianti e bellissime le ambientazioni cupe, impaginate da una meravigliosa fotografia in un bianco e nero spettrale, della puszta ungherese fangosa e inseminata, perennemente spazzata dalla pioggia e dal vento. E’ indubbio che si tratta di un film difficile, impegnativo, ermetico e di grande onere intellettuale, già solo per la sua incredibile durata che spaventerebbe anche il cinefilo più incallito e preparato. Ma la visione ripaga totalmente lo “sforzo” sostenuto, regalando un’esperienza indimenticabile, assoluta e di memorabile intensità, una sorta di Apocalisse dei sensi di magistrale perfezione estetica che ci mette a confronto con la Storia e con l’Uomo in una maniera che ha pochi eguali. Tra le tante scene fenomenali è impossibile non citare il piano sequenza d’apertura, con la macchina da presa che si muove di fianco alle mucche e ci offre la prospettiva dello spazio dell’azione o quella, lunghissima e ipnotica, del ballo contadino, con l’alcol che scorre a fiumi, la cui ridondanza formale intende “ubriacare” anche lo spettatore massimizzando la compenetrazione empatica. Mai distribuito in Italia (a parte il solito provvidenziale "Fuori Orario" di Ghezzi),  è reperibile, dal 2012, in un’eccellente versione DVD in lingua originale, ungherese, con sottotitoli in italiano.

Voto:

voto: 5/5

Lanterne rosse (Da hong deng long gao gao gua, 1991) di Zhang Yìmóu

Nella Cina degli anni ’20 la giovane Songlian, bella e colta, in seguito alla morte del padre accetta di diventare la quarta moglie di un ricco e maturo signorotto. Andrà quindi a vivere con lui e le altre tre mogli in uno sfarzoso edificio, sottostando ad un antico rituale di sottomissione: l’attesa passiva delle lanterne rosse appese alla propria porta, segno tangibile che il marito-padrone avrebbe passato la notte con lei. Dal romanzo “Mogli e concubine” di Su Tong, Zhang Yìmóu ha tratto un superbo e doloroso ritratto storico della condizione femminile cinese nel periodo dei “signori della guerra”. Formalmente elegantissimo, con un raffinato gioco di contrasti nei colori e nei toni ed una perfezione geometrica delle inquadrature che esplorano la grande casa come le stagioni del cuore della protagonista, è un dramma esistenziale solenne ed austero che lavora per difetto, ovvero sottraendo progressivamente il quid emozionale. Il suo colore, il rosso, non è quello della passione ma del sangue e della vergogna. Una vergogna sociale, morale e storica per l’aberrante sfruttamento delle donne, ridotte a serve sottomesse, schiave adoranti e oggetti sessuali in nome del maschilismo più bieco. La geniale idea delle lanterne, volute dal regista e assenti nel romanzo, dà forma tangibile al simbolo pregnante della contraddizione: esse sono, infatti, il premio per la notte che verrà e la maledizione per il suggello dell’ignominia. Ma sono anche il motivo di scontro tra le quattro mogli, vittime ignave della stessa sorte che, anziché unirsi, si dividono, combattendo per degli avanzi di attenzione e favorendo, quindi, il giogo del dispotico padrone. Tra tradizione e innovazione, rigore stilistico e indignazione morale, densità tematica e vigore metaforico, l’autore ci consegna una testimonianza bellissima e terribile, il cui splendore visivo è secondo solo all’inflessibilità della denuncia, enfatizzata ulteriormente dalla provocante carica sensuale che permea le scene rituali del film. Geniale, e segno ulteriore di assoluta personalità autoriale, la scelta di non mostrare mai in primo piano il volto del padrone, aumentandone così lo status dispotico e la carica oscura. Impeccabile e commovente Gong Li, musa e per lungo tempo compagna di vita del regista, nel ruolo della protagonista. Il film, proibito nella Repubblica Popolare Cinese, è stato premiato con il Leone d’Argento al Festival del Cinema di Venezia 1991.

Voto:

voto: 5/5

American Hustle - L'apparenza inganna (American Hustle, 2013) di David O. Russell

Irving Rosenfeld è un truffatore incallito che, con l’aiuto della sua donna, l’abile e sensuale Sydney Prosser, mette in piedi un’associazione che opera a danno di disperati indebitati, promettendo grossi prestiti in cambio di piccole somme, senza però mai corrispondere quanto pattuito. Ma sulle loro tracce piomba il pedante agente FBI Richie DiMaso, che li incastra e li convince a collaborare, promettendo l’immunità in cambio di una mega truffa ordita a danno di politici e mafiosi, che dovrebbe portare ad arresti eccellenti. Nessuno di loro ha però fatto i conti con la vulcanica Rosalyn Rosenfeld, moglie di Irving, incontrollabile e imprevedibile, che porterà il caos nel piano scrupolosamente progettato. Ritratto fiammeggiante, nostalgico e visivamente ricchissimo dei favolosi anni ’70, sotto forma di satira grottesca, antirealistica e abilmente costruita sul gusto dell’eccesso, tramite una sceneggiatura solida e dei personaggi tanto adorabili quanto improbabili, che entrano subito in empatia con lo spettatore per l’aspetto bizzarro e le amabili debolezze. Alla maniera tipica del regista David O. Russell, che qui confeziona il suo film migliore per maturità espressiva e coerenza narrativa, il progetto poggia sulle spalle (forti) degli attori, tutti bravissimi, che riescono a rendere perfettamente il fascino ambiguo e la vulnerabilità ammaliante dei personaggi principali, creando così una perfetta sintonia tra pubblico e pellicola. Christian Bale, Amy Adams, Bradley Cooper e Jennifer Lawrence, tutti candidati all’Oscar per l’occasione, sono il volto ed il corpo perfetto per l’occasione e ci regalano una performance di altissimo spessore e di variegate sfaccettature, in cui è davvero difficile stabilire chi sia il più bravo. Non esente da ruffianerie ed imperfezioni, il film è una rutilante perifrasi dell’inganno, che ruota intorno all’eterno dualismo tra finzione e realtà e che si concede, senza curarsi affatto della verosimiglianza, il lusso di barare sfacciatamente con lo spettatore in un continuo ribaltone del gioco (doppio, triplo, quadruplo) fino allo sfinimento, tanto atteso quanto esilarante. Divertente, accattivante, pluricandidato agli Oscar con ben 10 nomination (ma rimasto a bocca asciutta), è il manifesto ideale del cinema di David O. Russell: glamour e recitazione.

Voto:

voto: 3,5/5

La moglie del soldato (The Crying Game, 1992) di Neil Jordan

Un soldato britannico di colore viene rapito da un commando di terroristi dell’IRA. Tenuto prigioniero in una remota località boscosa diventa amico del suo carceriere, Fergus, a cui racconta della sua amata donna, Dil, parrucchiera a Londra, raccomandandosi con lui di contattarla dopo la sua morte. In seguito alla tragica e accidentale fine del soldato, Fergus si reca a Londra per cercare Dil, da cui viene presto sedotto. Ma la sorpresa è dietro l’angolo.  Eccellente dramma dai toni autunnali, scritto benissimo, diretto con sobrio rigore ed egregiamente recitato da un cast (Stephen Rea, Forest Whitaker, Jaye Davidson, Miranda Richardson ) variegato e sorprendente per resa emotiva e gioco di “squadra”. Senza svelare troppo sulla trama, perché sarebbe un “delitto”, si può dire che è un’opera intensa e coinvolgente a due livelli di lettura, che si muove, in entrambi, sul filo sottile della separazione tra convinzioni opposte, sia politiche che sessuali. L’ombra sinistra del colonialismo inglese, che aleggia su tutto il film, è in antitesi stridente con le azioni del protagonista, che abbatte dogmi e tabù in nome di un veemente umanesimo, carnale ed ideologico, che mette sempre il cuore davanti alla ragione. E da questo contrasto, che celebra l’ambiguo come fertile espressione dello spirito umano che rifiuta compromessi e preconcetti in nome di una libertà individuale da difendere coi denti, prende forma concreta la tematica più intima dell’opera, che ne rappresenta il valore aggiunto ed il motivo di maggiore fascinazione. Il titolo originale, tratto dall’omonimo brano di Boy George che spicca nella colonna sonora del film, è molto più calzante di quello italiano. Ebbe sei candidature pesanti agli Oscar del 1993 ma vinse “solo” il premio per la migliore sceneggiatura originale, firmata dallo stesso regista. Se ne consiglia la visione in lingua originale.

Voto:

voto: 4/5