mercoledì 7 aprile 2021

In nome del popolo italiano (1971) di Dino Risi

Il giudice  Mariano Bonifazi è un moralista inflessibile e un funzionario zelante, il cui alto senso del dovere lo porta in costante rotta di collisione contro corrotti e corruttori. Indagando sulla morte di una giovane squillo tossicomane, Bonifazi finisce sulle tracce del ricco industriale Lorenzo Santenocito, un viveur brillante e spocchioso con molti scheletri nell'armadio. Per il giudice è l'avversario ideale e tra i due ha inizio una "guerra" senza esclusione di colpi. Innanzi tutto ideologica, prima che giudiziaria. Finale a sorpresa. Cinica commedia nera del maestro Dino Risi, scritta da Age & Scarpelli e interpretata dal formidabile duo Ugo Tognazzi e Vittorio Gassman, con il primo demiurgo sornione e il secondo istrione stravagante. Con i tempi e i modi di una satira al vetriolo, Risi ci offre un ritratto avvilito e avvilente della società italiana, tra degrado morale, sottocultura della prevaricazione, rapacità boriosa e atavica furbizia. Ma, di contro, la figura dell'integerrimo magistrato tutto d'un pezzo, per cui è quasi inevitabile parteggiare, avrà una clamorosa svolta nel finale, rimettendo tutto in discussione e creando un voluto senso di smarrimento nello spettatore. Il film è totalmente figlio della sua epoca (gli "anni di piombo"), infatti non solo viene influenzato, a livello concettuale, dal clima sociopolitico di quel periodo, ma, addirittura, ne anticipa, con cupa preveggenza, ulteriori inquietanti sviluppi. La contrapposizione forzata tra i due estremi (l'ortodossia fanatica e il qualunquismo impudente) imploderà in un paradosso etico inestricabile che risente, evidentemente, del crescente senso di sfiducia nelle istituzioni diffuso in molti strati sociali durante gli anni '70. Senza fornire risposte l'autore ci sorprende, ci sconcerta e ci fa riflettere, gettando ombre di stimolante ambiguità su questioni fin troppo grandi per un semplice film. E' questo il compito e il privilegio dell'arte: innescare quesiti, accendere discussioni, provocare più che tranquillizzare. E Risi lo fa da par suo, con questa pellicola agile e pungente, in cui l'unico sicuro perdente è la Giustizia.
 
Voto:
voto: 4/5

martedì 6 aprile 2021

Il primo re (2019) di Matteo Rovere

La leggenda della genesi di Roma, l'alba del più grande impero che la storia dell'uomo ricordi. In sintesi questa è l'idea alla base di questo film ambizioso e spettacolare, da applaudire e salutare con entusiasmo già solo per il coraggio, produttivo e registico. Nel 753 a.C. i due fratelli Romolo e Remo sono semplici pastori. Travolti da un'inondazione del Tevere di proporzioni bibliche perdono tutto (tranne la vita) e finiscono prigionieri dei feroci abitanti di Alba Longa, fedeli alla sacerdotessa Satnei, custode del fuoco sacro degli dei. Costretti a combattere per sopravvivere i due riescono ad organizzare una rivolta e fuggire alla guida di altri schiavi, prendendo in ostaggio la misteriosa Satnei. Il valoroso Remo assume ben presto il comando del gruppo, riesce a conquistare una circoscrizione rurale e si nomina re. Ma la vestale gli rivela un'atroce profezia: uno dei due fratelli diventerà primo re e fondatore del più grande impero del mondo, ma, per farlo, deve uccidere l'altro. Remo si ribella al volere degli dei e lascia andare Romolo per la sua strada, finendo in preda ad una sorta di delirio di onnipotenza. Ma cambiare il destino è impresa ardua. Il progetto di riesumare (e rivitalizzare con nuova linfa, grazie all'estetica contemporanea) un genere a noi familiare come il peplum (di enorme successo negli anni '50 e '60, ma morto e sepolto da tempo immemore) con un film italiano, sembrava a dir poco ardimentoso, ma l'azione è perfettamente riuscita. Il primo re di Matteo Rovere è una piacevolissima "anomalia" nel panorama attuale del cinema nostrano, che ha definitivamente abbandonato i generi per appiattirsi su commedie ridanciane e prodotti dozzinali dal guadagno sicuro, ovviamente eccezion fatta per i pochi veri autori (Garrone, Moretti, Sorrentino, Bellocchio, M.T. Giordana e pochi altri). Il risultato di questo piccolo "miracolo" all'italiana è un film imponente, visivamente ammaliante, curato in ogni dettaglio, un racconto epico, cruento e ancestrale che ci immerge in un mondo oscuro, barbaro e feroce, pervaso da violenza e superstizioni, un mondo pagano e spietato, illuminato però dal fuoco della leggenda. La leggenda di Roma, caput mundi. Splendidi gli scenari, le ricostruzioni ambientali, i costumi, la lingua utilizzata (una sorta di protolatino arcaico messo a punto, per l'occasione, da una squadra di esperti linguisti), l'uso sapiente dell'illuminazione tramite luce naturale (l'unica fonte rigorosamente utilizzata). Tutto per ottenere il massimo realismo, allontanandosi il più possibile dalle pacchiane "americanate" relative alla storia antica. Bravissimi gli attori, con menzione speciale per il Remo di Alessandro Borghi e l'inquietante Satnei di Tania Garribba. E, ovviamente, impossibile non citare i perfetti effetti speciali, calibrati e non invasivi, cosa tutt'altro che scontata nel cinema italiano. La sequenza iniziale del Tevere che straripa con onda da tsunami meriterebbe, già da sola, la visione del film. E' anche un film complesso e importante, poco ammiccante verso il grande pubblico, che affronta con lucidità temi importanti quali il libero arbitrio, la religione (nel senso più ampio di trascendenza), l'amore fraterno e, ovviamente, l'ego. Da non perdere.
 
Voto:
voto: 4,5/5

Quo Vadis, Baby? (2005) di Gabriele Salvatores

Giorgia Cantini è una investigatrice privata che si occupa di fotografare gli adùlteri per conto dell'agenzia di suo padre. Alcolista single, è una bolognese scontrosa, sgualcita dalla vita e segnata dal suicidio di suo sorella Ada, avvenuto sedici anni prima in circostanza poco chiare. Un giorno Giorgia riceve uno scatolone di VHS contenenti una sorta di video diario degli ultimi giorni di Ada. E il doloroso passato ritorna. La donna inizia una sofferta indagine a ritroso, affrontando tutti i suoi demoni interiori. Melodramma "in giallo" di Gabriele Salvatores, tratto dal libro omonimo di Grazia Verasani. E' un mosaico investigativo a tinte fosche e a due livelli: dentro e fuori dalla protagonista, interpretata con puntigliosa adesione fisica e psicologica da Angela Baraldi. L'inchiesta alla ricerca di una tragica verità del passato diventa un percorso interiore, personale e familiare, più un'ossessione che una catarsi. Il filo di Arianna da seguire nel dedalo dei ricordi è cinematografico (i video su VHS) e lo stile registico asseconda questa traccia narrativa con un fluire di immagini da ricomporre, e con una miriade di citazioni. A partire già dal titolo che è una frase pronunciata da Marlon Brando in Ultimo Tango a Parigi. C'è un po' di accademia nella ricerca costante dell'inquadratura ad effetto, ma il film avvince e convince, e la risoluzione è originale. Claudia Zanella nel ruolo di Ada è sensuale, fragile, misteriosa e bellissima. Riesce a bucare il video (nel video). Completano il cast Elio Germano e Gigio Alberti. Belle musiche d'atmosfera del compianto Ezio Bosso. Questo interessante esempio di noir all'italiana è diventato subito un cult nella filmografia dell'autore. Nel 2008 vi è stata ispirata una serie televisiva, prodotta da SKY, sempre con la Baraldi protagonista.
 
Voto:
voto: 3,5/5

1917 (2019) di Sam Mendes

Prima guerra mondiale: il 6 aprile 1917 i caporali inglesi Blake e Schofield vengono scelti per una missione suicida: attraversare le linee nemiche per portare a destinazione un dispaccio cruciale che può salvare migliaia di loro commilitoni da morte certa. Tra questi c'è anche il fratello di Blake. Sarà una terribile odissea attraverso l'orrore. La "grande guerra" è stata una guerra di trincea ed è forse per questo motivo che è stata raccontata poche volte al cinema, specie se paragonata alla seconda. Sam Mendes lo fa, alla sua maniera, ispirato dai racconti di suo nonno che aveva combattuto sul fronte francese, con un film bellissimo, visivamente splendido, tecnicamente superbo, che lascia lo spettatore incollato alla poltrona per tutta la sua durata. Noi fortunati la guerra non l'abbiamo fatta e non l'abbiamo mai vista. Qualcuno ha detto che guardare questo film è un perfetta esperienza "surrogata" della guerra vera. Probabilmente è un po' esagerato ma un fondamento di verità c'è. 1917 è un appassionante film on the run, un frenetico viaggio a rotta di collo (e in "real time") attraverso una terra di nessuno, pervasa da morte e distruzione, un inferno in terra tra fattorie abbandonate, città devastate, palazzi in macerie, trincee piene di cadaveri. Un incubo ad occhi aperti da attraversare correndo perchè il tempo è fondamentale. Mendes incolla la telecamera ai due protagonisti e li pedina, li bracca, facendoci correre insieme a loro e dandoci l'esatta impressione del tempo reale attraverso un utilizzo perfetto del piano sequenza, un montaggio magistrale e una serie di effetti visivi di ottima fattura. Fin dall'inizio delle riprese il regista aveva detto, non senza ambizione, di voler realizzare l'intero film in un unico piano sequenza per massimizzarne il realismo e farci vivere l'autentica esperienza del fronte nemico. Una cosa, evidentemente, impossibile. Ma l'effetto finale (che ovviamente è un trucco) è ottimo e gli stacchi sono praticamente invisibili. Il terzo compagno di Blake e Schofield diventa, quindi, lo spettatore, che corre a perdifiato con loro verso il 7 aprile, verso la missione compiuta e, metaforicamente, verso il 1918 (la fine della guerra e di tutte le guerre). Grande cinema e grande lavoro tecnico, al servizio di un'avventura dall'alto potere immersivo. Tre premi Oscar: miglior fotografia, sonoro ed effetti speciali. Meritatissimi.
 
Voto:
voto: 4/5

La casa di Jack (The House That Jack Built, 2018) di Lars von Trier

Stato di Washington, anni '70: Jack è un architetto di grande ingegno, appassionato di filosofia e di arte, metodico, riflessivo, affetto da manie compulsive e disturbi psicologici profondi. Jack è anche un serial killer freddo e spietato, che uccide le persone e ne conserva i corpi per realizzare con essi l'opera d'arte perfetta, una sorta di composizione collettiva aberrante di carne e sangue. Jack racconta i delitti da lui commessi (definiti "incidenti") in flashback durante un arco temporale di circa 10 anni, mentre la polizia gli dà la caccia e lui si diverte a sfidarla, in un gioco perverso, per dimostrare di essere più intelligente. Il destinatario dei suoi racconti è il vecchio Verge, un uomo misterioso che gli parla come un mentore, una guida spirituale al di sopra delle parti, accompagnando il nostro in una sorta di tragitto infernale. Il 14-esimo lungometraggio di Lars von Trier è un thriller sanguinario e disturbante, un itinerario allucinato nei meandri labirintici della mente di un sadico psicopatico, un "mostro" lucido, consapevole, famelico, metodico, egocentrico, glaciale e preciso nella cura di ogni dettaglio. I suoi intenti sono filosofici e, soprattutto, artistici: dar vita (attraverso la morte) all'opera d'arte assoluta e sublime, una casa di corpi, altare e culla oscura delle sue stesse ossessioni. Mentre fa questo Jack cerca anche di costruire una sua vera casa (nel senso letterale di abitazione), ma non ci riesce perchè non è mai soddisfatto del risultato e, quindi, riparte sempre daccapo. I suoi fallimenti architettonici viaggiano insieme ai suoi "successi" negli omicidi, e, se la casa di legno non nasce mai, quella di cadaveri (opportunamente composti o scomposti per l'occasione) prende forma sempre più compiuta. Il suo interlocutore abituale è Verge/Virgilio, che non lo giudica ma scambia con lui pareri, riflessioni filosofiche o esistenziali, e spesso lo ammonisce, mettendolo in guardia. Verge (che ovviamente è la sua coscienza) è il faro attraverso il cammino metaforico nell'inferno della sua psiche, un percorso difficile e doloroso che però non conduce a "riveder le stelle". Gli "incidenti" sono intervallati da elucubrazioni cervellotiche sulla vita, sulla morte, sull'arte in ogni sua forma e sul senso dell'esistenza umana. E' indubbiamente un film difficile, pervaso da un gelido nichilismo che, probabilmente, inquieta ancora di più delle numerose scene truculente, spesso mostrate nei minimi particolari per sottolineare la cura sistematica con cui Jack esegue il suo "lavoro". E' un film che può atterrire e far scappare gli spettatori più sensibili (come è successo per molti alla prima proiezione al festival di Cannes), ma questo è esattamente quello che ci aspettiamo da un genio "scandaloso" come Lars von Trier. E' però anche un film astratto, visionario, altamente allegorico, splendido nella sua logica raggelante (tutto il racconto avviene secondo la prospettiva del ripper Jack, come se noi guardassimo attraverso i suoi occhi), con inserti surreali di fantasia superiore, atmosfere oniriche e momenti indelebili. Il viaggio finale di Jack attraverso "l'inferno" ha la potenza visiva di un affresco rinascimentale in movimento: magnifico e terrificante. A fine visione si resta senza parole, sconvolti e ammirati per un nuovo capolavoro scomodo del regista danese, che ha ormai il coraggio e la libertà degli artisti di razza, che mirano a perseguire la propria arte, senza preoccuparsi del giudizio altrui. Esattamente come fa Jack (Lars). Grandi interpretazioni di Matt Dillon e Bruno Ganz, una delle ultime della sua lunga carriera (il grande attore svizzero è scomparso nel 2019). Completano il cast Uma Thurman, Siobhan Fallon Hogan e Riley Keough. Esistono due versioni della pellicola: una accorciata di 4 minuti complessivi nelle scene cruente e quella integrale, disponibile in home video e mostrata in anteprima a Cannes. Nelle sale italiane hanno fatto uscire la prima. E' un'opera inevitabilmente divisiva, da prendere o lasciare, come nella consuetudine del regista. I suoi detrattori troveranno pane per i loro denti con questo film. Idem per i suoi fans. Se si sa leggere oltre la superficialità delle immagini è un capolavoro indimenticabile, un nuovo prezioso "sassolino" che Lars ci ha nascosto nella scarpa.
 
Voto:
voto: 4,5/5

lunedì 5 aprile 2021

I predatori (2020) di Pietro Castellitto

Incontro-scontro di due famiglie agli antipodi nella "giungla" metropolitana di Roma. I Pavone sono ricchi, colti e snob: lui è un medico, lei una regista di cinema d'essai e il loro figlio, Federico, un laureando un po' bizzarro, ossessionato da Nietzsche e osteggiato da un professore "politicizzato". I Vismara sono due fratelli "burini" di estrema destra, venditori di armi e coinvolti in loschi traffici, la cui madre viene truffata da un sinistro furfante. Le loro vite si intrecceranno, con conseguenze imprevedibili, a causa dei beffardi arabeschi del destino. Felice esordio da regista del giovane Pietro Castellitto (figlio del famoso Sergio e della scrittrice Margaret Mazzantini), che ha anche scritto il film e interpretato il ruolo di Federico Pavone. I predatori è una graffiante commedia corale grottesca dal tono tragicomico, attraversata da squarci surreali e contaminazioni "crime" da serie televisiva. I suoi evidenti intenti di perfida satira sociale, che mettono nel mirino sia l'ipocrisia spocchiosa dell'alta borghesia che i modi grevi e la violenza ideologica degli strati più ignoranti della società, guardano direttamente ai grandi modelli ispiratori della gloriosa Commedia all'Italiana, e riescono a cogliere nel segno, nonostante un frenetico accumulo di situazioni, dialoghi e personaggi, non facili da gestire e da equilibrare. Castellitto junior ci riesce, grazie al buon lavoro di scrittura e alla bravura di attori di sostanza come Marzia Ubaldi, Massimo Popolizio e Liliana Fiorelli, con una menzione speciale per la giovane Giulia Petrini (davvero interessante anche il suo esordio). Il risultato è, dunque, un film fresco, effervescente e "cattivo" al punto giusto, al netto di qualche ridondanza narrativa e di qualche tendenza all'esagerazione nella ricerca esasperata del funambolismo tecnico, dell'inquadratura ad effetto, del movimento di macchina che non ti aspetti. Ma sono, chiaramente, errori di gioventù, tipici di un debuttante "predestinato" che tende a strafare per paura di sbagliare, ignorando che la virtù è più nella misura che nell'enfasi. Ma il futuro è tutto suo. Mezza stellina d'incoraggiamento in più.
 
Voto:
voto: 4/5

Perfetti sconosciuti (2016) di Paolo Genovese

In una bella notte romana su cui incombe un'eclissi lunare, sette amici (tre coppie ed un single) si ritrovano per una cena in casa, per trascorrere insieme una serata conviviale. La padrona di casa, Eva, propone un gioco ardimentoso: per l'intera durata della cena tutti devono mettere il proprio cellulare a centro tavola e condividere ogni messaggio o chiamata che riceveranno. Sarà l'inizio di un "massacro", da cui nessuno sarà escluso. Intelligente commedia di Paolo Genovese, costruita su un'idea tanto semplice quanto efficace. Anzi addirittura vincente, per quello che è la società contemporanea in cui i telefoni cellulari sono diventati una sorta di estensione tecnologica della nostra personalità, nonché una "cassaforte" di segreti inconfessabili, un diario digitale intimo. Non a caso la maggior parte delle persone utilizza una o più password per proteggere i dati del suo smartphone. Ben scritto e ben recitato da un solido cast d'interpreti (Marco Giallini, Edoardo Leo, Alba Rohrwacher, Valerio Mastandrea, Anna Foglietta, Giuseppe Battiston, Kasia Smutniak) è un'acida commedia di costume, cinica e divertente al punto giusto, attraversata da una costante punta di malinconia e con vari colpi di scena ad effetto. Tutti calibrati e riusciti, senza mai scadere nel facile effettismo o nella farsa sguaiata. Ovviamente il vero "colpevole" che viene messo sulla graticola non è il telefono cellulare (che qui funziona da oggetto "MacGuffin") ma la natura umana che, specie nei rapporti sentimentali di coppia, è quasi inevitabilmente portata all'ipocrisia, alla menzogna, alla doppiezza, al tradimento. Si ride spesso, ma è un riso amaro perchè, manco a dirlo, si parla di tutti noi. Buon successo di pubblico e critica in Italia e anche all'estero, per un raro esempio di commedia nostrana esportata con successo. Basti pensare che, finora, il film ha avuto ben 18 remake in diversi paesi stranieri. Probabilmente è un record, nonché una testimonianza di quanto l'argomento trattato sia attuale, universale e pungente.
 
La frase: "Ognuno di noi ha tre vite: una pubblica, una privata e una segreta"
 
Voto:
voto: 3,5/5

It Follows (2014) di David Robert Mitchell

Due giovani, Hugh e Jay, escono insieme, vanno al cinema e fanno l'amore in macchina. Dopo qualche ora la ragazza si risveglia legata a una sedia in un'area abbandonata. Hugh le spiega che è stato costretto a passarle la sua maledizione per salvarsi e che, da questo momento, lei sarà perseguitata da una misteriosa creatura che la seguirà ovunque per ucciderla, assumendo forme diverse, anche quelle di un conoscente. Il solo modo per liberarsi e rimanere in vita è quello di passare l'anatema a qualcun altro tramite rapporto sessuale, a patto però che questi non si faccia uccidere, altrimenti l'entità ritornerebbe a puntare la vittima precedente. Per Jay sarà l'inizio di un incubo. E' cosa rara riuscire ancora a trovare un horror interessante e sopra la media, in un genere ormai abusato e spremuto fino al midollo e vittima di derive commerciali, interessate unicamente all'enfasi dello splatter o al saccheggio dei vecchi classici. David Robert Mitchell, regista "di genere" di belle speranze, ci riesce con questo film agghiacciante che sa regalarci sinceri brividi, più di un sussulto e qualche sequenza da incorniciare (vedi ad esempio il prologo d'antologia). Come tutti gli horror degni di nota la sua forza risiede nelle atmosfere minacciose, che più che mostrare preferiscono suggerire, e nell'uso sapiente di elementi archetipi, di chiaro senso metaforico. Basti citare la "maledizione" che può essere letta come allegoria dell'AIDS (con le conseguenti implicazioni etico-sociali con cui l'autore intende "pungere" il perbenismo americano) o la terribile creatura (la cui reale natura non viene, saggiamente, mai spiegata) che non dà tregua e che, nonostante il suo incedere lento, terrorizza per la sua inesorabile perseveranza e ubiquità (evidente simbolo della morte). Invece il concetto di "trasferimento" della "malattia" ad un altro allude, probabilmente, al senso di colpa, alla vergogna, mirando quindi, nuovamente, al moralismo. Se il regista avesse scelto di mostrare un po' meno dell'entità persecutoria sarebbe stato un film ancora migliore. Ma anche così è uno degli horror più riusciti del suo decennio.
 
Voto:
voto: 3,5/5

Napoli velata (2017) di Ferzan Ozpetek

Adriana, medico legale che si occupa dell'esame di cadaveri, viene sedotta da Andrea con cui trascorre una notte di passione. Ma il giorno dopo l'uomo sparisce nel nulla. Esaminando la vittima di un cruento omicidio, privo dei bulbi oculari, Adriana riconosce proprio il suo amante scomparso. Sconvolta, inizia a indagare e finisce invischiata in un sottobosco di segreti oscuri e verità angoscianti. Intanto un uomo di nome Luca, uguale in tutto e per tutto ad Andrea, compare nella sua vita. E' una persona reale oppure un fantasma? Sorprendente e riuscita digressione di Ferzan Ozpetek nel giallo mistery, con un film mesmerico, enigmatico, seducente, a tratti inquietante. Elegante nella messa in scena e ambiguo nella risoluzione, ha la sua forza conturbante nelle ambientazioni: una Napoli inedita, arcana, esoterica, sotterranea, barocca, mortifera, attraversata da un'iconografia folcloristica arcana, che esala come un sussurro da angoli antichi della città storica, e sembra fondersi con remote credenze pagane. Una Napoli occulta e onirica, lontanissima dai solari stereotipi da cartolina a cui siamo abituati. E, come indicato chiaramente già dal titolo, la famosa città diventa quindi molto più del consueto teatro pulsante di vita e di passioni, ma un autentico protagonista aggiunto, sfuggente e ineffabile, da affiancare a Giovanna Mezzogiorno e Alessandro Borghi. La commistione tra il melodramma sensuale e il thriller misterioso funziona egregiamente, creando atmosfere di minacciosa sospensione ed una narrazione che avvolge lo spettatore con fare sinuoso. Non a caso un espediente visivo molto usato dal regista è la frequente inquadrature di scale ellittiche, dall'alto o dal basso. Ispirandosi ai modelli alti del genere thriller (Hitchcock, De Palma, Argento), Ozpetek ci immerge, tra dedali e vicoli, in un viaggio surreale nel ventre nascosto di Napoli, offrendoci la prospettiva alterata della protagonista alla ricerca di una verità che, più che rivelata, può essere solo intravista. A patto di saper guardare al di là del velo.
 
Voto:
voto: 4/5