Indivisibili (Indivisibili, 2016) di Edoardo De Angelis

Viola e Dasy sono due gemelle siamesi adolescenti di Castel Volturno, famose in tutto il circondario non solo a causa della loro particolarità fisica, ma anche per la bravura nel canto che esercitano presso feste e matrimoni con delle pittoresche esibizioni. Le due ragazze, profondamente diverse nel carattere, si credono delle piccole dive ma, in realtà, vengono sfruttate come fenomeni da baraccone dalla colorita famiglia che vive alle loro spalle. La madre, depressa prostituta sgallettata, sembra più attenta ai desideri delle due ragazze mentre il padre, mentecatto sedicente “poeta” col vizio del gioco, cerca di lucrare il più possibile dal successo locale delle figliole. Ma tutto cambia quando l’incontro con un medico fa scoprire alle gemelle la possibilità di essere separate grazie a un intervento chirurgico, che gli consentirebbe di vivere una vita normale. Sospesa tra ruvido realismo e grottesco surreale, l’opera numero tre di Edoardo De Angelis è una potenta favola nera sul tema della separazione, intesa, in maniera lacerante, come metafora del doloroso passaggio dallo stato infantile a quello adulto. Con una messa in scena decadente attraversata da lampi di bizzarra visionarietà, l’autore napoletano ci immerge nel degrado di un litorale domizio brulicante di sguaiata umanità, in quel sottobosco di malaffare, superstizione, connivenza, furbizia, ignoranza e credulità in cui la camorra ha posto le solide basi del suo impero del male. La camorra che non si vede mai nel film di De Angelis ma di cui costantemente si avverte l’ombra minacciosa, il fiato pesante, il lezzo mefitico, il subdolo potere. I grigi ambienti fatiscenti immersi in un paesaggio dal sapore post apocalittico, tra scheletri di cemento, costruzioni abusive e cattedrali nel deserto, emanano visivamente le esalazioni di una terra amara, bellissima e malata, deturpata da una violenza morale che ne offende la storia e ne mortifica la vitalità. Ma è nel grande cuore espressivo delle due magnifiche protagoniste (le finora sconosciute Angela e Marianna Fontana) che quest’opera dolente e toccante ha la sua possente forza viscerale, in bilico perenne tra dolcezza e crudeltà. Le due “madonne” neomelodiche attraversano soavi il greve scenario ambientale e quasi lo dominano con la loro naturale grazia, attuando un fertile contrasto tra bellezza e decadenza, esuberanza e morte. Non esente da stereotipi e da cadute nel trash, il film ha i suoi punti migliori nei momenti intimi, in cui la forzata vicinanza delle due sorelle diventa desiderio, stupore, delusione, rabbia, entusiasmo, speranza. Ma anche la surreale sequenza notturna sul lussuoso panfilo adibito ad alcova lussuriosa è un momento di volo alto, che conferma l’estro di un regista che ha sempre cercato uno sguardo diversamente amaro sulla sua terra natia. I simbolismi barocchi (a volte al limite del caricaturale) che contornano molte scene e che solleticano quell’immaginario kitsch che da sempre accompagna il meridione campano nel resto d’Italia, non inficiano il valore dell’opera, a cui la spontaneità degli interpreti, il tocco magico dell’autore e la calda espressività creativa consentono di volare ben al di sopra della meschinità ambientale. Tra Fellini e Scola, Sorrentino e Cronenberg, il musical folcloristico e il teatro Kabuki, De Angelis riesce a ritrarre un universo originale e palpitante, in cui l’evidente surrealismo è la lente sotto cui amplificare la miseria del quotidiano. Belle e funzionali le musiche di Enzo Avitabile, tra sonorità stranianti e gemiti melodici.

Voto:

voto: 4/5

A Bigger Splash (A Bigger Splash, 2015) di Luca Guadagnino

Marianne, celebre star del rock rimasta momentaneamente senza voce per un intervento alle corde vocali, si concede una vacanza estiva in un’elegante villa di Pantelleria insieme al giovane amante Paul, tormentato fotografo documentarista. I due vivono spudoratamente la loro passione tra vento, sole, sale e sesso, consumato in assoluta libertà nei luoghi più disparati. Ma tutto cambia quando alla coppia si unisce il ciarliero Harry, produttore musicale ed ex amante della donna, accompagnato dalla giovane figlia Penelope. Mentre Harry fa di tutto per riconquistare Marianne, che non sembra averlo dimenticato, l’inquieto Paul inizia a flirtare con la ventenne Penelope, dando inizio ad un torbido “gioco” che porterà a conseguenze tragiche. Melodramma psicologico con atmosfere thriller diretto con mano sicura da Guadagnino, che si è liberamente ispirato a La piscina di Jacques Deray, realizzandone un remake luminoso e gaudente che riflette sul potere del desiderio, sulle dinamiche dell’erotismo e sul lato oscuro della natura umana. Pur spostando l’azione dalla modaiola Saint-Tropez alla selvaggia Pantelleria, l’autore rispetta il senso, le simbologie e persino i nomi dei personaggi principali del film francese del 1969. Anche qui la piscina è il centro dell’azione ed il talamo intorno a cui i corpi felini dei quattro protagonisti si abbandonano all’estasi della seduzione, della trasgressione e del risentimento strisciante. Pur nei limiti di un rifacimento ammiccante il regista siciliano conferma il suo talento nella rappresentazione delle dinamiche umane, con l’immancabile contrasto tra severità e carnalità, amore e morte. L’aspra bellezza dell’isola italiana conferisce alla storia un senso di pacato straniamento, una sorta di limbo sospensivo in cui i quattro stranieri (ricchi e viziati) possono crogiolarsi  sfacciatamente, con la boria dei privilegiati che si sentono al di sopra di tutto e che si abbandonano alle proprie pulsioni con l’assoluta certezza dell’impunità. In tal senso l’afosa ambientazione isolana amplifica l’ideale stesso di vacanza come fiero momento di franchigia dalle regole morali. Appare invece posticcia e ridondante la parentesi sul tragico problema dei migranti, che nel finale si mescola in controcampo alla vicenda dei protagonisti stranieri, facendoli apparire, questo sì, ancora più alieni. Nel grande cast la controparte maschile (Ralph Fiennes e Matthias Schoenaerts) si dimostra più in forma di quella femminile (Tilda Swinton e Dakota Johnson), mentre ha un’aria amabilmente kitsch la figura del maresciallo di Corrado Guzzanti. La pur brava Swinton, autentica musa del regista palermitano, appare probabilmente come una scelta troppo dura e androgina per un ruolo di questo tipo (specialmente se confrontata con la sensuale Romy Schneider dell’originale). Scena cult: uno sfrenato Ralph Fiennes che balla e canta sulle note di “Emotional Rescue” dei Rolling Stones, per poi tuffarsi nudo nella piscina della discordia.

Voto:

voto: 3,5/5

American Pastoral (American Pastoral, 2016) di Ewan McGregor

Newark, anni ’60: Seymour Levov, detto lo “svedese”, è il fortunato rampollo di un’agiata famiglia ebrea della middle class americana, che ha prosperato e messo radici nel New Jersey attraverso l’oculata gestione di una fabbrica di guanti. Giovane, piacente, idolo locale per le sue imprese sportive, sposato con la sensuale Dawn (ex reginetta a un concorso di bellezza), Seymour è un cittadino modello amato e rispettato dalla sua comunità, l’incarnazione stessa del Sogno Americano. Ma la vita perfetta dei Levov sarà sconvolta da una bufera improvvisa quando la loro unica e adorata figlia Merry, ragazza problematica affetta da balbuzie, si farà coinvolgere dai violenti movimenti di protesta giovanile di fine decennio, verrà accusata di un sanguinoso attentato dinamitardo e sceglierà di sparire, imboccando la pericolosa via della lotta clandestina. Intenso dramma familiare diretto dall’esordiente attore scozzese Ewan McGregor, che si ritaglia anche il ruolo del protagonista principale. E’ tratto del celebre romanzo omonimo di Philip Roth, che gli ha fatto vincere l’ambito Premio Pulitzer nel 1998. La regia di McGregor è accorta e compassata (più per il timore reverenziale dell’illustre ispirazione che per cifra stilistica), la ricostruzione storico ambientale dei 60’s è puntigliosa e convincente, la fotografia di Martin Ruhe e la colonna sonora di Alexandre Desplat sono più che dignitose. La prova recitativa del cast è di buon livello, specialmente per le due protagoniste femminili (Jennifer Connelly e Dakota Fanning) che danno vita ai due personaggi più complessi, ambigui, sfaccettati e interessanti. Appare invece un po’ ingessato e monocorde McGregor nel ruolo dello “svedese”, con un’interpretazione per molti versi affine a quella da lui fornita nel Big Fish di burtoniana memoria. Ma dove il film delude ampiamente è nell’approccio narrativo (e quindi nella sceneggiatura) che lima, riduce e mortifica il potente respiro storico metaforico del romanzo come grande parabola sulla fine del  Sogno Americano. La messa in scena timidamente compita operata da McGregor si sofferma essenzialmente sul dramma familiare e sulla monolitica dedizione dello “svedese” al suo destino di uomo tutto d’un pezzo. Peccato che vengano smarriti quasi del tutto i risvolti storici, le interconnessioni tra la disgregazione della famiglia e il crollo dell’utopia dell’America come terra promessa e “paradiso” delle opportunità, e persino il travagliato rapporto padre figlia si riduce a frettolosi momenti di dozzinale sentimentalismo. Lo stesso dicasi per la descrizione sommaria del profondo disagio giovanile che fu alla base di quelle rivolte sociali e politiche che infiammarono il mondo occidentale dal 1968 fino alla prima metà degli anni ’70, abbracciando le cause del pacifismo, dei diritti civili e dell’emancipazione sessuale come paravento di un’intrinseca ferocia interiore troppo a lungo covata nei riguardi di un modello patriarcale conformista e fasullo, incapace di adeguarsi alle esigenze delle nuove generazioni. In mani ben più esperte e capaci (ad esempio sarebbe stato un soggetto perfetto per Paul Thomas Anderson) poteva essere un capolavoro alla stregua del fortunato romanzo ispiratore. Completano il cast Rupert Evans, David Strathairn e Valorie Curry, che ci regala una sequenza “bollente” che mette a dura prova la morigerata graniticità dello “svedese” (e del film).

Voto:

voto: 3/5

Il maratoneta (Marathon Man, 1976) di John Schlesinger

Thomas Babington Levy, detto “Babe”, è un giovane studente universitario di storia, di origine ebrea e appassionato di corsa podistica (si allena ogni giorno per correre la maratona di New York). A causa del fratello maggiore, implicato in loschi affari, finisce coinvolto in un torbido intrigo internazionale in cui un sadico medico nazista (rifugiatosi in Uruguay per sfuggire alla giustizia alleata) cerca di entrare in possesso di una grossa partita di diamanti sporchi del sangue dell’Olocausto. Intenso thriller spionistico a sfondo storico, diretto con mano sicura da Schlesinger e tratto dal romanzo omonimo di William Goldman, autore anche della sceneggiatura. Teso e angosciante, alterna con collaudata abilità dialoghi taglienti, intreccio appassionante, azione spettacolare e suspense calibrata, rievocando con efficace patos narrativo l’ombra di una tragedia storica ancora molto vicina come la Shoah ebraica. Il tema portante è quello dei criminali nazisti sfuggiti al castigo e riparati in America latina, ma anche quello di un’ideologia dispotica, intrinsecamente violenta e non di pura esclusiva germanica, i cui germi sono ben duri a morire (esemplare, in tal senso, il richiamo al maccartismo americano su cui il protagonista sta preparando la tesi). Ambientato in una New York cupa e ben incorniciata dalla fotografia autunnale di Conrad L. Hall, ha un finale meno aspro rispetto al romanzo ispiratore ed è uno dei thriller più riusciti degli anni ’70, anche grazie al cast stellare in splendida forma: bravo Dustin Hoffman, tenebroso Roy Scheider, straordinario Laurence Olivier in una delle sue intepretazioni più famose nei panni dell’aguzzino Szell. L’agghiacciante sequenza della tortura sulla poltrona dentistica (tra l’altro sforbiciata dal regista stesso per mitigarne l’impatto) è rimasta nella Storia del Cinema. Olivier fu candidato come miglior attore non protagonista agli Oscar 1977 per questa sua interpretazione, ma il premio se lo aggiudicò Jason Robards per Tutti gli uomini del Presidente (sceneggiato anch’esso da Goldman).

La frase: “E’ sicuro ?”

Voto:

voto: 4,5/5

Mine (Mine, 2016) di Fabio Guaglione e Fabio Resinaro

Mike è un tiratore scelto del corpo dei Marines, inviato in missione nel deserto per eliminare il pericoloso leader di una cellula terroristica islamica. Durante il ritorno al campo base si perde in una tempesta di sabbia e finisce in un campo minato dove il suo compagno trova la morte. Rimasto solo Mike avrà la sfortuna di poggiare il piede su una mina celata sotto la sabbia e non potrà più muoversi, pena il venir dilaniato dall’esplosione del letale congegno. Disperato e spaventato, il nostro dovrà cercare di sopravvivere per due giorni alle terribili insidie del deserto, nell’attesa che i soccorsi riescano a localizzarlo. Angosciante survival movie scritto e diretto dai due esordienti registi italiani (nei credits si firmano come “Fabio&Fabio”) che dimostrano un promettente talento nella costruzione della tensione narrativa e nella capacità di mantenere sempre alta la suspense nonostante l’unità di luogo, l’unità di tempo e la presenza in scena di pochissimi personaggi. Sebbene la situazione estrema non sia propriamente originale (si pensi a No Man's Land di Tanovic o a Buried - Sepolto di Cortés), il film si mantiene teso e coinvolgente per tutta la sua durata, anche grazie alla buona interpretazione di un sorprendente Armie Hammer, che qui probabilmente raggiunge il suo apice recitativo. Ma l’aspetto più stimolante dell’opera risiede nel sottile parallelo tra la dura battaglia psicofisica combattuta dal protagonista (contro fame, sete, paura, caldo, freddo e, non ultime, le belve notturne del deserto) e i suoi conflitti interiori derivati da un traumatico passato, che ha lasciato ferite assai più profonde di quelle causate dalle armi belliche. Ecco quindi che la guerra diventa metafora  di uno scontro inconscio ben più arcano e il deserto si fa allegoria di un’aspra condizione di frustrazione psicologica: il (non) luogo in cui i demoni dell’anima prendono forma. Demoni con i quali si dovrà combattere disperatamente con tutte le proprie forze. Con un sapiente uso dei simboli e con un utilizzo claustrofobico dello spazio, quest’opera di sorprendente spessore va ben al di là del thriller d’azione o del war movie di denuncia (la tragica questione delle mine antiuomo è, ovviamente, centrale ma non è il vero cuore del film). Dove la pellicola diventa maggiormente appassionante, toccando nel profondo l’animo dello spettatore, è nei suoi passaggi interiorizzati, nei momenti onirici in cui la realtà oggettiva si confonde con il mondo interiore del protagonista e nell’intenso confronto tra Mike e il nomade berbero. Un confronto tra due civiltà, tra due culture, tra due modi diametralmente opposti di concepire l’esistenza. Ma queste profonde differenze possono trovare un fugace momento di sincera convergenza in condizioni estreme, stabilendo così un ponte che, per la struttura stessa dell’opera, non può che rivolgersi al subconscio. La stupefacente perizia dei due giovani registi milanesi nel costruire un vigoroso racconto introspettivo per immagini, non può che rallegrarci e farci ben sperare per il futuro del nostro cinema, perché sappia districarsi dal pantano di commedie insulse e banalità sentimentali in cui sembra arenato. Completano il cast Annabelle Wallis, Clint Dyer e Tom Cullen, tutti ben calati nei rispettivi ruoli.

Voto:

voto: 4/5

Split (Split, 2016) di M. Night Shyamalan

Kevin soffre di una grave forma di psicopatia dissociativa che lo porta a manifestare ben 23 personalità differenti: ora infantili, ora miti, ora violente, ora inquietanti. La battaglia interiore che si combatte nella psiche dell’uomo sembra far prevalere le sue soggettività oscure, che lo spingono a rapire tre ragazze adolescenti e rinchiuderle in uno scantinato, in attesa che si manifesti una nuova e più pericolosa personalità, a cui le giovani innocenti devono essere sacrificate. La psichiatra che si occupa della singolare patologia del soggetto inizia a sospettare qualcosa e decide di tener d’occhio i movimenti di Kevin, ma la situazione si fa ben presto rischiosa. Inquietante psicothriller apocrifo di Shyamalan, che filtra attraverso il particolarissimo sguardo dell’autore un insieme di influenze e di suggestioni derivanti da tanta (anche eccellente) filmografia attinente del passato: da Hitchcock a De Palma, passando per il misconosciuto Identità di James Mangold. Come sempre il regista indiano utilizza un ritmo compassato e atmosfere striscianti di minaccia incombente per raccontare una storia che fonde i generi e le sue personali ossessioni, senza dimenticare il fantastico, il fumettistico e l’amata Philadelphia, la location di quasi tutti i suoi film. L’inevitabile finale a sorpresa (autentico marchio di fabbrica di Shyamalan) è presente anche stavolta e farà la gioia dei fans incalliti dell’autore. Peccato che, nonostante le buone interpretazioni di un mimetico James McAvoy e soprattutto dell’intensa Anya Taylor-Joy (già apprezzata nell’horror fantascientifico Morgan), il film si trascini in un innocuo anonimato tra situazioni prevedibili e momenti soporiferi (i dialoghi tra Kevin e la psicologa sono a dir poco imbarazzanti), scegliendo di approfondire solo gli aspetti orrorifici e soprannaturali ma trascurando, invece, quelli più sottili e interessanti, legati ai ricordi infantili della (brava) protagonista femminile. Sarebbe stato assai più stimolante se il regista avesse sviscerato con più lucido rigore la palese connessione tra la battaglia psicologica di Kevin e quella (archetipa) della protagonista, evidenziandone l’alone “mitologico” di eroina che cerca di sconfiggere non solo i demoni esteriori ma, soprattutto, quelli interiori. Quasi inspiegabile il notevole successo di pubblico riscosso dalla pellicola, che ha il suo pregio maggiore nella fotografia cupa di pregnante espressività, che conferisce agli interni sotterranei (l’antro di Kevin) una perversa malia oscura. Per il resto ci troviamo di fronte ad un onesto lavoro di pura routine derivativa rispetto ai tanti (troppi?) prodotti che il cinema ha dedicato alla sinistra figura del serial killer.

Voto:

voto: 3/5

Elle (Elle, 2016) di Paul Verhoeven

Michèle è una benestante donna in carriera di mezza età, cinica e disinibita, che dirige con successo una società di videogiochi. Nella sua intensa quotidianità deve gestire un ex marito che pende ancora dalle sue labbra, un figlio immaturo che aspetta un bambino da una ragazza tutto pepe, una bollente relazione con il marito della sua migliore amica, un’indomita madre ultrasettantenne che si trastulla con il suo giovane amante ed un padre “mostro” condannato all’ergastolo per aver commesso una cruenta strage tra i vicini di casa negli anni ’70. Un giorno Michèle viene aggredita e stuprata nella sua abitazione da un misterioso uomo mascherato, ma decide di non denunciare il fatto e proseguire la sua vita come se nulla fosse accaduto. Ma quando l’assalitore si rifà vivo, la donna inizia con lui un torbido gioco sessuale dalle pericolose conseguenze. Cinico thriller drammatico “da camera”, con contaminazioni da commedia nera, girato “alla francese” da Verhoeven, che ha liberamente adattato il romanzo “Oh...” di Philippe Djian. Provocatorio nelle tematiche, violento nei contenuti e amorale nei toni, è un piccolo compendio di tutto il cinema del regista olandese, da sempre a suo agio con le vicende morbose che mescolano sangue e sesso. Ora divertente ora agghiacciante, ambiguo e impudente fino al midollo, è un apologo anarchico (trasversale ai generi) sulle perversioni sessuali e sul sadismo latente di una borghesia ipocrita, viziata e rapace. Peccato che, per via della mano pesante del regista, non possieda la lucidità critica, il rigore espressivo e la compattezza tematica di un’opera capitale (e per molti versi affine) come La pianista di Michael Haneke che, tra le altre cose, condivide la stessa magnifica protagonista, la bravissima Isabelle Huppert. Tutti i punti di forza della pellicola si devono a lei e alla sua straordinaria capacità di  reggere, con ambigua misura, il peso di un ruolo così scomodo e “scandaloso”. La Huppert, meritatamente candidata all’Oscar come miglior attrice per quest’interpretazione, attraversa il film con la forza (e la grazia) di chi è riuscito a raggiungere lo stato interiore di libertà assoluta, andando oltre le convenzioni morali, il conformismo sociale e i tabù reconditi. La sua capacità mimetica di sintonizzarsi, quasi naturalmente, con personaggi estremi e borderline è ammirevole e continua a stupire, nonostante una carriera come la sua, imponente e costellata di successi. E va altresì sottolineata la sua fisicità asciutta e nervosa, in grado di emanare ancora un seducente erotismo all’età di 63 anni. Dal punto di vista thriller il film non è esattamente monolitico, a cominciare dall’identità dello stupratore che è intuibile già a metà pellicola, facendo quindi decadere l’alone di mistero e la tensione narrativa. Al Festival di Cannes 2016, dove ha suscitato numerosi consensi, è stato battuto, nella corsa alla Palma d’Oro, da Io, Daniel Blake  di Ken Loach.

Voto:

voto: 3,5/5

Collateral Beauty (Collateral Beauty, 2016) di David Frankel

Howard è un manager pubblicitario brillante e di successo, che cade in uno stato di profonda depressione a causa di un lutto familiare: la tragica morte di sua figlia di sei anni per un male incurabile. L’uomo diventa così un solitario abulico con tendenze suicide e non riesce più a provare alcun interesse né per la vita, né per il lavoro, né per le persone che lo circondano. Quando la sua azienda finisce sull’orlo del tracollo finanziario, i suoi più stretti collaboratori (e amici) elaborano un sofisticato piano per indurre in Howard uno scossone emotivo e convincerlo a vendere la società evitandone il fallimento. L’idea è quella di assumere tre sconosciuti attori teatrali per fargli interpretare i ruoli delle tre figure astratte a cui Howard ha scritto delle disperate lettere: il Tempo, l’Amore e la Morte. Strampalato drammone natalizio che oscilla tra il melodramma lacrimevole e il favolistico edificante, pieno zeppo di retorica, di situazioni bislacche e di dialoghi leziosi da far invidia alle frasi dei Baci Perugina. D’altra parte, con una sceneggiatura così improbabile e lacunosa nelle scelte narrative, era difficile tirar fuori qualcosa di meglio di questo inverecondo pastrocchio di tragedie patetiche e buoni sentimenti. Ma David Frankel ci mette del suo con una regia anonima e prolissa, riuscendo a sprecare clamorosamente un cast stellare (Will Smith, Edward Norton, Kate Winslet, Keira Knightley, Helen Mirren, Michael Peña, Naomie Harris), in cui il divo Smith è tenuto volutamente fuori fuoco, i protagonisti sono il trio di amici/colleghi (Norton, Winslet, Peña) e l’unica che si salva dal naufragio è l’ironica Mirren nel ruolo della “Morte”. Tra tirate svenevoli e ammiccamenti alla commedia, si avanza a tentoni fino al doppio finale a sorpresa, che non fa che aumentare il senso di frustrazione. Hollywoodiano nella peggiore accezione del termine, è stato un fiasco al botteghino (specialmente in patria) ed ha fatto registrare una totale unanimità di stroncature. Il termine che più gli si addice è spreco: di talento degli attori e di tempo da parte degli spettatori.

Voto:

voto: 2,5/5

La La Land (La La Land, 2016) di Damien Chazelle

Nella città degli angeli (e dei sogni) Sebastian, appassionato pianista jazz in cerca d’affermazione, e Mia, aspirante attrice che passa da un’audizione all’altra, si conoscono, si frequentano e s’innamorano. Ma il loro grande amore sarà presto messo alla prova dai rispettivi progetti professionali e poi dall’arrivo inatteso del successo, che ne cambierà abitudini e prospettive. Scintillante musical sentimentale del talentuoso Damien Chazelle, che, tra brio e leggerezza, mette in scena un omaggio vivace e nostalgico della vecchia Hollywood del periodo classico, quella dei celebri film musicali con Gene Kelly, Fred Astaire e Ginger Rogers. In un’elegantissima confezione estetica che dona esuberante risalto alle coreografie di danza, alla vitalità dei protagonisti ed alla bellezza dei panorami losangelini, questa luccicante “fiaba” moderna svolazza lieve tra romanticismo trasognato, citazionismo colto ed elegia del sogno. Perché, in fondo, è esattamente di questo che si parla: nella città dei sogni per eccellenza (Los Angeles), tra i locali jazz e gli studios cinematografici, tra le palme e i grandi Boulevards, il Sogno è la linfa vitale che regola le azioni dei due giovani amanti, alla disperata ricerca della realizzazione sentimentale e professionale. Lei sogna di diventare una grande attrice e si accontenta di un misero posto da barista per potersi mantenere e presenziare a tutti i provini che potrebbero aprirle le porte di Hollywood. Lui sogna di aprirsi un locale tutto suo dove poter finalmente suonare quel jazz puro che tanto ama e che ormai non piace più a nessuno. Ed il titolo stesso gioca ambiguamente, nel suo doppio significato, sul tema del Sogno: “La La Land” è un’espressione americana che può essere tradotta come “vivere nel mondo dei sogni”, ma può anche riferisi a Los Angeles (tramite la ben nota abbreviazione L.A.), ovvero la città che da sempre rappresenta, nell’immaginario collettivo, il posto dove i sogni possono essere realizzati. Peccato che il film paghi lo scotto sia di una parte centrale un po’ stiracchiata e meno interessante, sia delle non proprio eccellenti capacità nel ballo e nel canto dei due protagonisti principali, Ryan Gosling ed Emma Stone, la cui indubbia presenza scenica non va di pari passo con le qualità canore. Belle e coinvolgenti, invece, le musiche originali composte da Justin Hurwitz, capaci di esaltare degnamente il cuore e il dinamismo che trasudano dalla pellicola. Chazelle dimostra di saperci fare con il mezzo cinema e dà sfogo a tutto il suo amore per il jazz e per i classici regalandoci un paio di sequenze notevoli (vedi il balletto d’apertura sull’autostrada bloccata dal traffico) ed alcune gustose citazioni (come l’intenso finale che omaggia il famoso “Play it, Sam” di Casablanca o la scena del planetario che celebra un altro “monumento” del cinema hollywoodiano come Gioventù bruciata). Completano il cast Rosemarie DeWitt, John Legend e J. K. Simmons, che torna a lavorare con Chazelle dopo la grande performance di Whiplash e ci regala anche la battuta più riuscita del film. Acclamato unanimemente come pellicola dell’anno da critica e pubblico, era dato come sicuro trionfatore agli Oscar 2017, dove ha vinto sei statuette su ben quattordici candidature mancando però il premio più ambito di miglior film. A dirla tutta non va oltre la bontà di un prodotto certamente sopra la media ma anche in forte odore di sopravvalutazione. La recente tendenza di Hollywood di celebrare (e premiare) i grandi generi classici del passato (il muto nel 2012, il film d’impegno sociale nel 2013, il dramma teatrale nel 2015 e il dossier d’inchiesta nel 2016) è la chiara testimonianza della mancanza di nuove idee. Citando per l’occasione una frase di  La La Land: “Come si può essere rivoluzionari se si è così tradizionalisti ?”.

Voto:

voto: 3,5/5